10 repinowanych obrazów, które zmieniły historię rosyjskiego malarstwa

Zawartość:

Malarstwo Ilji Riepina jest znane wielu osobom. Jego dzieła, dzieła uznanego mistrza realizmu, zachwycają pozorną prostotą i wyrafinowanym wykonaniem. Na czym polega istota i tajemnica realizmu Repina? Przyjrzyjmy się temu na przykładzie jego słynnych dzieł. Repin mistrzowsko oddaje emocje i charakter swoich bohaterów, nadając każdemu obrazowi żywą i ekspresyjną głębię. Jego umiejętność uchwycenia chwil życia urzeka widzów i pozwala na głębsze zrozumienie natury ludzkiej.

Obraz „Kozacy zaporoscy” („List do sułtana tureckiego”) oparty jest na wydarzeniu historycznym – śmiałym liście wysłanym przez Kozaków pod wodzą atamana Iwana Serki do sułtana Muhammada IV pod koniec XVII wieku. Kopia tego listu, w którym Kozacy zaporoscy wyrazili swoje niezadowolenie, przetrwała do dziś. Historyk Dmytro Jawornicki przeczytał kiedyś ten list Riepinowi, co zainspirowało artystę do stworzenia jego dzieła. Obraz nie tylko oddaje ducha tamtych czasów, ale stanowi również ważną część ukraińskiego dziedzictwa kulturowego, podkreślając odwagę i niezależność narodu kozackiego.

Pomimo prymitywności listu, który zawierał obelgi takie jak „świńska morda”, „gówno klaczy” i „pies rzeźnika”, Riepin był pod wrażeniem Odporność „diabelskiego ludu”. Ta wewnętrzna potrzeba zainspirowała artystę do stworzenia nowego płótna, które stało się odbiciem jego podziwu i szacunku dla ducha ludu.

Artysta pracował nad swoim obrazem przez 11 lat, gromadząc materiały, tworząc dziesiątki szkiców i podróżując po Kubaniu i Zaporożu. Dogłębnie studiował historię i badał dane archiwalne. Pomimo jego wysiłków, współcześni uznali dzieło za „historycznie niedokładne”. Jednak nazwiska krytyków nie zapadły w pamięć, a sam obraz stał się jednym z arcydzieł sztuki klasycznej.

W czasach sowieckich Repin był postrzegany jako obrońca praw człowieka. Prawdziwym obrońcą był syn woźnicy z Czugujewa. Jego twórczość odzwierciedlała kwestie społeczne i dążenie do sprawiedliwości, co uczyniło go ważną postacią w kulturze rosyjskiej.

Artysta był również malarzem dworskim, co otworzyło mu wyjątkowe możliwości współpracy z wysokimi rangą urzędnikami. Pociągał go szczery i autentyczny historyzm, co znajduje odzwierciedlenie w jego obrazach. Uderzającym przykładem jest dzieło „Uroczyste spotkanie”, które uchwyciło moment jubileuszowy – posiedzenie Rady Państwa, parlamentu Imperium Rosyjskiego, ustanowionego sto lat temu. Ukończenie tego wielkoformatowego obrazu, przedstawiającego 81 osób, zajęło artyście trzy lata. Pozwolono mu nawet zabrać ze sobą aparat fotograficzny na te spotkania, co było rzadkim przywilejem dla artysty tamtych czasów.

Wbrew powszechnemu przekonaniu obraz ten nie jest znany jako „Iwan Groźny zabija „Syna”. Premiera wywołała spore poruszenie ze względu na „krwawy” charakter i nadmierny naturalizm, co było niezwykle nietypowe jak na tamte czasy. Dzieło szybko stało się obiektem cenzury i przez długi czas pozostawało ukryte przed widzami.

Paweł Tretiakow nabył obraz, ale wkrótce został on zakazany na wystawach na mocy dekretu cesarskiego, który zabraniał również jego dystrybucji w jakikolwiek inny sposób. Przyczyny tej presji pozostają niejasne: mogła być związana ze śmiercią Aleksandra II i późniejszymi egzekucjami jego zabójców, lub z tzw. „nieścisłością historyczną”, która mogła negatywnie wpłynąć na reputację cara.

Według najnowszych informacji carewicz Iwan Iwanowicz nie cieszył się dobrym zdrowiem i zmarł z powodu choroby. Nie umniejsza to jednak artystycznej wartości arcydzieła Ilji Riepina. Obraz nadal budzi podziw swoją głębią i bogactwem emocjonalnym, odzwierciedlając nie tylko osobowość carewicza, ale także jego historię. Kontekst epoki. Repin mistrzowsko oddał zarówno stan fizyczny bohatera, jak i jego świat wewnętrzny, co czyni dzieło aktualnym i znaczącym w sztuce.

Ilja Repin głęboko współczuł ludziom wykonującym ciężką pracę fizyczną. Podczas podróży Wołgą obserwował przewoźników barek ciągnących ciężkie barki na tle kwitnących letnich mieszkańców i eleganckich dam. Ta wizja zainspirowała go do stworzenia obrazu o ostrym przesłaniu społecznym. „Ludzie są zaprzęgani zamiast bydła” – powiedział z oburzeniem swojemu przyjacielowi, artyście Konstantinowi Sawickiemu. Repin starał się przekazać widzom problem wyzysku robotników, podkreślając kontrast między ich trudnym losem a beztroskim życiem przedstawicieli wyższych sfer.

Tworząc ten obraz, artysta odszedł od tradycyjnych kanonów realizmu, woląc uchwycić przewoźników barek takimi, jakimi są, bez zbędnych kontrastów z zamożną publicznością. Dzieło to, wycenione na 3000 rubli, zostało nabyte przez wielkiego księcia Włodzimierza Aleksandrowicza, brata Aleksandra III. Zarobki przewoźnika barek w udanym sezonie wynosiły zaledwie 60 rubli, co podkreśla Wartość dzieła.

Według wspomnień artysty, książę był zadowolony ze swojego dzieła. Włodzimierz znał wszystkie postacie i detale krajobrazu. Prawdopodobnie wczuwał się w losy swoich rodaków w sali bilardowej Pałacu Włodzimierskiego.

Ta lakoniczna akwarela stanowi ponadczasową ilustrację do każdego wydania „Eugeniusza Oniegina” Puszkina. Pomimo prostoty kompozycji i ubóstwa szczegółów, stworzenie tego dzieła okazało się dla artysty wyzwaniem. Zachowały się liczne szkice związane z tą fabułą, a także dwie ukończone wersje. W jednej z nich Leński już nie żyje, ale Repin, jak w większości swoich prac, postanowił uchwycić moment przed finałem, pozostawiając widzów z poczuciem ekscytującego niedopowiedzenia. Ta akwarela nadal przyciąga uwagę i inspiruje artystów, podkreślając głębię i złożoność twórczości Puszkina.

Ten pośmiertny portret powstał na zamówienie galerii, która nosi nazwę Jego założycielem jest słynny filantrop, kolekcjoner i filantrop Paweł Michajłowicz Trietjakow. Obraz jest powiększoną kopią portretu namalowanego za życia Trietjakowa. Co ciekawe, pierwszy portret namalował Iwan Kramskoj, który był nie tylko nauczycielem, ale i wieloletnim przyjacielem Riepina. Po tym wydarzeniu Tretiakow nie pozował już innym artystom.

Ilja Jefimowicz Repin, obdarzony przyjaznym i sympatycznym usposobieniem, co jest rzadkością wśród ludzi twórczych, utrzymywał przyjazne stosunki z wybitnymi osobistościami swoich czasów. Stworzył kilka niezwykłych portretów Lwa Tołstoja, odzwierciedlających jego głęboki szacunek dla pisarza. Repin, w przeciwieństwie do wielu współczesnych, nie kpił z jego zamiłowania do pracy chłopskiej, postrzegając ją jako ważną kontynuację swojej twórczości filozoficznej i artystycznej. Podkreśla to jego szczególny stosunek do życia i sztuki, który sprawia, że ​​jego dzieła są znaczące i aktualne nawet we współczesnym kontekście.

Szkic obrazu powstał w ciągu tygodnia, który Ilja Repin spędził w Jasnej Polanie. Według wspomnień krewnych Tołstoja, Repin rzeczywiście podążał za pisarzem po polach z notesem, tworząc szkice. Proces ten przyczynił się do osiągnięcia wysokiego stopnia fotograficznej dokładności w jego pracach.

Ilja Repin rozpoczął karierę jako malarz ikon. Dołączył do zespołu malarzy ikon w wieku 16 lat. W tym okresie stworzył liczne dzieła o tematyce biblijnej i pozostał głęboko religijny przez całe życie. Ta wiara znalazła odzwierciedlenie w jego twórczości, a jednym z jego najważniejszych dzieł był obraz przedstawiający procesję religijną. Repin wyrażał niezadowolenie z ostentacyjnej pobożności zamożnych ludzi i odmawiał złagodzenia wizerunku młodych, bogato ubranych kobiet z mieszczaństwa, pomimo próśb samego Trietiakowa i innych artystów. Podkreśla to jego przywiązanie do prawdy artystycznej i pragnienie szczerości w sztuce.

Piękno jest pojęciem subiektywnym, zależnym od osobistych preferencji. Jednak dla mnie prawdziwe piękno tkwi w prawdzie. Nie mógłbym szanować siebie, gdybym zaczął pisać o „dywanach, które pieszczą oko”. Te słowa, wypowiedziane do Nikołaja Muraszki, podkreślają wagę szczerości i głębi w sztuce. Sztuka powinna odzwierciedlać rzeczywistość, a nie jedynie zaspokajać zewnętrzne wymagania estetyczne. To przypomina, że ​​prawdziwe piękno rodzi się z autentycznego wyrażania uczuć i myśli.

W swojej książce „Seditious Canvases”, wydanej w Moskwie w 1963 roku przez Detgiz, A.S. Varshavsky zgłębia tematy związane ze sztuką i jej wpływem na społeczeństwo. Autor analizuje kulturowe i historyczne konteksty, w których powstały dzieła, postrzegając je jako zwierciadła przemian społecznych. Książka jest interesująca dla miłośników sztuki i badaczy poszukujących głębszego zrozumienia wpływu dzieł artystycznych na świadomość społeczną.

Repin, malarz pejzażystów, pozostaje mniej znany szerszej publiczności, ale jego talent wykracza poza malarstwo rodzajowe. W młodości tworzył liczne, jasne, słoneczne szkice i studia. W jego pracach przedstawiano również bliskie mu osoby: żonę Wierę, jej rodziców, córki, brata i bratową. Dominującym motywem w tych pracach jest pejzaż. Obraz „Na ławce z darni”, namalowany po powrocie z Paryża, świadczy o wpływie impresjonistów, choć sam Repin nie darzył ich wielkim szacunkiem. Pejzaże Repina są wzbogacone światłem i nastrojem, co czyni je wyjątkowymi. Jego umiejętność oddawania nastroju natury i interakcji człowieka z otaczającym światem wyróżnia go spośród innych artystów. Repin kontynuował eksperymenty ze stylami, co pozwoliło mu stworzyć własny, niepowtarzalny styl malarski.

Jeden z ostatnich autoportretów Ilja Repin powstał w 1940 roku z powodu braku płócien. W wieku 76 lat, po stracie drugiej żony i izolacji w fińskiej wiosce wypoczynkowej Kuokkala, znanej obecnie jako Repino, artysta kontynuował pracę twórczą. Pomimo trudnych warunków – braku drewna na opał, nafty i odpowiedniego jedzenia – pozostał wierny swojemu stylowi, przedstawiając rzeczywistość bez upiększeń, nawet gdy stawała się ponura. Stopniowo prawa ręka Repina zaczęła odmawiać posłuszeństwa, ale wytrwał i nauczył się malować lewą. Córki i przyjaciele próbowali ukryć przed nim pędzle, ale on znajdował sposoby na wyrażanie siebie za pomocą ołówków, atramentu, a nawet niedopałków papierosów. Ten autoportret stał się symbolem jego niezłomnego ducha i poświęcenia sztuce, pomimo ograniczeń fizycznych i trudności życiowych.

Optymizm, który charakteryzował artystę, go nie zawiódł. Nawiązał przyjazne stosunki z lokalną elitą twórczą i w 1919 roku przekazał siedem swoich prac Fińskiemu Stowarzyszeniu Artystycznemu. W latach 20. XX wieku odwiedzały go całe delegacje z ZSRR, w tym studenci i przyjaciele. Nawet Łunaczarski namawiał go do powrotu, ale problemy zdrowotne uniemożliwiły realizację tych planów. Wielki artysta zmarł w 1930 roku, pozostawiając po sobie list pożegnalny, pełen wzruszających słów.

Żegnaj, drodzy przyjaciele! Doświadczyłem wiele szczęścia na tej ziemi i myślę, że miałem w życiu niesamowite szczęście.

Dowiedz się więcej o designie i nowych trendach na naszym kanale Telegram. Subskrybuj, aby być na bieżąco z ciekawymi materiałami i przydatnymi poradami.

Przeczytaj także:

• 10 obrazów Arkhipa Kuindzhiego, które warto poznać
• Historia jednego projektu. Lampa Anglepoise / Skillbox Media
• Historia jednego projektu. „Dyptyk Marilyn” Andy'ego Warhola
• Historia jednego projektu. „Kompozycja z czerwienią, błękitem i żółcią”