Historia designu w latach 70. i 80. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura

Spis treści:

• Przedwczesne pożegnanie z modernizmem
• „Biały” i „szary”
• Szkoła włoska
• Rzeczy dla ludzi
• Design radziecki

W historii architektury i projektowania produktu lata 70. XX wieku to okres spokoju pomiędzy dynamicznymi latami 60. i 80. XX wieku. Kryzysy naftowe z lat 1973 i 1979 zadały poważny cios gospodarce europejskiej i amerykańskiej, prowadząc do trudności gospodarczych i niestabilności społecznej w świecie zachodnim. Okres ten charakteryzuje się osłabieniem impulsu twórczego i spadkiem optymizmu, który charakteryzował poprzednie dekady. Architektura i wzornictwo w tym okresie odzwierciedlały zmiany w nastrojach społecznych, zmierzając w kierunku rozwiązań bardziej powściągliwych i funkcjonalnych.

Przedwczesne pożegnanie z modernizmem

Główne trendy i ruchy, które pojawiły się w latach 60. XX wieku, takie jak architektura metaboliczna, brutalizm i radykalny design, nadal wywierały znaczący wpływ na architekturę i wzornictwo w latach 70. Ruchy te nie tylko ukształtowały unikalny styl tamtych czasów, ale stały się również ważnym fundamentem późniejszych zmian w praktyce architektonicznej. Metabolizm, kładący nacisk na adaptowalność i rozwój, brutalizm z jego masywnymi formami i uczciwością materiałów, oraz radykalny design, dążący do eksperymentów i reinterpretacji tradycyjnych form, zdefiniowały charakterystyczny język wizualny lat 70. XX wieku. Ruchy te pozostają aktualne do dziś, inspirując współczesnych architektów i projektantów do tworzenia śmiałych i innowacyjnych rozwiązań.

W 1977 roku amerykański krytyk architektury Charles Jencks opublikował książkę „Język architektury postmodernistycznej”, która stała się kluczowym manifestem architektonicznym XX wieku. Praca ta położyła podwaliny teoretyczne pod dalszą dyskusję na temat architektury i jej historycznego kontekstu, stając się niezbędnym źródłem wiedzy dla badaczy i praktyków. Książka analizuje podstawowe zasady architektury postmodernistycznej, jej estetykę i elementy kulturowe, pozwalając lepiej zrozumieć ewolucję myślenia architektonicznego. Wpływ prac Jencksa jest odczuwalny do dziś, a on sam nadal inspiruje nowe pokolenie architektów i projektantów.

W tej pracy Jencks ogłosił koniec ery modernizmu i przeanalizował rodzące się trendy, postrzegając je jako różne formy „języka” architektury. Przedstawił swój punkt widzenia jako zwolennik teorii poststrukturalistycznej, zgodnie z którą metody lingwistyczne można zastosować do zrozumienia wszelkich zjawisk kulturowych. Wszystkie te zjawiska interpretuje jako systemy komunikacji, co otwiera nowe horyzonty w badaniach nad architekturą i designem.

Charles Jencks zdaje się przedwcześnie ogłosić śmierć architektury modernistycznej, a jego książka nie odpowiada na wszystkie pojawiające się pytania. Niemniej jednak praca ta była wielokrotnie wznawiana, a każde nowe wydanie było uzupełniane o nowy materiał. Nasza tendencja do wrzucania do jednego worka różnych ruchów architektonicznych lat 60. i 90. XX wieku, często luźno ze sobą powiązanych, a czasem wręcz sprzecznych, pod ogólny termin „postmodernizm”, jest konsekwencją percepcji ukształtowanej przez tę książkę. Warto zauważyć, że postmodernizm, jako ruch architektoniczny, wciąż budzi zainteresowanie i debatę, podkreślając jego znaczenie w historii architektury.

Lata 70. XX wieku stały się epoką niezwykłych osiągnięć architektonicznych, kiedy to mistrzowie tacy jak Carlo Scarpa i Louis Kahn ukończyli swoje najważniejsze projekty. W 1976 roku Louis Kahn ukończył kompleks rządowy w Dhace, stolicy Bangladeszu, nad którym prace rozpoczął na początku lat 60. Kompleks ten stał się nie tylko arcydziełem architektury, ale także symbolem pragnienia nowoczesności i funkcjonalności w architekturze. Projekty tych architektów nadal inspirują i wpływają na współczesną urbanistykę i rozwiązania architektoniczne.

Obaj architekci znacząco odeszli od koncepcji „stylu międzynarodowego”, ale Nie można ich nazwać postmodernistami. Ruchy architektoniczne, które Jencks określił mianem postmodernistycznych, powstały w odpowiedzi na wyzwania nowoczesności. Natomiast Scarpa i Kahn dążyli do tworzenia budynków, które nie tylko odzwierciedlałyby ich epokę i kulturę, ale także przypominały megality, zigguraty i świątynie jaskiniowe. Ich architektura posiada monumentalny i ponadczasowy charakter, wolny od przypadkowych elementów.

"Biały" i "szary"

Na początku lat 70. nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej zorganizowało serię spotkań z młodymi architektami, zorganizowanych przez Arthura Drexlera, kierownika działu architektury i wzornictwa. W rezultacie tych spotkań w 1972 roku ukazała się książka „Five Architects”, w której znalazły się nazwiska tak wybitnych architektów, jak Michael Graves, Peter Eisenman, Charles Gwathmey, John Hejduk i Richard Meier. W następnym roku magazyn „Architectural Forum” opublikował dyskusję, w której udział wzięli nie tylko autorzy książki, ale także pięciu innych architektów. Dyskusję zorganizował Robert Stern, reprezentujący drugą grupę architektów. Wydarzenia te stały się ważnym kamieniem milowym w rozwoju myśli architektonicznej i wywarły znaczący wpływ na sztukę współczesną.

Budynki „Nowojorskiej Piątki” charakteryzują się minimalistycznym stylem i zazwyczaj białym kolorem, co sprawiło, że prasa określała je mianem „białych” architektów. Natomiast ich brutalistyczni przeciwnicy byli nazywani „szarymi”. Konflikty między „białymi” a „szarymi” odegrały znaczącą rolę w kształtowaniu się postmodernistycznej teorii architektury w Ameryce, ale ich wpływ na późniejsze losy uczestników debaty okazał się nieznaczny.

Większość przedstawicieli „szarej” architektury skłaniała się ku paseizmowi i architekturze porządku. Niektórzy, jak Allan Greenberg, traktowali ją poważnie, podczas gdy inni, jak Roger Moore, patrzyli na nią z ironią. W tym kontekście Michael Graves, jeden z pięciu najwybitniejszych architektów, okazał się nieoczekiwanym sojusznikiem. Spośród „białych” jedynym, który pozostał wierny ideałom młodości, był Richard Meier.

Szkoła włoska

Wystawa „Włochy: Nowy krajobraz krajowy”, zorganizowana w MoMA w 1972 roku, wyniosła włoski, radykalny design na arenę międzynarodową. To wydarzenie sprawiło, że inne krajowe szkoły projektowania produktu pozostawały w cieniu włoskiego ruchu przez długi czas, aż do końca XX wieku. Istotnym czynnikiem tego zjawiska było ustanowienie Mediolanu jako centrum światowego przemysłu meblarskiego w latach 70. XX wieku, co przyciągnęło uwagę projektantów i producentów z całego świata. W ten sposób włoski design stał się symbolem innowacji i estetyki, wyznaczając kierunek rozwoju wzornictwa produktów w kontekście globalnym.

Niektórzy włoscy projektanci, wcześniej związani z ruchem radykalnym, brali udział w wystawach grupy Alchemia w drugiej połowie lat 70. Grupa została założona w 1976 roku przez Alessandro i Adrianę Guerriero. Nie miała stałego składu, co przyczyniło się do różnorodności idei i podejść. Pierwsza wystawa grupy, Bau.Haus uno, zorganizowana w 1978 roku, zgromadziła tak znanych projektantów, jak Alessandro Mendini, Ettore Sottsass, Andrea Branzi i Michele De Lucchi. Udział tych mistrzów w wystawach grupy Alchemia stał się ważnym etapem w rozwoju włoskiego wzornictwa i wywarł znaczący wpływ na współczesną sztukę i architekturę.

W 1980 roku Ettore Sottsass założył nowe stowarzyszenie projektowe o nazwie Memphis. W skład grupy weszło kilku członków poprzedniego kolektywu „Alchemy”. Od tamtej pory obie grupy działają równolegle, wnosząc znaczący wkład w rozwój współczesnego designu i architektury. „Memphis” stał się symbolem postmodernizmu, wyróżniającym się jaskrawymi kolorami i niekonwencjonalnymi formami, które przyciągały uwagę do nowych podejść w projektowaniu.

Zobacz także:

Memphis Grupa: postmodernistyczna rewolta w

Założona w 1981 roku przez włoskiego projektanta Ettore Sottasa, Grupa Memphis stała się symbolem ruchu postmodernistycznego designu. Ten kolektyw architektów i projektantów wprowadził do świata żywe kolory, nietypowe kształty i eksperymentalne materiały, kwestionując tradycyjne pojęcia funkcjonalności i estetyki. Ich prace wyróżniają się zabawnym podejściem, łączącym elementy popkultury, surrealizmu i minimalizmu.

Projektanci Grupy Memphis chcieli tworzyć coś więcej niż tylko funkcjonalne przedmioty. Chcieli, aby ich prace wywoływały emocje i kwestionowały konwencjonalne normy. Rezultatem były unikalne meble, tkaniny i akcesoria, które nadal inspirują dzisiejsze pokolenie projektantów.

Styl Memphis charakteryzuje się żywymi zestawieniami kolorów, geometrycznymi kształtami i asymetrią, dzięki czemu jest łatwo rozpoznawalny. Elementy te stały się podstawą unikalnego języka wizualnego, który nadal wpływa na design i sztukę. Wpływ Grupy Memphis widać w pracach współczesnych projektantów, którzy wciąż eksplorują granice między sztuką a designem.

Grupa Memphis pozostaje znacząca w historii designu, otwierając nowe horyzonty dla twórczej ekspresji i śmiałych eksperymentów. Postmodernistyczny bunt zapoczątkowany przez tę grupę wciąż inspiruje i generuje zainteresowanie oryginalnymi i niekonwencjonalnymi rozwiązaniami w świecie designu.

Głównymi projektantami marki Alchemy są Guerriero i Mendini. Większość ich dzieł, stworzonych pod tą marką, powstała pierwotnie jako eksponaty wystawowe. Te obiekty są nie tylko obiektami sztuki współczesnej, ale mogą być również interpretowane jako obrazy i przekazy. Jednocześnie spełniają one swoje funkcjonalne cele, co czyni je wyjątkowymi w świecie designu.

W 1982 roku rodzina Mazzocchi, właściciele słynnego magazynu architektonicznego „Domus”, otworzyła w Mediolanie prywatną szkołę projektowania o nazwie Domus Academy. Wśród założycieli Akademii znaleźli się znani projektanci i architekci, tacy jak Andrea Branzi, Alessandro Guerriero i Alessandro Mendini, który od 1979 roku pełnił również funkcję redaktora naczelnego magazynu „Domus”. Akademia Domus stała się ważnym ośrodkiem kształcenia i rozwoju w dziedzinie projektowania, przyciągając studentów z całego świata i przyczyniając się do kształtowania nowych podejść w architekturze i projektowaniu.

W latach 80. XX wieku akademia ta była uważana za jedną z najnowocześniejszych szkół projektowania na świecie. Nauczała projektowania jako ważnego aspektu sztuki współczesnej, posługując się terminologią Marshalla McLuhana i traktując je jako „media”. W tamtym czasie „model ulmski” pozostał w centrum zainteresowania, ale akademia z powodzeniem dostosowała metody nauczania do nowych realiów i wymagań.

Historia włoskiego radykalnego designu kończy się interesującą nutą: początkowo wyłaniający się jako spontaniczny protest i eksperyment, stopniowo nabrał charakteru systematycznego i stał się podstawą całej szkoły. To przejście od chaosu do metodologii stało się ważnym etapem w rozwoju designu, kształtując nowe podejścia i koncepcje. Włoski, radykalny design nie tylko zmienił postrzeganie sztuki i funkcjonalności, ale także wywarł znaczący wpływ na nowoczesne praktyki projektowe.

Rzeczy dla ludzi

Szkoła Ulmska przestała istnieć w 1968 roku, ale wypracowany przez nią ideał funkcjonalnego, prostego i matematycznie uzasadnionego designu pozostał aktualny aż do lat 70. XX wieku. Architektura wnętrz, meble i oświetlenie przeszły znaczące zmiany pod względem formy i typologii dzięki projektantom takim jak Verner Panton i Joe Colombo, a także innym przedstawicielom kreatywnej fali lat 60. Ci innowatorzy wprowadzili świeże idee i koncepcje, które wpłynęły na rozwój nowoczesnego designu.

Projektowanie urządzeń gospodarstwa domowego i sprzętu AGD nadal ma charakter racjonalny, koncentrując się na uproszczeniu interakcji człowieka z urządzeniami. We Włoszech Richard Sapper i Mario Bellini, konsultant Olivetti i twórca wielu produktów tej firmy, pracowali w tym kierunku. W Niemczech projektanci firmy Braun, pod przewodnictwem Dietera Ramsa, a także Hartmut Esslinger, który zaprojektował systemy stereo dla firmy Wega, aktywnie rozwijali funkcjonalne i estetyczne wzornictwo. W Danii Jakob Jensen, który współpracował z Bang & Olufsen, również wniósł znaczący wkład w tworzenie innowacyjnych i stylowych rozwiązań w dziedzinie urządzeń AGD. Ci projektanci kształtują nowoczesny wygląd technologii, skupiając się na wygodzie i doświadczeniu użytkownika.

Czytanie jest ważnym aspektem naszego życia, który wzbogaca wiedzę i rozwija myślenie. Pomaga doskonalić umiejętności analityczne i krytyczne. Ponadto czytanie książek, artykułów i innych materiałów pomaga poszerzać słownictwo i poprawiać umiejętność czytania i pisania. Ważne jest, aby wybierać wysokiej jakości źródła informacji, aby uzyskać istotne i wiarygodne dane. Regularne czytanie tworzy nawyk, który może znacząco wpłynąć na rozwój osobisty i zawodowy. Skup się na różnorodnych gatunkach i tematach, aby znaleźć inspirację i nowe pomysły.

Najlepsze książki o projektowaniu autorstwa profesjonalnych projektantów

Projektowanie to nie tylko zawód, ale także sztuka, która wymaga głębokiego zrozumienia i ciągłego samorozwoju. Książki napisane przez praktykujących projektantów dostarczają unikalnych spostrzeżeń i cennych porad tym, którzy chcą doskonalić swoje umiejętności i poszerzać horyzonty. W tym kontekście siedem wybitnych dzieł zasługuje na szczególną uwagę; pomogą Ci one lepiej zrozumieć zasady projektowania, jego historię i aktualne trendy. Książki te nie tylko Cię zainspirują, ale staną się również wiarygodnym źródłem wiedzy, którą można zastosować w praktyce. Czytanie tych prac to doskonały krok w kierunku rozwijania myślenia projektowego i rozwoju zawodowego.

Papanek postrzegał projektowanie jako formę terapii społecznej, której celem jest zgłębianie problemów, z jakimi borykają się ludzie i społeczności, oraz znajdowanie rozwiązań przy aktywnym udziale tych, dla których te rozwiązania są tworzone. Ekologia, a także potrzeby osób starszych i niepełnosprawnych, powinny być ważnymi aspektami zainteresowań zawodowych projektanta. Takie podejście przyczynia się do tworzenia bardziej inkluzywnych i zrównoważonych rozwiązań, uwzględniających interesy wszystkich członków społeczeństwa.

W ostatnich latach obserwuje się stały wzrost zainteresowania projektowaniem przedmiotów, które uwzględniają rzeczywiste potrzeby użytkowników. Tradycyjne formy przedmiotów codziennego użytku przechodzą znaczące zmiany, mające na celu dostosowanie ich do zasad ergonomii. Pozwala to na tworzenie wygodniejszych i bardziej funkcjonalnych produktów, spełniających oczekiwania i wymagania współczesnych ludzi. Ergonomiczne wzornictwo staje się ważnym aspektem produkcji, przyczyniając się do poprawy jakości życia i zwiększenia komfortu użytkowania przedmiotów codziennego użytku.

W 1969 roku Maria Bengtzon i Sven-Erik Julin założyli w Szwecji biuro projektowe Design Gruppen. Ich głównym celem było projektowanie przedmiotów codziennego użytku, przede wszystkim do kuchni, w tym czajników, kubków, łyżek i noży. Długie i skrupulatne badania pozwoliły im znaleźć formy zapewniające łatwość użytkowania i komfort pracy. To podejście do projektowania stało się podstawą ich filozofii, skoncentrowanej na funkcjonalności i estetyce, co sprawiło, że ich produkty stały się pożądane i popularne wśród konsumentów.

Dziesięć lat później Bengtzon i Julin połączyli siły z Henrikiem Wahlforssem, ekspertem w dziedzinie projektowania dla osób z niepełnosprawnościami, aby stworzyć nowe biuro Ergonomi Design Gruppen. W ramach tej współpracy badali, jak choroby i proces starzenia wpływają na sprawność fizyczną człowieka. Skupili się na projektowaniu przedmiotów codziennego użytku dla „nas przyszłości”, kładąc nacisk na ich użyteczność i funkcjonalność, co zostało potwierdzone testami na prototypach.

W Norwegii marka Balans została założona w 1976 roku. Jej założycielami byli projektanci Hans Christian Mengeshul, Oddvin Rikken, Peter Opsvik i Svein Gusrud. Specjalizowali się w projektowaniu krzeseł i foteli do użytku domowego, biurowego i transportu publicznego. Wiele modeli marki Balans charakteryzuje się unikalnym podejściem do ergonomii, oferując użytkownikom nietypowe w kulturze europejskiej pozycje siedzące, takie jak pozycja półzgiętej nogi i klęcząca. Te innowacyjne rozwiązania mają na celu zapewnienie maksymalnego komfortu i wsparcia, dzięki czemu produkty Balans cieszą się zainteresowaniem osób ceniących funkcjonalność i stylowy design.Każdy z czterech projektantów pracował indywidualnie, współpracując z własnymi producentami. Najbardziej znanym z nich jest Peter Opsvik, który najczęściej pracuje ze Stokke. Niektóre z jego koncepcji siedzisk są tak nietypowe, że ich przeznaczenie trudno zrozumieć bez wyjaśnienia. Na przykład, modele z kolekcji „Garden”, wydanej w 1985 roku, przypominają egzotyczne rośliny z dużymi kulami na metalowych „gałęziach”. Meble te umożliwiają wygodne siedzenie w różnych pozycjach, z podparciem kolan lub łokci. Projekty Opsvika otwierają nowe horyzonty w zakresie funkcjonalności i estetyki mebli, prezentując oryginalne podejście do tworzenia komfortowej przestrzeni.

Wzornictwo radzieckie

W Związku Radzieckim, aż do lat 70. XX wieku, wzornictwo było postrzegane jako działalność ściśle racjonalna i naukowa, kontrolowana przez państwo. VNIITE, pierwotnie klub młodych entuzjastów, stał się wpływową agencją z liczną kadrą i złożoną strukturą, obejmującą liczne wydziały i filie. Wewnętrzne intrygi i partyjne kierownictwo znacząco wpłynęły na rozwój wzornictwa. Romantyczne oczekiwania związane z pojawieniem się nowego zawodu szybko rozwiały się. Wzornictwo przemysłowe w ZSRR stało się rutyną i biurokratyczną praktyką, co negatywnie wpłynęło na jego potencjał twórczy i innowacyjność.

Czytaj także:

VNIITE: Historia prototypu „inteligentnego domu” i Wdrożenie Ekoprojektu

VNIITE, wiodący instytut badawczo-rozwojowy, był pionierem w tworzeniu prototypu „inteligentnego domu”. Projekt ten łączył najnowocześniejsze technologie i innowacyjne rozwiązania, aby poprawić komfort i efektywność przestrzeni życiowej. Koncepcja „inteligentnego domu” obejmuje automatyzację różnych systemów, takich jak oświetlenie, ogrzewanie i systemy bezpieczeństwa, czyniąc życie wygodniejszym i bezpieczniejszym.

Ponadto VNIITE aktywnie rozwija koncepcję ekoprojektu, mającą na celu tworzenie zrównoważonych i przyjaznych dla środowiska rozwiązań w budownictwie i architekturze. Ekoprojekt obejmuje wykorzystanie materiałów i technologii minimalizujących negatywny wpływ na środowisko. W rezultacie projekty instytutu nie tylko poprawiają jakość życia, ale także przyczyniają się do ochrony zasobów naturalnych. VNIITE nie tylko kształtuje przyszłość nowoczesnego budownictwa mieszkaniowego, ale także aktywnie wpływa na rozwój zrównoważonych praktyk budowlanych, co czyni go kluczowym graczem w dziedzinie technologii i ekologii. W organizacjach podległych Związkowi Artystów, takich jak redakcja czasopisma „Sztuka Dekoracyjna ZSRR” i Studio Senez, design był postrzegany jako forma kreatywności. Założyciel i dyrektor Studia Senez, Jewgienij Rosenblum, wysunął koncepcję, w której „design” stał się pojęciem kluczowym. Jego zdaniem prawdziwa istota projektanta ujawnia się w procesie tworzenia projektu, a kwestie przekształcenia go w produkt przemysłowy i jego akceptacji przez konsumentów nie są decydujące. Ta perspektywa podkreśla znaczenie procesu twórczego w projektowaniu, kładąc nacisk na oryginalność i innowacyjność ponad sukces komercyjny.

W latach 1977 i 1978 w hali wystawowej Młodzieżowego Oddziału Związku Artystów w Moskwie odbyły się dwie znaczące wystawy młodych projektantów. Wśród uczestników znalazły się tak znane nazwiska, jak Aleksandr Jermołajew, Jewgienij Bogdanow, Stanisław Czermenski, Igor i Maria Majstrowski, Irina Presniecowa i Aleksandr Ławrientjew. Ci projektanci wielokrotnie powracali do tego samego miejsca, wystawiając się u boku malarzy sztalugowych, co przyczyniło się do rozwoju środowiska twórczego i wymiany idei w świecie sztuki. Wystawy młodych projektantów stały się ważnym etapem w historii moskiewskiej kultury artystycznej, zwracając uwagę na nowe kierunki w projektowaniu i wzmacniając więzi między różnymi dyscyplinami artystycznymi.

Wystawy prezentowały unikatowe dzieła, cenione przede wszystkim jako wypowiedzi artystyczne. Projektowanie wystaw artystycznych, później nazywane „art designem”, odzwierciedlało praktyki znane i ugruntowane w świecie zachodnim od czasów włoskich radykałów. Jednak dla Moskwy w latach 70. XX wieku te idee były zupełnie nowe. Projektowanie stało się ważnym elementem kontekstu kulturowego tamtych czasów, otwierając nowe horyzonty dla autoekspresji i kreatywności.

Ruch ten rozwinął się później w projektowanie wystaw. W latach 90. XX wieku Jewgienij Rosenblum i Jewgienij Bogdanow stali się znanymi i poszukiwanymi artystami w dziedzinie wystaw muzealnych. Ich praca znacząco przyczyniła się do ukształtowania nowoczesnych standardów projektowania wystaw, łącząc artystyczną wizję z funkcjonalnymi rozwiązaniami.

Dowiedz się więcej o projektowaniu, subskrybując nasz kanał na Telegramie. Dzielimy się najnowszymi wiadomościami, wskazówkami i inspiracjami ze świata designu. Dołącz do społeczności, aby być na bieżąco z ciekawymi materiałami i przydatnymi zasobami.

Czytanie jest ważnym aspektem samorozwoju i zdobywania nowej wiedzy. Pomaga doskonalić umiejętności, poszerzać horyzonty i wzbogacać słownictwo. Niezależnie od gatunku, książki, artykuły czy badania oferują wyjątkowe możliwości analizy i zrozumienia różnych tematów. Regularne czytanie pomaga utrzymać aktywność umysłową i sprzyja kreatywnemu myśleniu. Ponadto czytanie różnorodnych materiałów przyczynia się do lepszego postrzegania informacji i kształtowania własnych opinii. Ważne jest, aby wybierać tematy, które są dla Ciebie interesujące i istotne, aby proces czytania był nie tylko pożyteczny, ale i przyjemny.

• Historia designu w latach 60. i 70. XX wieku. Część druga: Projektowanie graficzne
• Historia projektowania w latach 60. i 70. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura
• Historia projektowania w latach 50. i 60. XX wieku. Część druga: Projektowanie graficzne
• Historia projektowania w latach 50. i 60. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura
• Historia projektowania. Lata 40. i 50. XX wieku
• Historia projektowania. Lata 30. i 40. XX wieku
• Historia wzornictwa: Lata 20. i 30. XX wieku — Bauhaus i WKHUTEMAS
• Historia wzornictwa: Lata 10. i 20. XX wieku — Werkbund, Paul Poiret i rosyjska awangarda
• Historia wzornictwa: Sam początek XX wieku — secesja