Historia pierwszych i współczesnych logotypów przemysłu filmowego

Spis treści:

• Początki przemysłu filmowego
• Identyfikatory wizualne stają się częścią kina
• Franczyza o Jamesie Bondzie: Historia i ewolucja filmów o Bondzie
• Gwiezdne wojny: Epicki wszechświat i jego wpływ na kulturę
• Obcy: Początek legendarnej franczyzy
• Pogromcy duchów: Historia franczyzy
• Ewolucja franczyzy Park Jurajski
• Ona
• Obsesja Eve: Wciągająca opowieść o zmaganiach dwóch kobiet
• Ptaki Nocy: I niezwykła podróż Harley Quinn
• Loki

W erze kina niemego przywiązywano dużą wagę do tekstu – statyczne napisy międzyliniowe służyły do ​​wyjaśnienia fabuły i pełniły funkcję dialogów postaci. Napisy początkowe do filmów były również projektowane przy użyciu czcionek, dzięki czemu estetyka napisów początkowych przypominała tytuły książek. Do tworzenia tych tytułów zatrudniano zarówno mistrzów liternictwa, jak i profesjonalnych zecerów.

Stopniowo wszystko zaczęło się zmieniać: standardowy tekst tytułowy został zastąpiony unikalnymi projektami, którym towarzyszyły logo. Design zaczął zajmować ważne miejsce w kinie.

W tej sekcji znajdziesz informacje na temat:

• Logo pierwszych filmów miało swoje unikalne cechy i charakterystykę, odzwierciedlające ducha epoki. Zazwyczaj były wykonywane w prostym i zwięzłym stylu, często łącząc ilustracje z tekstem. Używano wyrazistych i charakterystycznych czcionek, a projekt mógł zawierać elementy związane z fabułą lub tematem filmu.

  W tamtych czasach nacisk kładziono na przyciąganie uwagi widza, a logo często stawało się integralną częścią kampanii reklamowej. Mogły zawierać symbole podkreślające gatunek lub nastrój filmu. Podstawowe kolory były jasne i nasycone, dzięki czemu tytuł wyróżniał się na tle.

  Warto również zauważyć, że wiele pierwszych logotypów filmowych było tworzonych ręcznie, co nadawało im niepowtarzalny klimat i charakter, w przeciwieństwie do dzisiejszego, cyfrowo ulepszanego podejścia. Te wczesne emblematy odzwierciedlały nie tylko ówczesne trendy artystyczne, ale także możliwości techniczne dostępne dla twórców.

• Jakie logo, w „bardzo faszystowskim” stylu, zamówił reżyser?
• Jak można budować napięcie, używając wyłącznie kroju Helvenica?
• Pentagram Studios słynie z efektownych logotypów, które stały się kultowe dla wielu marek. Ich prace obejmują logotypy dla takich firm jak Windows, Mastercard i The New York Times. Stworzyli również identyfikacje wizualne dla takich organizacji jak Saks Fifth Avenue i BBC. Każde z tych logo odzwierciedla unikalne podejście Pentagramu do projektowania i ich zdolność do tworzenia zapadających w pamięć i skutecznych rozwiązań wizualnych dla różnorodnych klientów.
• O najbardziej nieatrakcyjnym logo.

Początki przemysłu filmowego

Pojawienie się pierwszego filmu w 1895 roku stało się punktem wyjścia dla rozwoju przemysłu filmowego. Dostrzegając w tym znaczący potencjał, wielu bogatych inwestorów rzuciło się na inwestowanie swoich środków w ten nowy kierunek. Każdy z nich dążył do nadania stworzonej przez siebie wytwórni filmowej niepowtarzalnego wizerunku i wyróżnienia się na tle konkurencji, co wymagało stworzenia zapadającego w pamięć wizerunku.

Zanim logo zaczęto aktywnie wykorzystywać w napisach międzytytułowych i tytułach filmowych, popularne kroje pisma obejmowały Pastel firmy BB'S, National Old Style firmy ATF oraz Photoplay, stworzony w studiu Samuela Welo.

Na początku XX wieku na horyzoncie kinematografii zaczęły pojawiać się znane marki studyjne, takie jak Warner Brothers, Paramount, Universal i Columbia Pictures. Każde z tych studiów wypracowało unikalny styl wizualny, w tym czcionki i logo, które pomagały im wyróżnić się na tle konkurencji.

Na przykład lew Metro-Goldwyn-Mayer kojarzony był z luksusem i wysokimi standardami. Tarcza Warner Brothers, ozdobiona inicjałami W i B, przyciągała widzów ekscytującymi historiami. Paramount Studios, ze swoim imponującym logo, gwarantowało wyjątkowo wysoką jakość treści.

Jednym z najbardziej ikonicznych symboli zaprojektowanych dla studia jest bez wątpienia ryczący lew zamknięty w pierścieniu taśmy filmowej. Nad nim widnieje majestatyczny napis Ars Gratia Artis, co po łacinie oznacza „Sztuka dla sztuki”.

Logo zostało zaprojektowane przez Howarda Dietza w 1917 roku dla Goldwyn Pictures. W 1924 roku, po fuzji Goldwyn Pictures z Metro Pictures, narodziła się znana obecnie firma Metro-Goldwyn-Mayer, lepiej znana jako MGM, a to ikoniczne logo stało się częścią jej marki. W ciągu ponad stuletniej historii godło ulegało zmianom, zastępując niemal dziesięć żywych lwów, co wiązało się z rozwojem technologii, wprowadzeniem filmu dźwiękowego i procesu Technicolor.

W 2021 roku MGM zaprezentowało nowe logo przedstawiające lwa o imieniu Leo, który jest jego symbolem od 1957 roku. Obraz ten został stworzony przez Baked Studios przy użyciu CGI.

Lwy Metro-Goldwyn-Mayer są tak popularne, że ich logo stało się inspiracją dla wielu parodii. Jedną z najsłynniejszych jest dzieło MTM Enterprises, które w latach siedemdziesiątych i osiemdziesiątych stworzyło wiele popularnych programów i filmów. W tej wersji zamiast lwa na ringu miauczał kot o imieniu Mimsy. Warto również zwrócić uwagę na intro do radzieckiej kreskówki z 1978 roku pt. „Rozbój...”, w której ikoniczny lew został zastąpiony przez Czeburaszkę.

Identyfikatory wizualne stają się częścią kina

W W latach 20. i 30. XX wieku kino europejskie, a później amerykańskie, pozostawało pod wyraźnym wpływem trendów modernistycznych. Loga i tytuły zaczęły odgrywać kluczową rolę w narracji – miały one nadawać nastrój całemu dziełu i podkreślać jego tożsamość gatunkową.

W połowie XX wieku zaczęły pojawiać się specyficzne techniki stylistyczne, które projektanci aktywnie wykorzystywali w swojej pracy. W szczególności czcionki szeryfowe, przypominające słynne plakaty „WANTED”, zaczęły pojawiać się w westernach. Czcionki gotyckie wybierano do filmów grozy, a później do tytułów w stylu komiksowym. Jednocześnie w komediach i melodramatach stosuje się lekką, antyczną czcionkę z wdzięcznymi zdobieniami, co tworzy atmosferę liryzmu.

Obecnie gesty graficzne straciły na popularności i są wykorzystywane głównie jako aluzje do technik stosowanych w kinie klasycznym.

Początkowo graficy, którzy stworzyli loga filmów, nie byli wymienieni w napisach końcowych. Wzmianki o nich zaczęły pojawiać się dopiero w latach 20. XX wieku.

Do najbardziej znanych przedstawicieli tego gatunku należą:

• Edward Kauffer, który współpracował z Alfredem Hitchcockiem.
• Dale Tate, słynny projektant znany ze swoich logotypów, m.in. prac do filmów Charliego Chaplina i Victora Fleminga.
• André François zyskał sławę dzięki współpracy z Romanem Polańskim.
• Anthony Goldschmidt, który poświęcił swoje życie światu kina, współpracował ze studiami filmowymi od lat 60. do początku XXI wieku. Zaprojektował loga do wielu hollywoodzkich filmów.

Logo jest nie mniej ważnym elementem projektu napisów niż tekst, który przekazuje kluczowe informacje o filmie. Do najwybitniejszych projektantów, którzy pracowali w dziedzinie dynamicznych napisów, należą:

• Sola Bassa to znany amerykański projektant i twórca plakatów filmowych. W ciągu czterech dekad swojej kariery zawodowej współpracował z wybitnymi reżyserami, takimi jak Alfred Hitchcock, Otto Preminger, Stanley Kubrick i Martin Scorsese.
• Maurice Binder, projektant z Wielkiej Brytanii i USA, zasłynął dzięki swoim sekwencjom tytułowym do filmów o Jamesie Bondzie.
• Pablo Ferro to amerykański artysta i projektant, znany ze swojej twórczości graficznej. Za jego największy wkład w historię kina uważa się stworzenie dynamicznych napisów do filmu Stanleya Kubricka „Dr Strangelove”.

W latach 60. XX wieku, dzięki tym tytułom, tytuły filmowe zaczęły ewoluować w niezależny gatunek, zyskując dynamikę i fabułę.

Przeanalizuj ewolucję gatunku tytułów filmowych i obejrzyj najbardziej kultowe filmy z naszej recenzji.

Niektóre loga znanych serii stają się tak rozpoznawalne, że zaczynają żyć własnym życiem, wykraczając poza ekran. Symbole „Gwiezdnych Wojen”, sylwetka dinozaura z napisu „Park Jurajski” i emblemat drużyny Ghostbusters można teraz znaleźć na ubraniach, zabawkach, a nawet słodyczach. Jednocześnie istnieją loga, które istnieją wyłącznie w ramach fabuły filmu – po zakończeniu swojego istnienia elegancko kontynuują linię wyznaczoną przez reżysera.

Franczyza Jamesa Bonda: Historia i ewolucja filmów o Bondzie

Okres premiery: od 1962 do 2021.

Wytwórnie filmowe: Eon Productions, United Artists, Les Productions Artistes Associés, Metro-Goldwyn-Mayer Pictures, Columbia Pictures.

Streszczenie: James Bond, dowódca brytyjskiej marynarki wojennej, lepiej znany jako Agent 007, jest centralną postacią w twórczości słynnego brytyjskiego pisarza Iana Fleminga i jest uważany za najsłynniejszego szpiega w historii kina. Każdy nowy film opowiadający przygody Bonda porusza aktualne tematy i wydarzenia, czy to zimną wojnę, polityczne wstrząsy w Ameryce Łacińskiej, czy upadek Związku Radzieckiego.

Oficjalna kolekcja filmów o Jamesie Bondzie obejmuje 25 filmów. Pierwszy z nich, „Dr. No”, pojawił się na ekranach w 1962 roku, a najnowszy, „Nie czas umierać”, miał premierę jesienią tego roku. W ciągu ponad pół wieku historii seria zyskała status kultowej. W tworzeniu sekwencji tytułowych brali udział tacy projektanci jak Maurice Binder, Robert Brownjohn, Daniel Kleinman i studio MK12. Styl graficzny serii o Bondzie najczęściej kojarzy się z nazwiskiem Maurice'a Bindera, który zaprojektował sekwencje tytułowe do pierwszego filmu i 13 kolejnych części serii. To właśnie on wymyślił słynną scenę z pistoletem i dziewczynami, która na wiele lat stała się znakiem rozpoznawczym serii.

Pomysł wykorzystania pistoletu w napisach początkowych filmów o Jamesie Bondzie należy do Josepha Karoffa, który pracował w studiu United Artists, które wyprodukowało ten film. Oryginalna wersja logo, zaprojektowana w 1962 roku, znacząco różniła się od obecnej — pistolet znajdował się nad cyframi i zdawał się być skierowany lufą w stronę siódemki, co tworzyło wrażenie dynamiki.

Ciekawostką jest, że oryginalna wersja współczesnego logo pojawiła się nie na ekranie, lecz na plakacie do amerykańskiego filmu „Doktor No”. Jego stworzenie było dziełem Davida Chasmana, dyrektora kreatywnego United Artists. Chasman zaadaptował i uprościł koncepcję zaproponowaną przez Josepha Caroffa, dodając do liczby siedem elementy lufy i spustu, co przekształciło ją w wizerunek pistoletu. Chociaż logo na przestrzeni lat uległo pewnym zmianom – litery stały się cieńsze, a kształt spustu nieznacznie się zmienił – zmiany te są subtelne i do dziś logo pozostaje kojarzone z serią, pozostając ikonicznym elementem w historii kina.

Co ciekawe, oprócz słynnego logo „007”, które od 1963 roku stało się symbolem całej serii, każda nowa odsłona ma unikalny projekt planszy tytułowej. Styl ten odzwierciedla ówczesne trendy projektowe i tematykę samego filmu.

Gwiezdne wojny: epicki wszechświat i jego wpływ na kulturę

Czas premiery: 1977–2021.

Wytwórnie filmowe: Lucasfilm Ltd. LLC i Bad Robot Productions.

Streszczenie: Gwiezdne wojny to jeden z najsłynniejszych kosmicznych eposów. Historia opowiada o ekscytujących przygodach zróżnicowanej grupy postaci – ludzi, kosmitów i droidów – rozgrywających się na tle odległej galaktyki.

Dziś Gwiezdne Wojny Symbole są wszędzie: na ubraniach, w postaci zabawek dla dzieci, a nawet na półkach supermarketów.

Stworzenie tego logo ma wielowarstwową i ciekawą historię, ponieważ na wczesnych etapach produkcji filmu wykorzystano kilka jego wersji. Zmodyfikowana wersja, zaprojektowana przez Dana Perry'ego i zaadaptowana przez Fox, została wykorzystana w materiałach promocyjnych i plakatach. Jednocześnie w napisach końcowych filmu widnieje logo stworzone przez artystkę Susie Rice pod nadzorem reżysera George'a Lucasa, a następnie dopracowane przez innego projektanta, Joe Johnsona.

Rice wspomina wytyczne Lucasa: chciał, aby logo wyglądało „bardzo faszystowsko” i „strasznie”. Podstawą „faszystowskiego projektu” Rice’a była czcionka Helvetica Black, z literami „S” wydłużonymi do krawędzi kompozycji, aby poprawić czytelność uzyskanych ligatur. Ta wersja logo, podobnie jak logo Dana Perry’ego, nie została uwzględniona w filmie, ale została wykorzystana na okładce książki, która miała informować właścicieli kin o nadchodzącym filmie.

Do filmu George Lucas wybrał wersję zaprojektowaną przez Joe Johnsona z Industrial Light & Magic. W logo Rice'a projektant zmienił ostry, prosty kształt litery W, wygładzając ją i poszerzając wszystkie pozostałe litery, aby pasowały do ​​ogólnego stylu. Logo zostało zaadaptowane do formatu panoramicznego przez Dana Perry'ego. Ta wersja zapoczątkowała sagę w 1977 roku i pozostaje w użyciu od prawie pięciu dekad.

Obcy: Początek legendarnej serii

Rok premiery: 1979.

Wytwórnie filmowe: 20th Century Fox i Brandywine Productions.

Streszczenie: W odległej przyszłości statek towarowy powracający na swoją planetę odbiera dziwny sygnał pochodzący z nieznanej planety. Jeden z członków zespołu pada ofiarą ataku tajemniczego stworzenia, a załoga wkrótce zdaje sobie sprawę, że niebezpieczny organizm dopiero rozpoczyna swoją podróż życiową.

Logo filmu „Obcy” to jeden z najbardziej zapadających w pamięć symboli horroru science fiction końca XX wieku. Napięta atmosfera, którą tworzy to logo, wykonane szeroką, groteskową czcionką i pojawiające się etapami, została osiągnięta dzięki animacji. Początkowo na ekranie pojawiają się proste, białe kształty – nieruchome, ale zdające się zmierzać ku środkowi. Stopniowo liczba linii rośnie i widz staje się jasny, że to litery. Jednak ich kształt jest zniekształcony, co zwiększa uczucie niepokoju.

W logo wykorzystano czcionkę Helvetica Black, która wyróżnia się lakonicznością i powagą. Jego minimalizm jest na granicy czytelności, co dodaje projektowi napięcia i czasami powoduje dyskomfort. Richard Greenberg, twórca tytułów, postrzega litery nie tylko jako tekst, ale także jako środek wyrazu i pryzmat, przez który postrzegana jest otaczająca przestrzeń.

W kolejnych filmach słynne logo zostało zastąpione bardziej stylizowanymi, „komiksowymi” wersjami. Jednak projektant John McKellan powrócił do oryginału w 2014 roku, tworząc sekwencję tytułową do gry Alien Isolation.

Ghostbusters: Historia serii

Czas premiery: od 1984 do 2021 roku.

Studia filmowe: Columbia-Delphi Productions, Black Rhino, Columbia Pictures, Village Roadshow Pictures, Ghost Corps, The Montecito Picture Company.

Streszczenie: Trzech byłych profesorów parapsychologii, pracujących w opuszczonej starej remizie strażackiej, postanawia założyć własny biznes walki z duchami. Aby przyciągnąć klientów, wybierają chwytliwą nazwę „Ghostbusters”. Ich misją jest oczyszczenie Nowego Jorku ze wszelkich zjawisk paranormalnych. Nowa część serii kontynuuje rozwój wątku polowania na duchy, przeniesionego do XXI wieku.

Słowo przedstawiające wesołego ducha o imieniu Muggle, nadane przez twórców filmu, Ivana Reitmana i Dana Aykroyda, stało się znajome dla wielu osób dorastających w latach 90. dzięki popularnemu serialowi animowanemu „The Real Ghostbusters”, emitowanemu w latach 1986–1991. Oryginalną wersję znaku stworzył artysta Michael Gross na potrzeby pierwszego filmu, a następnie zaadaptowano ją do serialu animowanego i kolejnych filmów. Ten element serii, która zadebiutowała w 1984 roku, był wykorzystywany z minimalnymi zmianami przez cały okres jej istnienia.

Chociaż Muggle, który pojawia się w logo „Pogromców duchów”, nie pojawia się w samym filmie, z czasem stał się stałym elementem serialu. Można to zauważyć w napisach końcowych, materiałach promocyjnych i różnych wstępach.

„Ewolucja serii Jurassic Park”

Okres publikacji: 1993–2022.

Wytwórnie filmowe, w tym: Amblin Entertainment, Universal Pictures, Legendary Pictures, The Kennedy/Marshall Company i Perfect World Pictures.

Streszczenie: Dzięki przełomom w dziedzinie nauki, pewien biznesmen był w stanie założyć park zamieszkany przez prawdziwe dinozaury. Jednak awaria systemu bezpieczeństwa powoduje uwolnienie potworów – a bohaterowie filmu muszą znaleźć sposób na przetrwanie. W kolejnych częściach nowe postacie mierzą się z konsekwencjami powrotu tych starożytnych stworzeń.

Logo, przedstawiające nieistniejący park rozrywki, stało się jednym z najbardziej charakterystycznych symboli filmów lat dziewięćdziesiątych. W „Jurassic Park” ten znak można zobaczyć w różnych miejscach: od głównego wejścia do parku po uniformy pracowników.

Film jest oparty na powieści science fiction Michaela Crichtona „Park Jurajski”, wydanej w 1990 roku. Tytuł filmu jest bezpośrednio związany z książką, a jej okładka stała się inspiracją dla logo. Sylwetka tyranozaura rexa, przedstawiona na okładce, została przeniesiona do żółtego okręgu, do którego później dodano elementy dżungli i nazwę parku. Czcionka Neuland, o złożonej formie, idealnie pasuje do koncepcji wizualnej logo. Czcionka ta, która pojawiła się w latach trzydziestych, była używana przez amerykańskich projektantów do projektowania książek o regionach tropikalnych i nieznanych plemionach, oddając atmosferę dzikiej, prymitywnej epoki.

Sukces serii sprawił, że logo stało się niezwykle popularne: T. rex ponownie pojawił się na okładkach książek, teraz jako logo filmu, a także jest szeroko wykorzystywany w grach wideo, serialach animowanych i jest zachowany w przyszłych adaptacjach. Chociaż logo ulega zmianom, projektanci zawsze starają się zachować jego rozpoznawalność i wierność oryginalnej estetyce. W trzecim filmie eksperymentowano z zastąpieniem T. rexa spinozaurem, ale ogólny styl logo pozostał ten sam. W kolejnych odsłonach serii Jurassic World ponownie wykorzystano pierwszą wersję logo, ale tym razem ma ono fakturę kamienia.

Ona

Rok premiery: 2013.

Studio filmowe: Annapurna Pictures.

Streszczenie: Film porusza prowokacyjny, ale szybko zyskujący na popularności wraz z rozwojem technologii, temat potencjalnych romantycznych uczuć między ludźmi a sztuczną inteligencją.

Twórcy filmu „Ona” stawiają na prowokacyjne podejście, rezygnując z tradycyjnych rozwiązań, również w zakresie typografii. W melodramatach z reguły stosuje się eleganckie kursywy lub antyczne czcionki. W tym przypadku jednak „Her” ucieleśnia zwięzłość w trzech bezszeryfowych literach. Czcionka Helvetica wybrana do logo charakteryzuje się powściągliwością i gęstym rozmieszczeniem liter, symbolizując intymność i napięcie, które rozwijają się między postaciami w całej fabule. To logo, wraz ze wspomnianym logo Alien, stanowi doskonały przykład tego, jak mistrzowsko pozornie prosta czcionka Helvetica może zostać wykorzystana w rękach utalentowanego projektanta.

Killing Eve: Wciągająca opowieść o konfrontacji dwóch kobiet

Okres produkcji: 2018–2020.

Sieć: BBC America.

Streszczenie: Eve Polastri, analityczka pracująca dla brytyjskiej agencji kontrwywiadu MI5, rozpoczyna pościg za bezwzględnym zabójcą o imieniu Villanelle. Między tymi dwiema kobietami rozwija się niebezpieczna obsesja, która prowadzi do wypaczonej gry.

Stworzony przez Pentagram, smukły i wyrazisty krój pisma przeznaczony do serialu "Obsesja Eve" uosabia atmosferę zagrożenia. W tym czasie projektant Matt Willey, pracujący jako freelancer, był zaangażowany w opracowanie koncepcji graficznej projektu. Stworzone przez niego logo stało się częścią szerszej identyfikacji wizualnej programu, choć dopiero rok później został pełnoprawnym partnerem studia.

Ekran jest gęsto wypełniony bogatą groteską, dzięki czemu jej pionowe i diagonalne rytmy mogą się przebijać. Mała kropla krwi staje się zauważalnym akcentem w logo, pojawiając się odwrotnie pomiędzy różnymi literami tytułu w każdym odcinku.

Elegancko dobrane stonowane kolory typografii w połączeniu z prostą animacją kapiącej krwi tworzą atmosferę, która zapowiada napięty i dramatyczny rozwój wydarzeń w serialu.

Ptaki nocy: i wspaniała podróż Harley Quinn
Ptaki nocy: i wspaniała podróż Harley Quinn

Rok premiery: 2020.

Wytwórnie filmowe: DC Films, LuckyChap Entertainment, Kroll & Co. Entertainment, Clubhouse Pictures.

Streszczenie: Po rozstaniu z Jokerem Harley Quinn postanawia połączyć siły z superbohaterkami Black Canary, Huntress i Renee Montoya. Ich celem jest uratowanie młodej kobiety, która wpadła w szpony okrutnego bossa przestępczego.

Pentagram Studios stworzyło logo i identyfikację wizualną filmu „Ptaki Nocy (i fantastyczna emancypacja pewnej Harley Quinn), które w pełni oddają chaotycznego ducha głównej bohaterki, Harley Quinn.

Logo zostało zaprojektowane z wykorzystaniem rodziny czcionek Smart Sans firmy Monotype. Projektanci umieścili jednak w każdej literze ukryte wizerunki broni z „Ptaków Nocy”. Na przykład, druga litera R zawiera młot Harley, w literze E ukryte są kastety Renee Montoyi, a litery I, R i D ukrywają łuk i strzałę Huntress. Ręcznie rysowany napis dodaje odrobinę chaosu i dynamiki do statycznego logo, jakby sama Harley je tam zostawiła.

Takie podejście projektowe może stanowić solidną podstawę dla rozszerzonej franczyzy, w której nazwa Birds of Prey zajmie centralne miejsce w brandingu, a jednocześnie uwzględni historie innych postaci, które obecnie grają role drugoplanowe. Postacie te można wkomponować w projekt wizualny logo, podobnie jak wizerunek Harley.

Logo, podobnie jak reszta oprawy wizualnej filmu, mistrzowsko oddaje radosny, kapryśny charakter bohaterki.

Loki

Rok premiery: 2021.

Serwis streamingowy: Disney+.

Streszczenie: Loki po kradzieży Tesseraktu, pojemnika na jeden z Kamieni Nieskończoności, trafia do tajemniczego ośrodka o nazwie Temporal Change Management. W tym nowym statusie podróżuje w czasie, zmieniając wydarzenia historyczne.

Logo nowej serii Marvel Universe „Loki” wywołało burzę dyskusji i żartów w stylu „Projektowanie graficzne to moja pasja”. Jednak teraz, gdy serial jest już dostępny, jasne jest, że to logo w pełni symbolizuje zarówno elementy fabuły, jak i samą naturę głównego bohatera. Loki, jako bóg, jest postacią wielowarstwową, która często popada w konflikt z samym sobą.

Szkło, metal i ekstrawaganckie, stylizowane symbole reprezentują liczne maski skrywające prawdziwe oblicze tego boga zabawy. Logo łączy litery w różnych stylach, naśladując znane czcionki używane w uniwersach superbohaterów.

Co więcej, celowa sprzeczność w grafice czcionek przywołuje typografię typową dla listów z żądaniem okupu – kolaży, które przestępcy wysyłają swoim ofiarom lub śledczym. W filmie i literaturze technika ta jest często wykorzystywana do zilustrowania działań psychopatów i jest również mocno zakorzeniona w kulturze punkowej. Ciekawe, że we współczesnym języku termin typografia okupowa zaczął oznaczać niedbały i niezdarny skład tekstu.

W animacji logo różnice między literami są zauważalnie uwydatnione poprzez „wybór”: widz widzi w nazwie kilka wersji każdej z nich. Niemniej jednak należy przyznać, że projektanci podołali zadaniu, a logo w swoim kiczu prezentuje się imponująco.

Czytaj także:

• Spójrz na filmy oczami projektanta: techniki i metody, które mogą być przydatne w Twojej pracy zawodowej.
• Osiem nastrojowych filmów, które mogą obudzić twórczą wyobraźnię osób o wizualnym zacięciu.
• Chwila zamarła: pięć wybitnych dzieł sztuki w branży filmowej.