Historia projektowania 1930-1940

Spis treści:

• Art déco
• Estetyka totalitarna
• Modernizm

Historyk sztuki i badacz sztuki awangardowej lat 20. i 30. XX wieku w Rosji i Niemczech. Obecnie jest studentką studiów magisterskich na kierunku Design Studies w Szkole Bauhaus w Dessau i członkinią Fundacji Bauhaus w Dessau. Specjalizuje się w analizie i interpretacji trendów artystycznych tego okresu, ze szczególnym uwzględnieniem relacji między sztuką a designem.

W latach 30. XX wieku wpływ międzynarodowego modernizmu w Europie nieco osłabł, ale ruch ten nie zanikł, a wręcz przeciwnie – przeniósł się głównie do Wielkiej Brytanii i USA. W tym okresie art déco osiągnął szczyt popularności, a w niektórych krajach zaczęła pojawiać się estetyka totalitarna. Okres ten charakteryzuje się przejściem do nowych form artystycznych, odzwierciedlających zmiany w społeczeństwie i architekturze, podczas gdy modernizm nadal wpływa na decyzje projektowe i trendy kulturowe.

• Art déco;
• Estetyka totalitarna;
• Modernizm.

Art déco

Art déco to styl, który pojawił się na długo przed latami 30. XX wieku, ale to właśnie w tym okresie osiągnął swój szczyt rozwoju. Charakteryzujący się przepychem i rozmachem, art déco wykorzystywał w swoich projektach zarówno ornamentykę kwiatową, jak i geometryczną. Styl ten czerpał inspirację ze starożytności, a także z egzotycznych motywów, które nadały mu wyjątkowość i ekspresję. W architekturze, projektowaniu wnętrz i modzie, art déco stał się symbolem luksusu i elegancji, pozostawiając znaczący ślad w historii sztuki.

W latach 20. XX wieku styl ten zaczął aktywnie rozwijać się w architekturze, głównie za sprawą Międzynarodowej Wystawy Sztuki Dekoracyjnej i Przemysłowej w Paryżu w 1925 roku. Wystawa ta stała się przełomowym wydarzeniem po I wojnie światowej, dając projektantom z różnych krajów wyjątkową okazję do zaprezentowania swoich prac i pomysłów. Wystawa miała znaczący wpływ na kształtowanie się nowych podejść estetycznych i funkcjonalnych w architekturze, promując upowszechnianie nowoczesnych trendów i innowacyjnych rozwiązań projektowych.

W 1927 roku we Francji rozpoczęto przełomowy projekt: transatlantyk Ile de France, który stał się pierwszym przykładem stylu art déco w budownictwie okrętowym. Drugim, jeszcze bardziej wyrazistym przykładem stylu art déco, był francuski transatlantyk Normandie, zwodowany w 1935 roku. W momencie ukończenia statek ten był największym i najszybszym liniowcem pasażerskim na świecie, ucieleśniając osiągnięcia inżynierii i elegancję art déco.

Wszystko w Normandii przyciągało uwagę: od plakatów rejsowych, które znacząco wpłynęły na rozwój stylu art déco w projektowaniu graficznym, po unikalny kształt kadłuba zaprojektowany przez rosyjskiego inżyniera Władimira Jurkiewicza. Projekt ten stał się przykładem połączenia estetyki i geniuszu inżynierskiego, dzięki czemu Normandie stała się ikoną w historii budownictwa okrętowego i projektowania.

Główna jadalnia Zajmował szczególne miejsce na liniowcu. Jego projekt, podobnie jak całe wnętrze, był efektem pracy zespołu wysoko wykwalifikowanych projektantów, wśród których wyróżniał się słynny Pierre Patou, jeden z czołowych ekspertów swoich czasów.

Transatlantyckie liniowce to środki transportu, które mogą pomieścić dużą liczbę pasażerów i łączą różne kraje. Właśnie dlatego styl Art Deco szybko rozprzestrzenił się na całym świecie, obejmując niemal wszystkie kontynenty. Styl ten, charakteryzujący się elegancją i nowoczesnymi formami, stał się symbolem luksusu i komfortu na pokładach transatlantyckich liniowców.

W nowym świetle głównym następcą i centralną postacią tego stylu stały się Stany Zjednoczone Ameryki. W Ameryce nacisk położono na kultury mezoamerykańskie charakterystyczne dla kontynentu, takie jak Aztekowie i Majowie, a także na aerodynamiczne formy, które podkreślały wyjątkowość i dynamikę amerykańskiego wzornictwa. Elementy te nie tylko odzwierciedlają dziedzictwo kulturowe, ale także tworzą nowoczesny kontekst sprzyjający rozwojowi nowego kierunku artystycznego.

Streamline jest jednym z ważnych odłamów amerykańskiego Art Deco, choć niektórzy eksperci uważają go za ruch niezależny. Styl ten czerpał inspirację z ówczesnych osiągnięć technologicznych, zwłaszcza z szybkich prędkości, które wymagały tworzenia opływowych form. Estetyka Streamline znalazła wyraz w wielu dziedzinach projektowania, w tym w sprzęcie AGD, klasycznych amerykańskich restauracjach i wieżowcach. Streamline stał się symbolem dynamiki i nowoczesności, podkreślając dążenie do postępu i efektywnego wykorzystania przestrzeni.

Estetyka totalitarna

W latach trzydziestych XX wieku estetyka reżimów totalitarnych stała się zauważalnym zjawiskiem w sztuce i designie. Architektura odegrała w tym kontekście kluczową rolę, służąc jako główny środek wyrażania ideologii. Kraje dążyły do ​​tworzenia nowych imperiów, dlatego rozmach i skala projektów były najważniejsze. Każdy obiekt architektoniczny stawał się imponującym „potworem” o pompatycznych nazwach i znaczeniach, odzwierciedlającym ambicje i ideały władz. Struktury architektoniczne tamtych czasów nie tylko służyły celom funkcjonalnym, ale stały się także symbolami siły i wielkości, tworząc wizualny wizerunek reżimów totalitarnych.

Estetyka reżimów totalitarnych lat 30. XX wieku charakteryzuje się naciskiem na klasycyzm, majestat, przejrzystość i surowość. Każde państwo dążyło do rozwinięcia swoich unikalnych cech, ale ogólne trendy pozostały niezmienne. W tych dziełach człowiek jest przedstawiany jako abstrakcyjny ideał, a nie jako jednostka, z wyjątkiem wizerunku przywódcy. Odwołanie do starożytnych tradycji estetycznych podkreślało kult zdrowego ciała, sprawności fizycznej i heroicznej męskości. Ludzie są postrzegani nie jako zbiór jednostek, lecz jako jednorodna masa, co znajduje odzwierciedlenie w architekturze i sztuce: budynki przedstawiają masowe procesje, chóry i tańce. Takie podejście do przedstawiania społeczeństwa służy zilustrowaniu ideałów reżimów totalitarnych dążących do utworzenia zjednoczonego narodu.

Pałac Rad, największy megaprojekt Związku Radzieckiego lat 30. XX wieku, stał się symbolem ambitnych idei architektonicznych tamtych czasów. W 1931 roku ogłoszono konkurs architektoniczny na jego projekt. Zwycięzcą został neoklasycystyczny architekt Boris Jofan, który zaproponował projekt 415-metrowego wieżowca zwieńczonego gigantyczną rzeźbą Lenina. Schodkowa konstrukcja pałacu przypominała ziggurat i została pomyślana jako część nowego stylu architektonicznego. U podstawy budynku zaplanowano ogromną salę zgromadzeń, wspartą na skomplikowanej metalowej konstrukcji. Projekt ten stał się punktem zwrotnym w radzieckiej architekturze i ucieleśniał pragnienie wielkości i rozmachu.

Użycie znacznych ilości metalu stało się poważnym problemem. Wraz z wybuchem II wojny światowej materiał ten został redystrybuowany na potrzeby wojskowe, co doprowadziło do rozbiórki pozostałych pięter. Metalowe belki szkieletu, pozostałe po rozbiórce, zostały wykorzystane w obronie Moskwy jako przeszkody przeciwpancerne.

Drugie metro moskiewskie, którego budowę podjęto w 1931 roku, stało się znaczącym projektem radzieckim w tym okresie. Pierwsza linia została zbudowana w rekordowo krótkim czasie czterech lat. Projekt stacji odzwierciedlał nową, totalitarną estetykę Związku Radzieckiego, łącząc klasyczne elementy architektoniczne z cechami narodowymi republik, które weszły w skład ZSRR. Metro stało się nie tylko ważnym węzłem komunikacyjnym, ale także symbolem postępu inżynieryjnego i jedności kulturowej.

We Włoszech, za rządów Mussoliniego, rozpoczęła się zakrojona na szeroką skalę restrukturyzacja Rzymu. Proces ten łączył ochronę zabytków z budową nowych obiektów. Jednym z takich obiektów było Foro Italico, znane również jako Forum Mussoliniego, zbudowane w celu szkolenia młodzieży dla organizacji faszystowskiej. Stadion tego kompleksu sportowego stanowi nowoczesną wersję starożytnego stylu architektonicznego, ozdobioną pełnowymiarowymi rzeźbami, podkreślającymi związek z antycznym dziedzictwem rzymskim i ówczesną ideologią.

Mussolini jako jedyny dyktator określił styl swojej totalitarnej sztuki jako „Novecento”, co tłumaczy się jako narodowa sztuka włoska. Nazwa ta odnosi się do stylów klasycznych, takich jak Quattrocento i Cinquecento. Novecento reprezentuje konfrontację neoklasycyzmu z modernizmem w Europie, odzwierciedlając unikalną tożsamość kulturową Włoch w okresie międzywojennym. Styl ten podkreśla chęć ożywienia tradycyjnych wartości i form, przy jednoczesnym wchłanianiu elementów nowoczesności.

Teraz zwróćmy uwagę na Niemcy: Hitler miał jasne wyobrażenie o tym, jaka powinna być sztuka Trzeciej Rzeszy. Podobnie. Aby zrealizować swoje ambitne projekty, zaangażował architekta Alberta Speera, który został jego „nadwornym” architektem. Zadaniem Speera było ucieleśnienie wielkości i potęgi nowego państwa w prawdziwie niemieckim duchu. Wyrażało się to poprzez asymilację dziedzictwa klasycznego, odwołanie do tradycji pogańskich i integrację osiągnięć funkcjonalizmu. Dzieła Speera stały się symbolem architektury III Rzeszy, odzwierciedlając ideały i wartości reżimu.

Projekt Hitlera, mający na celu przekształcenie Berlina w stolicę imperialną, został pomyślany jako centrum nowego porządku świata. Zainspirowany starożytnymi miastami, projekt obejmował skrzyżowanie dwóch głównych ulic pod kątem prostym, co miało stworzyć unikalny układ urbanistyczny. Skala tego projektu miała być kolosalna, przewyższająca wszystkie dotychczasowe osiągnięcia architektoniczne ludzkości. Centralnym elementem nowej stolicy miała być ogromna sala honorowa, znana jako „Hala Ludowa”, z imponującą kopułą. Obok tej majestatycznej budowli planowano wybudować rezydencję Führera. Jednak pomimo ambitnych planów, projekt nie został zrealizowany.

Modernizm

Wraz z dojściem narodowych socjalistów do władzy w Niemczech Bauhaus został zamknięty, a dzieła jego mistrzów zostały wykluczone, nazwane żydowskimi, bolszewickimi i zdegenerowanymi. Aby zademonstrować upokorzenie modernistów, zorganizowano wystawę objazdową zatytułowaną „Sztuka zdegenerowana”. Prezentowano na niej prace znanych artystów, takich jak Wassily Kandinsky i Paul Klee, a także prace osób chorych psychicznie. Wydarzenie to stało się jaskrawym przykładem tłumienia ruchów kulturalnych, które sprzeciwiały się ideologii reżimu nazistowskiego.

W Niemczech modernizm nie zniknął całkowicie, nadal przejawiając się w projektowaniu graficznym w latach 30. XX wieku. Uderzającym przykładem jest czasopismo „Neue Linie”, założone przez absolwentów Bauhausu, które odzwierciedlało zmiany zachodzące w społeczeństwie. Magazyn ten stał się ważnym elementem ruchu modernistycznego, demonstrując jego wpływ na kulturę wizualną tamtych czasów i podkreślając znaczenie designu w kontekście społecznym.

W latach 1931-1932 wielu wybitnych przedstawicieli niemieckiego ruchu modernistycznego wyemigrowało do Wielkiej Brytanii. Wśród nich był pierwszy dyrektor Bauhausu, Walter Gropius, a także nauczyciel László Moholy-Nagy i jego utalentowany uczeń Marcel Breuer. Osoby te znacząco wpłynęły na rozwój architektury i wzornictwa w Wielkiej Brytanii, wprowadzając nowe idee i podejścia ukształtowane w Bauhausie. Ich praca i doświadczenie dydaktyczne stały się ważnym wkładem w kształtowanie nowoczesnego krajobrazu artystycznego i architektonicznego kraju.

W 1931 roku przedsiębiorca Jack Prichard założył w Londynie firmę Isometric Construction, znaną również jako Isokon. Firma zajmowała się różnorodnymi projektami, w tym produkcją mebli i budownictwem. Ważnym partnerem Isokon była estońska firma Venesta, specjalizująca się w produkcji mebli z giętej sklejki. Współpraca ta przyczyniła się do rozwoju innowacyjnych rozwiązań w zakresie projektowania i budowy oraz umocniła pozycję obu firm na rynku.

36-mieszkaniowy budynek przy Lawn Road to najsłynniejszy projekt Izokony. Zaprojektowany w stylu międzynarodowego modernizmu, stał się azylem dla artystów Bauhausu wygnanych z Niemiec. Rozwiązania architektoniczne zastosowane w tym budynku odzwierciedlają zasady funkcjonalności i prostoty charakterystyczne dla ruchu modernistycznego. Projekt przyciąga uwagę nie tylko ze względu na swoją historię, ale także unikatowy projekt, który wciąż inspiruje architektów i projektantów na całym świecie.

We Włoszech, wraz z dojściem faszystów do władzy, wyłoniła się wyjątkowa sytuacja architektoniczna. Architekt Giuseppe Terragni argumentował, że nowe społeczeństwo wymaga architektury wolnej od historycznych nadużyć. Zaproponował faszystowską wersję modernizmu, którą nazwał racjonalizmem. Ten nowy styl opierał się na ideologii, która głosiła kolektywną pracę i wypoczynek jako swoje podstawowe wartości. Promowanie idei Terragniego okazało się jednak trudne: faszyści, ze swoimi konserwatywnymi poglądami, nie podzielali jego preferencji estetycznych. W rezultacie wiele projektów architekta pozostało niezrealizowanych i na zawsze zapisanych na papierze. Racjonalizm jako koncepcja wyznaczył ważny etap w historii architektury, pokazując, jak ideologia może wpływać na proces twórczy i kształtowanie środowiska miejskiego. Najsłynniejszym z tych budynków jest Casa Fascio w Como, wzniesiona w latach 1932–1936 dla Narodowej Partii Faszystowskiej. Architekt Terragni, podobnie jak radzieccy racjonaliści, konstruktywiści, przedstawiciele Bauhausu i holenderska grupa De Stijl, kładł nacisk na harmonijną interakcję przestrzeni zewnętrznej i wewnętrznej w architekturze. Casa Fascio ma kwadratowy plan i wyraźnie geometrycznie podzieloną fasadę, co logicznie koreluje z wewnętrzną organizacją budynku. Ta harmonijna kompozycja podkreśla jedność formy architektonicznej i funkcjonalności, co czyni ją uderzającym przykładem stylu architektonicznego swoich czasów.

W 1932 roku socrealizm stał się oficjalnie uznaną metodą artystyczną w ZSRR. Decyzja ta oznaczała, że ​​tylko członkowie Związku Artystów mogli zarabiać na życie, podczas gdy inni artyści byli zmuszeni szukać alternatywnych źródeł dochodu. Było to niezwykle trudne w czasach sowieckiej gospodarki, co pogarszało sytuację. Co więcej, wielu artystów oskarżano o formalizm, co dodatkowo ograniczało ich możliwości samorealizacji i stabilność finansową. Socrealizm jako ruch rozwijał się pod ścisłą kontrolą państwa, co znacząco wpłynęło na rozwój sztuki w kraju.

W latach 30. XX wieku realizowano projekty modernistyczne, wśród których wyróżnia się moskiewski Pałac Kultury ZIŁ (Pałac Kultury Zakładów Lichaczowa). Ten wielofunkcyjny kompleks został zaprojektowany przez znanych architektów konstruktywistów, braci Wiesnin. Pałac Kultury ZIL obejmuje kilka sal, bibliotekę, kino, salę wykładową, ogród zimowy, obserwatorium astronomiczne i pracownie. Architekturę budynku charakteryzuje logiczna kompozycja, w której bryły i proporcje są spójne zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz, co odpowiada podstawowym zasadom konstruktywizmu. Projekt ten stał się ważnym etapem w rozwoju radzieckiej architektury i kultury, przyczyniając się do stworzenia przestrzeni dla życia publicznego.

W latach trzydziestych XX wieku w ZSRR pojawił się styl przejściowy między konstruktywizmem a architekturą stalinowską, znany jako postkonstruktywizm lub stalinowskie imperium. Styl ten stanowi syntezę zasad konstruktywizmu i architektury klasycznej. Na przykład budynki z poziomymi oknami szeroko wykorzystują klasyczne elementy dekoracyjne. W połowie lat trzydziestych XX wieku nawet ukończone budynki konstruktywistyczne zaczęto zdobić kolumnami, gzymsami i płaskorzeźbami, odzwierciedlając pragnienie bardziej monumentalnego i ekspresyjnego stylu w architekturze tamtych czasów. Postkonstruktywizm stał się ważnym etapem w rozwoju architektury radzieckiej, odzwierciedlając zmiany w życiu kulturalnym i politycznym kraju.

Styl i jego nazwa są przedmiotem wielu debat. Wielu ekspertów uważa, że ​​wiele projektów z tego okresu można zaliczyć do nurtu art déco.

W Stanach Zjednoczonych modernizm nadal kwitnie. Podobnie jak w Wielkiej Brytanii, kraj ten przyciąga profesjonalistów z krajów autorytarnych, którzy zostali wygnani z tych państw. Znajdują tu oni możliwości samorealizacji, co przyczynia się do rozwoju modernizmu w Ameryce. Istotną rolę w tym procesie odgrywają postępowe postaci kultury, takie jak Rothschildowie i Guggenheimowie, którzy stworzyli kolekcje sztuki nowoczesnej. Inicjatywy te przyczyniają się do kształtowania dynamicznej sceny artystycznej i wzrostu zainteresowania ruchami modernistycznymi wśród szerszej publiczności.

W latach 30. XX wieku nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) zorganizowało liczne wystawy i programy edukacyjne, które znacząco przyczyniły się do rozwoju amerykańskiego wzornictwa. Wydarzenia te nie tylko przybliżają publiczności nowoczesne ruchy artystyczne, ale także kształtują wysokie standardy wzornictwa i sztuki w Stanach Zjednoczonych. MoMA staje się ważną platformą prezentującą prace uznanych i wschodzących projektantów, wzmacniając tym samym pozycję amerykańskiego wzornictwa na arenie międzynarodowej.

Jednym z najsłynniejszych innowacyjnych inżynierów jest Buckminster Fuller, który opracował kopułę geodezyjną. Ten wyjątkowy projekt architektoniczny stał się centralnym punktem Międzynarodowej Wystawy w Montrealu w 1967 roku i przyciągnął uwagę publiczności innowacyjnym wzornictwem i estetyką. Kopuła geodezyjna Fullera nadal jest symbolem nowoczesnego designu i inżynierii, inspirując nowe pokolenia architektów i inżynierów.

Le Corbusier, jeden z czołowych przedstawicieli modernizmu we Francji, pozostawił po sobie znaczący ślad w architekturze. Zrealizował liczne projekty obejmujące zarówno domy prywatne, jak i zespoły urbanistyczne. Architekt proponował innowacyjne podejście do organizacji i planowania przestrzeni, mające na celu rozwiązywanie problemów społecznych. Jego idee dotyczące funkcjonalności i harmonii między człowiekiem a środowiskiem nadal wpływają na architekturę modernistyczną.

Pomimo krytyki za utopijny charakter jego idei, Le Corbusier wywarł znaczący wpływ na powojenne budownictwo masowe na całym świecie. Jego koncepcje architektury modernistycznej i urbanistyki stały się podstawą wielu projektów, kształtując wygląd miast i osiedli mieszkaniowych. Idee Le Corbusiera dotyczące funkcjonalności, otwartych przestrzeni i integracji z naturą są aktualne do dziś i inspirują architektów do tworzenia innowacyjnych rozwiązań.

Rozwój trendów kulturowych i społecznych w Europie został przerwany przez wybuch II wojny światowej. Podczas gdy większość krajów na kontynencie stanęła w obliczu poważnych wyzwań, Stany Zjednoczone Ameryki ucierpiały w mniejszym stopniu. Jednak nawet w USA gospodarka zaczęła doświadczać trudności, co wpłynęło na procesy wewnętrzne i nastroje społeczne.

Dowiedz się więcej o projektowaniu, subskrybując nasz kanał Telegram. Dzielimy się aktualnymi wiadomościami, nowymi trendami i przydatnymi wskazówkami z dziedziny projektowania. Dołącz do naszej społeczności i bądź na bieżąco z najciekawszymi i najbardziej przydatnymi materiałami!

Przeczytaj także:

• Historia projektowania w latach 60. i 70. XX wieku. Część druga: Projektowanie graficzne
• Historia projektowania w latach 60. i 70. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura
• Historia projektowania w latach 50. i 60. XX wieku. Część druga: Projektowanie graficzne
• Historia projektowania graficznego w latach 50. i 60. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura
• Historia projektowania graficznego. Lata 40. i 50. XX wieku
• Historia wzornictwa: Lata 20. i 30. XX wieku — Bauhaus i WKHUTEMAS
• Historia wzornictwa: Lata 10. i 20. XX wieku — Werkbund, Paul Poiret i rosyjska awangarda
• Historia wzornictwa: Sam początek XX wieku — secesja