Historia projektowania: lata 10. XX wieku – lata 20. XX wieku

Spis treści:

• Daria Sorokina
• Niemcy. „Werkbund”
• Austria. „Warsztaty Wiedeńskie”
• Szwajcaria. Podział „Werkbundu”
• Holandia. „Szkoła Amsterdamska” i „De Stijl”
• Francja. Narodziny art déco

Daria Sorokina

Historka sztuki i badaczka sztuki awangardowej Lata 20. i 30. XX wieku w Rosji i Niemczech. Obecnie jestem studentem studiów magisterskich na kierunku Design Studies w Bauhaus Dessau. Pracuję w Fundacji Bauhaus Dessau, gdzie badam i promuję dziedzictwo awangardy oraz jej wpływ na sztukę i design współczesny.

Na przełomie XIX i XX wieku, a także na początku XX wieku, secesja zajmowała wiodącą pozycję w sztuce i designie. W latach 10. XX wieku sytuacja uległa zmianie i jasny obraz nie był już widoczny. Niemniej jednak w tej dekadzie nadal można zidentyfikować znaczące zjawiska, które ucieleśniały ducha czasów i wpłynęły na dalszy rozwój ruchów artystycznych.

W tym okresie w Niemczech powstało pierwsze stowarzyszenie zawodowe projektantów – Werkbund. Ekspresjonizm aktywnie rozwijał się w malarstwie i architekturze, a rosyjska awangarda malarska również zaczęła się pojawiać. W Holandii narodził się ruch De Stijl i powstała Amsterdamska Szkoła Architektury. W tym samym czasie rozwijał się również funkcjonalizm, a we Francji Art déco stawiało pierwsze kroki. Ruchy te wywarły znaczący wpływ na rozwój wzornictwa i architektury, kształtując nowe podejścia i koncepcje, które nadal inspirują sztukę współczesną.

Główną cechą charakterystyczną dekady było pojawienie się trendów, które później zdefiniowały wzornictwo XX wieku. Kluczowe aspekty to zwięzłość, minimalizm, użyteczność i funkcjonalność. Jednocześnie rosło zainteresowanie dekoracją i ekspresją, tworząc kontrast między surowymi formami a jasnymi, wyrazistymi elementami. Trendy te stanowią fundament nowoczesnego wzornictwa, odzwierciedlając potrzeby i gusta społeczeństwa.

• Niemcy. Werkbund;
• Austria. Wiener Werkstätte;
• Szwajcaria. Oddział Werkbundu;
• Holandia. „Szkoła Amsterdamska” i „De Stijl”;
• Francja. Narodziny Art Deco;
• Rosja. Rosyjska awangarda malarska.

Niemcy. „Werkbund”

W 1906 roku w Dreźnie odbyła się wystawa, na której zaprezentowano przykłady nowoczesnego wzornictwa i architektury, stworzone we współpracy architektów i mistrzów rzemiosła. Wystawa ta stała się kluczowym momentem w określeniu kierunku rozwoju wzornictwa, kładąc nacisk na funkcjonalność i zwięzłość. W rezultacie tego podejścia wzornictwo zaczęło szybko ewoluować, odzwierciedlając potrzeby epoki i zmieniające się preferencje estetyczne społeczeństwa. Ta epoka zapoczątkowała nowe trendy w architekturze i wzornictwie, w których forma służyła funkcjonalności, a prostota stała się kluczem do stylu.

W 1907 roku w Monachium, zainspirowani wystawą drezdeńską, dwunastu przedstawicieli różnych zawodów związanych z wzornictwem zjednoczyło się, tworząc wspólnotę. Stowarzyszenie to zrzeszało artystów, architektów, rzemieślników, przedsiębiorców, przemysłowców i ekspertów. Nazwali swoją wspólnotę „Deutsche Werkbund”. Organizacja ta odegrała znaczącą rolę w rozwoju wzornictwa i produkcji artystycznej w Niemczech, ułatwiając wymianę idei i wprowadzanie nowych podejść w różnych dziedzinach sztuki i rzemiosła.

Celem stowarzyszenia było wspieranie i rozwój rzemiosła artystycznego, a także nowej sztuki przemysłowej, mającej na celu poprawę jakości produkcji masowej. Członkowie „Deutsche Werkbund” dążyli nie tylko do podniesienia standardów estetycznych konsumentów, ale także do ukształtowania unikalnego stylu niemieckiego wzornictwa, który mógłby z powodzeniem konkurować na arenie międzynarodowej.

Doświadczenia brytyjskie wywarły znaczący wpływ na powstanie i rozwój „Deutsche Werkbund”, zwłaszcza ruchu „Arts and Crafts” Williama Morrisa. Hermann Muthesius, jeden z założycieli „Werkbundu”, spędził wiele czasu w Wielkiej Brytanii, gdzie wnikliwie studiował architekturę i wzornictwo angielskich domów. W wyniku tych obserwacji opublikował w Niemczech w 1908 roku książkę „The English House”. Co ciekawe, celem Muthesiusa było zidentyfikowanie niemieckiego wzornictwa podobnego do angielskiego, co wskazuje na chęć włączenia najlepszych tradycji do niemieckiego środowiska kulturowego.

Członkowie „Deutsche Werkbundu” byli wybitnymi artystami interdyscyplinarnymi, rzemieślnikami, którzy potrafili tworzyć różnorodne przedmioty – od klamek po całe budynki. Jednym z tych utalentowanych projektantów był Peter Behrens, słusznie uważany za jednego z pierwszych projektantów przemysłowych na świecie. Dla Niemieckiej Kompanii Elektrycznej (AEG) projektował nie tylko żarówki, czajniki i wentylatory, ale także hale turbin i całe kompleksy architektoniczne. Behrens zajmował się również projektowaniem graficznym, podkreślając swoją wszechstronność i wkład w rozwój wzornictwa i architektury.

Jednym z kluczowych obszarów działalności Werkbundu była działalność edukacyjna. Członkowie stowarzyszenia nie tylko ograniczali się do publicznych wykładów i regularnych wystaw, ale także aktywnie tworzyli instytucje edukacyjne nowego typu. Na szczególną uwagę zasługują „eksperymentalne warsztaty artystyczno-przemysłowe” w Saksońskiej Szkole Sztuk Pięknych im. Wielkiego Księcia w Weimarze, gdzie architekt Henri van de Velde, jeden z założycieli „Werkbundu”, pełnił funkcję konsultanta artystycznego. Szkolenie kładło nacisk na dogłębne zrozumienie naturalnych właściwości materiałów i ich racjonalne wykorzystanie, co przyczyniło się do rozwoju innowacyjnych podejść w sztuce i projektowaniu. Ten model edukacyjny stał się podstawą do ukształtowania nowych standardów w nauczaniu dyscyplin artystycznych i stosowanych.

W głównym budynku warsztatów, ukończonym przez Van de Veldego w 1911 roku, Walter Gropius założył Bauhaus, pierwszą i wiodącą szkołę modernistyczną XX wieku. Szkoła ta wywarła znaczący wpływ na rozwój architektury i projektowania, wprowadzając nowe idee i podejścia, które zmieniły rozumienie edukacji artystycznej i praktyki artystycznej. Bauhaus stał się centrum innowacyjnych metod nauczania łączących sztukę i wzornictwo przemysłowe, stając się kamieniem milowym w historii sztuki i architektury nowoczesnej.

Unikalnym projektem edukacyjnym Niemieckiego Związku Weteranów (Deutsche Werkbund) było utopijne osiedle Hellerau, założone w 1909 roku przez Karla Schmidta, cieślę, który przekształcił swój zakład w dobrze prosperującą fabrykę. Położone na obrzeżach Drezna osiedle to stało się domem dla artystów i robotników, których przytulne domy otoczone były zielenią, zgodnie z koncepcją „miasta-ogrodu”. Życie łączyło tu pracę, kulturę i edukację, tworząc harmonijną przestrzeń rozwoju osobistego. Od 1911 roku w Hellerau mieściło się centrum kulturalne z eksperymentalną szkołą, w której uprawiano gimnastykę artystyczną, gimnastykę artystyczną, śpiew i różnorodne formy teatralne. Miejsce to stało się ważnym przykładem integracji sztuki i edukacji, zwracając uwagę na innowacyjne metody nauczania i wymianę kulturalną.

W ciągu pierwszych siedmiu lat swojego istnienia „Werkbund” z powodzeniem łączył ambicje twórcze z wymogami masowej produkcji przemysłowej. Organizacja organizowała wystawy międzynarodowe, które przyczyniły się do popularyzacji jej produktów, a także publikowała katalogi informujące o nowych osiągnięciach. Takie podejście pozwoliło Werkbundowi na ugruntowanie silnej pozycji rynkowej i zacieśnienie więzi z partnerami.

Przedwojenna wystawa w Kolonii w 1914 roku stanowiła punkt kulminacyjny rozwoju stowarzyszenia przemysłowego. Wydarzenie to prezentowało masowo produkowane meble, masowo produkowane artykuły gospodarstwa domowego, w tym meble do wagonów sypialnych, oraz projekty architektoniczne, które stały się dominującymi mediami swoich czasów. To właśnie na tej wystawie zaprezentowano dwa kluczowe trendy, które wkrótce miały stać się dominujące: ekspresjonizm i funkcjonalizm. Style te wywarły znaczący wpływ na dalszy rozwój wzornictwa i architektury, definiując standardy estetyczne i funkcjonalne swoich czasów.

Austria. Wiener Werkstätte

Poprzedniczka Werkbundu, Wiener Werkstätte, została założona w Wiedniu w 1903 roku. To stowarzyszenie architektów, artystów, rzemieślników i kupców miało na celu promowanie i koordynację interakcji między przemysłowcami, artystami i kupcami w celu pomyślnej produkcji i sprzedaży wyrobów rzemieślniczych. Szczyt działalności warsztatów przypadł na lata 1905–1910, ale ich wpływ trwał przez całą dekadę XX wieku, przyczyniając się do rozwoju rzemiosła artystycznego i wzmacniania więzi kulturalnych w społeczeństwie.

W 1913 roku Wiener Werkstätte przeszło znaczącą reorganizację, stając się częścią oddziału Werkbundu. Główna różnica między Wiener Werkstätte a Werkbundem tkwiła w podejściu do produkcji: każdy egzemplarz powstawał w jednym egzemplarzu, co podkreślało wyjątkowość każdego dzieła. Ta cecha przyniosła Wiener Werkstätte uznanie wśród koneserów sztuki i architektury oraz przyczyniła się do rozwoju indywidualnego stylu projektowania.

Josef Hofmann, założyciel Wiener Werkstätte i austriackiego Werkbundu, stał się znaczącą postacią w świecie designu i architektury. W swojej twórczości kontynuował tradycję racjonalnej secesji zapoczątkowaną w XX wieku, odrzucając ozdobne wzory kwiatowe na rzecz stonowanych i lakonicznych form. Projektant stopniowo skłaniał się ku surowym i abstrakcyjnym rozwiązaniom, koncentrując się na funkcjonalnych strukturach i przedmiotach codziennego użytku. Jego styl, charakteryzujący się ciągłym wykorzystaniem kwadratów i sześcianów, zaowocował przydomkiem „Kwadratowy Hofmann”, podkreślającym jego unikalne podejście do projektowania. Wkład Hofmanna w architekturę i design nadal inspiruje współczesnych artystów, sprawiając, że jego prace są aktualne i pożądane.

Pomimo znaczących sukcesów, austriacki Werkbund spotkał się z krytyką ze strony swoich rówieśników. W szczególności, w 1913 roku wiedeński architekt Adolf Loos opublikował krytyczny artykuł zatytułowany „Ornament i zbrodnia”. W swojej pracy sprzeciwiał się ornamentyce, projektowaniu fasad i zewnętrznej dekoracyjności; jego poglądy były bardziej radykalne niż poglądy Hofmanna. Loos poruszył ważne kwestie dotyczące funkcjonalności i prostoty w architekturze, co wywołało ożywioną debatę wśród przedstawicieli austriackiego modernizmu.

Loos argumentował, że wszelkie dekoracje reprezentują dzieciństwo ludzkości, które należy przezwyciężyć, a ornament jest symbolem erotycznym inherentnym najniższemu etapowi rozwoju. Jego radykalne idee irytowały współczesnych, a projekty architektoniczne, takie jak „Dom bez brwi” i „Café Nihilism”, były często krytykowane. Niemniej jednak Loos wywarł znaczący wpływ na rozwój funkcjonalizmu, a jego esej „Ornament i zbrodnia” stał się dziełem kultowym, które zmieniło poglądy na projektowanie i architekturę.

Szwajcaria. Oddział Werkbundu

W 1913 roku w Szwajcarii powstał oddział Werkbundu, jednocześnie z podobną organizacją w Austrii. Szwajcarski Werkbund był stowarzyszeniem artystów i projektantów, jednoczącym lokalne grupy z różnych regionów i miast kraju. W przeciwieństwie do niemieckiego Werkbundu, szwajcarskie grupy działały autonomicznie, realizując własne ideały i podejścia. Ta niezależność pozwoliła im rozwinąć unikalne tradycje i podejścia w sztuce i projektowaniu, odzwierciedlające różnorodność szwajcarskiej kultury.

Architekt Alfred Altherr został mianowany dyrektorem. Członkowie Szwajcarskiego Werkbundu dążyli do rozwoju współpracy między sztuką a przemysłem w Szwajcarii. Aby osiągnąć ten cel, publikowali artykuły w czasopiśmie Revue Mensuelle de l'Oeuvre, wydawanym w Lozannie. Inicjatywa ta promowała integrację wzornictwa artystycznego i przemysłowego, co pozytywnie wpłynęło na rozwój kulturalny i gospodarczy regionu.

Charles Jeanneret, lepiej znany jako Le Corbusier, był ważną postacią w szwajcarskiej architekturze początku XX wieku. W latach 10. XX wieku odszedł od tradycyjnych drewnianych szwajcarskich domków, wprowadzając radykalne zmiany w podejściu do architektury i projektowania. Jego idee i koncepcje wywarły znaczący wpływ na rozwój nowoczesnego stylu architektonicznego, czyniąc go jednym z kluczowych przedstawicieli modernizmu w architekturze. Le Corbusier dążył do tworzenia funkcjonalnych i estetycznych przestrzeni, co znalazło odzwierciedlenie w jego projektach i przyczyniło się do ukształtowania nowych standardów w budownictwie.

W 1914 roku, na Biennale Architektury w Wenecji, Le Corbusier zaprezentował swój innowacyjny projekt „Ino House”. Konstrukcja ta charakteryzowała się otwartą ramą z betonowych płyt stropowych i smukłych żelbetowych kolumn, uzupełnioną bocznymi schodami. Główną innowacją było to, że projekt pozwalał na swobodną organizację układu wnętrza bez ograniczania wyglądu zewnętrznego budynku. „Dom-Ino” stał się symbolem rewolucji architektonicznej, otwierając nowe horyzonty w projektowaniu i budowaniu przestrzeni mieszkalnych.

Holandia. „Szkoła Amsterdamska” i „De Stijl”

W Holandii w latach 10. XX wieku trwała rywalizacja między ekspresjonizmem a funkcjonalizmem. Ekspresjonizm w tym kraju reprezentowała „Szkoła Amsterdamska”, która powstała w wyniku reform społecznych mających na celu masową budowę tanich mieszkań. Architektura stała się dominującym medium tego ruchu. Z estetycznego punktu widzenia „Szkoła Amsterdamska” była pod wpływem Williama Morrisa i jego ruchu Arts and Crafts, który kładł nacisk na potrzebę przekształcania przedmiotów codziennego użytku. Na jej rozwój wpłynęła również sztuka Indii Wschodnich i europejska secesja z początku XX wieku. Ta synteza zaowocowała unikalnymi formami architektonicznymi, odzwierciedlającymi dążenie do estetycznej i funkcjonalnej doskonałości.

Przedstawiciele „szkoły amsterdamskiej” postrzegali projektowanie jako sposób na przekazywanie emocji, co znajduje odzwierciedlenie w kompozycjach ich budynków, łączących formy proste, kanciaste, zaokrąglone i organiczne. Architektura tej szkoły to zazwyczaj kompleksy budynków, z których każdy wyróżnia się ekspresyjnymi formami, w tym wieżami, ozdobnymi iglicami oraz bogato zdobionymi oknami i drzwiami. Takie podejście do projektowania nie tylko tworzy wizualnie atrakcyjne obiekty, ale także tworzy niepowtarzalną atmosferę, która wywołuje emocjonalne reakcje u odbiorców. Styl „szkoły amsterdamskiej” nadal wpływa na współczesne wzornictwo architektoniczne, podkreślając wagę harmonii między estetyką a funkcjonalnością.

Jedną z kluczowych cech architektury „szkoły amsterdamskiej” jest mistrzostwo w technice murarskiej, które przejawia się w stosowaniu różnych rodzajów i odmian splotu cegieł. Technika ta nie tylko nadaje budynkom niepowtarzalny styl wizualny, ale także podkreśla ich wartość artystyczną. Architekci tego nurtu umiejętnie łączyli faktury i kolory cegły, tworząc wyraziste fasady, które stały się znakiem rozpoznawczym tego stylu. Mistrzowska ceglana konstrukcja „Szkoły Amsterdamskiej” świadczy o wysokim poziomie kunsztu i dbałości o detale, dzięki czemu budynki te są nie tylko funkcjonalne, ale i estetyczne.

„Dom Żeglugi” w Amsterdamie jest doskonałym przykładem architektury „szkoły amsterdamskiej”. Budynek został zaprojektowany przez trzech architektów: Johana van der Meya, Michela de Klerka i Pieta Kramera. Jego kształt przypomina statek, symbolizując znaczenie żeglugi dla Holandii. Wnętrze i fasada budynku są pełne motywów marynistycznych, podkreślających historyczne znaczenie tej branży dla kraju. „Dom Żeglugi” nie tylko odzwierciedla unikalny styl architektoniczny, ale także stanowi przypomnienie morskiej historii Holandii.

Od 1918 roku Szkoła Amsterdamska zaczęła wydawać czasopismo „Wendingen”, co można przetłumaczyć jako „rewolucja”. Typografia stworzona przez Hendrikusa Wijdevelda na potrzeby tego wydawnictwa miała znaczący wpływ na projekt graficzny Szkoły Amsterdamskiej, pojawiając się nawet w projektach szyldów budynków i skrzynek pocztowych. Czasopismo wyróżniało się charakterystycznym kwadratowym formatem i oryginalną japońską oprawą nicią, co wyróżniało je spośród innych gazet i czasopism tamtych czasów. Ten unikalny styl przyczynił się do popularyzacji nowych podejść w projektowaniu i typografii, pozostawiając zauważalny ślad w historii sztuki graficznej.

Podczas gdy Szkoła Amsterdamska cieszyła się popularnością w Holandii, jej przeciwnicy, sprzeciwiający się ornamentyce, odnieśli międzynarodowy sukces. Grupa ta, założona w 1917 roku w Lejdzie, znana jest jako De Stijl (Styl). Głównym przedstawicielem grupy był artysta Theo van Doesburg, a kluczowym jej członkiem słynny malarz Piet Mondrian. Ich prace znacząco wpłynęły na rozwój sztuki i architektury nowoczesnej, afirmując idee minimalizmu i funkcjonalizmu.

De Stijl działał w różnych dziedzinach, w tym w branży wydawniczej i architektonicznej, i rozwinął unikalną koncepcję abstrakcji geometrycznej, znaną jako „neoplastycyzm”. Koncepcja ta reprezentuje utopię nowej kultury plastycznej opartej na „elementach podstawowych”: liniach, formach geometrycznych i podstawowych barwach spektrum. Zasady neoplastycyzmu nadal wpływają na sztukę i design, kształtując współczesne postrzeganie estetyki i harmonii.

Prostota i wyrazistość języka wizualnego neoplastycystów znacząco wpłynęły na ewolucję zachodnioeuropejskiego i amerykańskiego modernizmu w XX wieku. Styl ten, skoncentrowany na czystości formy i wyrazistej kolorystyce, stał się fundamentem nowych ruchów i podejść artystycznych. Dążąc do harmonii i racjonalności w sztuce, neoplastycyzm odcisnął znaczące piętno na twórczości wielu artystów, kształtując szereg współczesnych nurtów. Ich wkład w rozwój modernizmu nie może być zatem przeceniony, gdyż otworzył nowe horyzonty dla eksperymentów i samoekspresji w sztuce.

Francja. Narodziny Art Deco

W Paryżu, który na początku XX wieku stał się centrum kultury światowej, nie było ani dużych stowarzyszeń przemysłowych, ani ich przeciwników. Miasto nadal było areną baletów bohemy Diagilewa, a także domem twórczym dla tak wielkich artystów, jak Picasso, Braque i Matisse. W dziedzinie wzornictwa nastąpiły wówczas rewolucyjne zmiany w modzie. Lata 10. XX wieku były okresem rozkwitu Paula Poireta, uważanego za twórcę stylu Art Deco. Ten projektant mody miał znaczący wpływ na rozwój mody, wprowadzając innowacyjne pomysły i odważne decyzje, które zmieniły koncepcję kobiecej garderoby.