Historia projektowania w latach 60. i 70. XX wieku. Część druga: Projektowanie graficzne

Spis treści:

• Priorytety priorytetów!
• Medium to masaż
• Wszystko jest sztuką, wszystko jest designem
• Op-art
• "Drzwi percepcji"

W połowie lat 60. XX wieku rozczarowanie ideałami modernizmu stawało się coraz bardziej widoczne, zapoczątkowując erę postmodernistyczną. W tej epoce ponownie skupiono się na złożonym świecie wewnętrznym człowieka i jego doświadczeniach emocjonalnych. Postmodernizm eksploruje indywidualne uczucia i osobiste historie, podkreślając różnorodność postrzegania rzeczywistości i wielowarstwowość ludzkiego doświadczenia. Era ta otwiera zatem nowe horyzonty dla zrozumienia i analizy natury ludzkiej.

W tym artykule przyjrzymy się szczegółowo kluczowym wydarzeniom i trendom w projektowaniu graficznym lat 60. i 70. XX wieku. Okres ten stał się punktem zwrotnym w rozwoju komunikacji wizualnej, kiedy design zaczął aktywnie wpływać na kulturę popularną i świadomość społeczną. W latach 60. XX wieku projektowanie graficzne przeszło znaczące zmiany dzięki wpływom pop-artu, estetyki psychodelicznej i przemysłu reklamowego. Projektanci zaczęli eksperymentować z kolorami, czcionkami i kształtami, tworząc żywe i zapadające w pamięć obrazy. W latach 70. nacisk przesunął się w stronę minimalizmu i funkcjonalizmu. Projektanci zaczęli używać prostych kształtów i ograniczonej palety barw, co sprzyjało przejrzystości i czytelności. To podejście wpłynęło na tworzenie identyfikacji wizualnej i materiałów reklamowych, które wyróżniały się zwięzłością i ekspresją. Nowe technologie drukarskie i komputerowe odegrały ważną rolę w rozwoju projektowania graficznego w tym okresie, otwierając nowe możliwości dla kreatywności.

Lata 60. i 70. XX wieku stały się zatem erą znaczących zmian w projektowaniu graficznym, które wpłynęły na jego dalszy rozwój i znaczenie we współczesnym społeczeństwie.

• Priorytety - priorytety! Społeczna odpowiedzialność projektanta
• Medium jest masażem. Bestseller Marshalla McLuhana i Quentina Fiore
• Wszystko jest sztuką, wszystko jest designem. Pop-art, sztuka konceptualna i nowoczesność
• Op-art. Nie tylko kropki i paski!
• „Drzwi percepcji”. Sztuka psychodeliczna, design i subkultury

Priorytety priorytetów!

W latach 50. XX wieku graficy aktywnie wykorzystywali swoje umiejętności, aby wpływać na myśli i emocje ludzi. W latach 60. XX wieku zaczęli zdawać sobie sprawę ze znaczenia swojej roli i odpowiedzialności wobec konsumentów. Ta świadomość doprowadziła do bardziej etycznego podejścia do projektowania i komunikacji, które uwzględniało nie tylko interesy komercyjne, ale także wpływ na percepcję społeczną. Projektowanie graficzne stało się nie tylko narzędziem sprzedaży, ale ważnym czynnikiem kształtującym opinię publiczną i kulturę.

Brytyjski grafik Ken Garland w swoim słynnym manifeście „Najpierw najważniejsze” (1964) wezwał projektantów do porzucenia pracy nad reklamą nieistotnych produktów i skupienia się na społecznej odpowiedzialności zawodu. Podkreślał wagę wykorzystywania umiejętności projektowych do tworzenia bardziej znaczących i użytecznych projektów, które mogą mieć wpływ na społeczeństwo i poprawić jakość życia. Garland podkreślił, że praca projektantów powinna mieć nie tylko wartość komercyjną, ale także znaczenie społeczne, co jest istotne we współczesnym świecie.

Garland zawsze koncentrował się na projektach o znaczeniu społecznym. Tworzył edukacyjne gry planszowe dla dzieci pod marką Galt Toys, tworzył plakaty na protesty publiczne oraz pisał i ilustrował książki edukacyjne. Inicjatywy te podkreślają jego zaangażowanie w wprowadzanie pozytywnych zmian w społeczeństwie poprzez kreatywność i edukację.

Medium to masaż

Ważnym wydarzeniem w środowisku kulturalnym i filozoficznym lat 60. XX wieku była publikacja książki kanadyjskiego filozofa Marshalla McLuhana, napisanej wspólnie z grafikiem Quentinem Fiore, zatytułowanej „The „Medium to masaż: lista efektów”. Opublikowana w 1967 roku książka stała się bestsellerem, sprzedając się w prawie milionie egzemplarzy. Analizuje ona wpływ mediów na percepcję i społeczeństwo, oferując nowe spojrzenie na komunikację i jej rolę w życiu człowieka. „Medium to masaż” pozostaje aktualnym dziełem, które promuje głębokie zrozumienie relacji między technologią a kulturą.

Tytuł żartobliwie reinterpretuje znane powiedzenie „Medium jest przekazem”, podkreślając, że medium ma znaczący wpływ na odbiór przekazu. Ten sam tekst, czy to wygłoszony cichym głosem aktorki w reklamie, napisany jaskrawymi kolorami na chodniku, czy opublikowany w renomowanej gazecie, jest odbierany inaczej. Dlatego ważne jest, aby projektanci opanowali skuteczne metody wykorzystania tych mediów w swojej praktyce, aby jak najskuteczniej przekazywać idee i emocje.

Projekt książki skutecznie pokazuje, jak elementy graficzne wpływają na percepcję tekstu. Zilustrowany fotomontażem, zachęca czytelnika do ciągłego przełączania się między informacjami wizualnymi a tekstowymi. Niektóre strony są puste lub zawierają tylko kilka słów, a niektóre fragmenty tekstu można odczytać jedynie przez lustro. Ta interakcja z książką daje czytelnikowi wyjątkową okazję do zgłębienia własnej percepcji i interpretacji informacji.

Wszystko jest sztuką, wszystko jest designem

Zacieranie się granic między sztuką a nie-sztuką, a także między elitą a codziennością, jest charakterystyczną cechą podejścia postmodernistycznego. Uderzającym przykładem jest instalacja „One and Three Chairs” (1965) amerykańskiego artysty Josepha Kosutha, która ukazuje subiektywność naszego postrzegania rzeczywistości i naszą zależność od różnych mediów. Widzowie są zaproszeni do porównania zwykłego krzesła, jego fotografii i słownikowej definicji terminu „krzesło”, co pozwala na głębsze zrozumienie wielowymiarowej natury pojęć i prawdy zawartej w każdym z prezentowanych obiektów. Ta instalacja podkreśla, jak różne formy reprezentacji wpływają na nasze rozumienie i interpretację otaczającego nas świata, co stanowi kluczowy aspekt sztuki postmodernistycznej.

W tym okresie artyści popkultury koncentrowali się na społecznym znaczeniu kultury masowej, designu komercyjnego i reklamy, przekształcając je w elementy sztuki nowoczesnej. Jeden z najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu, amerykański artysta Andy Warhol, wykorzystywał technikę sitodruku, ironicznie podkreślając wyższość sztuki masowej nad unikatową. Dzięki jego twórczości, powtarzające się wizerunki produktów i gwiazd popu, malowane w jaskrawych, fluorescencyjnych kolorach, stały się popularnym kliszem graficznym, wywierając znaczący wpływ na kulturę wizualną i sztukę współczesną. Pop-art otworzył nowe horyzonty w postrzeganiu sztuki, czyniąc ją dostępną i zrozumiałą dla szerszej publiczności.

Czytaj także:

„Dyptyk Marilyn” to kultowe dzieło Andy'ego Warhola, które stało się symbolem pop-artu i odzwierciedla cechy kultury popularnej. Stworzony w 1962 roku, podwójny portret Marilyn Monroe prezentuje unikalny styl Warhola, łączący żywe kolory i powtarzalne obrazy. Zainspirowany fotografią, Warhol wykorzystał sitodruk, który pozwolił mu tworzyć wielokrotne kopie tego samego obrazu, podkreślając ideę masowej produkcji i konsumpcji w sztuce. Dzieło „Dyptyk Marilyn” ilustruje nie tylko ikoniczną postać aktorki, ale także kwestie tożsamości i percepcji społecznej. Marilyn Monroe, jako symbol kobiecości i seksualności, staje się obiektem analizy, a nie tylko obiektem podziwu. Warhol, bawiąc się koncepcją celebryty, pokazuje, jak społeczeństwo kształtuje wizerunki i jak szybko mogą one stać się ikonami. Dzieło to otwiera również dyskusję na temat granic sztuki i komercji, kluczowego aspektu pop-artu. Warhol, wykorzystując elementy reklamy i kultury popularnej, stawia pytania o autentyczność i oryginalność w sztuce. „Dyptyk Marilyn” pozostaje istotnym i poszukiwanym dziełem, inspirującym wielu współczesnych artystów i badaczy sztuki.

Roy Lichtenstein wywarł znaczący wpływ na współczesny design, kładąc nacisk na estetykę ilustracji inspirowanych amerykańskimi komiksami. Jego prace charakteryzują się wyraźnymi, czarnymi konturami, płaskimi wypełnieniami i imitacją tekstur rastrowych, które stały się podstawą wielu trendów w projektowaniu. Lichtenstein z powodzeniem integrował elementy popkultury ze sztuką, zmieniając w ten sposób postrzeganie designu i wprowadzając nowe rozwiązania wizualne. Jego wpływ jest odczuwalny nie tylko w sztukach pięknych, ale także w projektowaniu graficznym, reklamie i modzie, gdzie estetyka komiksowa nadal inspiruje współczesnych artystów i projektantów.

Początki pop-artu sięgają Wielkiej Brytanii lat 50. XX wieku, kiedy to żywe obrazy amerykańskich reklam, przywołujące marzenia o bogatym i szczęśliwym życiu, ostro kontrastowały z surową rzeczywistością epoki powojennej. Za jedno z pierwszych dzieł w tym kierunku uważa się kolaż Richarda Hamiltona „Co sprawia, że ​​nasze domy są dziś tak różne, tak atrakcyjne?” (1956). Kolaż ten składa się z fragmentów fotografii reklamowych ilustrujących usługi i produkty, odzwierciedlając ówczesne zmiany społeczne i kulturowe. Pop-art stał się ważną sztuką, wykorzystującą elementy kultury popularnej i komercyjnej do prowokowania dyskusji o nowoczesności i jej wartościach.

Peter Blake, słynny brytyjski artysta pop-artu, jednocześnie tworzył okładki albumów muzycznych. Jednym z jego najważniejszych projektów była okładka albumu Beatlesów „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”, wydanego w 1967 roku. Projekt tej okładki stał się ikoną swojej epoki, odzwierciedlając ducha tamtych czasów i wpływ popkultury. Praca Blake'a w dziedzinie sztuki muzycznej nie tylko podkreśliła jego talent, ale także wniosła znaczący wkład w identyfikację wizualną przemysłu muzycznego.

Przeczytaj także:

Legendarne okładki albumów The Beatles miały znaczący wpływ na popkultury i świata muzyki. Ich oryginalność i kreatywność wyznaczyły standardy dla wielu późniejszych artystów. Okładki albumów takich jak „Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”, „The Beatles” (znanego również jako „White Album”), „Abbey Road”, „Revolver” i „Help!” nie tylko odzwierciedlają muzyczne idee zespołu, ale także oddają ducha tamtych czasów. Te wizualne dzieła sztuki nie tylko przykuły uwagę słuchaczy, ale stały się również ważną częścią historii muzyki, inspirując projektantów i artystów na całym świecie. Okładki albumów Beatlesów są nadal aktualne w dzisiejszym kontekście, podkreślając ich niezaprzeczalne dziedzictwo w kulturze popularnej.

Ten kolaż zdjęć jest bogaty w detale i niepowtarzalny, stanowi wyjątkowe dzieło sztuki. Naturalnej wielkości tekturowe i woskowe figury znanych osobistości tworzą niepowtarzalny „panteon”. Muzycy przedstawieni są w jaskrawych, kiczowatych kostiumach w stylu retro, co stanowi kontrast ze „starymi” Beatlesami, którzy nosili eleganckie garnitury i byli prezentowani jako lalki. Ten kolaż urzeka oryginalnością i pozwala widzom zanurzyć się w atmosferze epoki muzycznej.

Współczesne trendy pokazują, że standardy i racjonalizacja ustępują miejsca modzie na wolność wypowiedzi i twórczą indywidualność. Ironia coraz częściej zastępuje powagę. Skupienie na przyszłości ustępuje miejsca nowej reinterpretacji przeszłości, co prowadzi do popularyzacji stylu retro. Design i sztuka wciąż się przenikają, tworząc nowe, interesujące kierunki i tworząc unikalne rozwiązania wizualne.

Op-art

Op-art to ruch artystyczny, który tworzy iluzje wizualne i manipuluje percepcją widza. Op-art opiera się na płaskich i przestrzennych figurach, a także unikalnych zestawieniach kolorystycznych, które wprowadzają widza w błąd. Sztuka ta rozwijała się aktywnie w kontekście modernistycznego ruchu znanego jako abstrakcjonizm geometryczny. Sztuka optyczna przyciąga uwagę swoją zdolnością do wywoływania efektów optycznych, tworzenia dynamiki i ruchu na statycznych powierzchniach.

Od drugiej połowy lat 60. artyści i projektanci zaczęli aktywnie wykorzystywać grafikę optyczną do wizualnej transformacji i Ożywić nudną geometrię pustych, modernistycznych przestrzeni. Op-art stopniowo wykracza poza galerie sztuki i zaczyna wypełniać strony magazynów mody, plakaty reklamowe, chodniki i fasady budynków. Styl ten nie tylko wnosi dynamikę do rozwiązań architektonicznych i projektowych, ale także staje się ważnym elementem kultury wizualnej, wpływając na sposób, w jaki postrzegamy otaczający nas świat. Tworzenie charakterystycznych wzorów w różnych mediach staje się coraz bardziej popularne. Uderzającym przykładem tego podejścia jest charakterystyczny styl Letnich Igrzysk Olimpijskich 1968 w Meksyku, zaprojektowany przez Lance'a Wymana, Pedro Ramíreza Vázqueza i Eduardo Terrazasa. Projekt graficzny łączy elementy takie jak koła utworzone z cyfr 6 i 8, koła olimpijskie oraz tradycyjne wzory geometryczne rdzennej ludności Meksyku. Ten styl nie tylko odzwierciedla wyjątkową kulturę kraju, ale także tworzy niezapomniany identyfikator wizualny dla jednego z najważniejszych wydarzeń sportowych na świecie.

Holenderski projektant Juriaan Schrofer zyskał sławę dzięki unikalnemu połączeniu technik optycznych i geometrycznego liternictwa. Jego prace obejmują zarówno eksperymentalne, modułowe kroje pisma, jak i efektowne okładki typograficzne dla różnych wydawnictw. Prace Schrofera wyróżniają się przemyślanymi połączeniami kolorów i kształtów, które tworzą iluzję ruchu, przekształcając statyczną typografię w dynamiczne rozwiązania wizualne. Jego styl i podejście do projektowania nadal inspirują wielu profesjonalistów z dziedziny projektowania graficznego i typografii.

Bridget Riley, znana brytyjska artystka, tworzyła unikalne obrazy optyczne, wykorzystując przekształcone okręgi, powtarzające się faliste linie i kontrastujące pasy. Jej prace nie tylko przyciągają uwagę, ale także tworzą wrażenie głębi i ruchu. Artystka następnie zastosowała swoje koncepcje artystyczne w muralach do przestrzeni publicznych, w tym galerii sztuki i szpitali. Te murale wzbogacają wnętrze, wprowadzając elementy sztuki współczesnej i wizualną dynamikę, co poprawia percepcję przestrzeni i tworzy atmosferę inspiracji.

W 1974 roku kanadyjski projektant graficzny Ted Butler wprowadził na rynek zestaw Supergraphic System Kit, serię zestawów zawierających szablony i instrukcje dotyczące malowania ścian pasami graficznymi. Projekt zyskał popularność i pozwolił, aby op-art zajął stałe miejsce w nowoczesnych wnętrzach mieszkalnych. Aranżacje Butlera zainspirowały niezliczone rzesze osób do tworzenia wyjątkowych i tętniących życiem przestrzeni, w których elementy graficzne harmonijnie komponują się z całościowym stylem. Op-art nadal jest istotny w projektowaniu wnętrz, wnosząc dynamikę i oryginalność do przestrzeni mieszkalnych.

«Drzwi Percepcji»

W erze postmodernistycznej powstaje i rozwija się wiele młodzieżowych subkultur, wśród których pod koniec lat 60. XX wieku prym wiodą hipisi. Przedstawiciele tego ruchu aktywnie protestowali przeciwko konserwatywnej moralności i normom społecznym, które ograniczały wolność słowa. Sprzeciwiali się również kapitalistycznym wartościom i przemocy, promując ideały pokoju, miłości i sprawiedliwości społecznej. Hipisi wywarli znaczący wpływ na kulturę, sztukę i ruchy społeczne, pozostawiając trwały ślad w historii. San Francisco stało się centrum muzyki hipisowskiej i kultury wizualnej, domem dla znanych grafików, takich jak Wes Wilson, Alton Kelly, Victor Moscoso, Rick Griffin i Stanley Mouse. Artyści ci tworzyli żywe plakaty i okładki albumów zespołów, wyróżniające się charakterystyczną psychodeliczną grafiką. Ich prace miały później znaczący wpływ na reklamę komercyjną i projektowanie opakowań, wprowadzając elementy kultury hipisowskiej do kultury popularnej.

Secesyjna grafika liniowa stała się ważnym źródłem inspiracji dla artystów tworzących w tym kierunku. Płynne, naturalne formy, zamyślone dziewczyny z rozwianymi włosami i fantastyczne światy wypełnione bogactwem detali tworzą niepowtarzalną atmosferę. Zniekształcone kształty liter dodają wyjątkowej ekspresji, podkreślając artystyczną indywidualność i oryginalność stylu. Ten język wizualny wciąż przyciąga uwagę i inspiruje współczesne ruchy twórcze, otwierając nowe horyzonty dla autoekspresji.

Artyści czerpali inspirację z op-artu i ornamentyki etnograficznej, a także z eksperymentów z popularnymi wówczas narkotykami halucynogennymi. Substancje te, zgodnie z metaforą Aldousa Huxleya, otwierały „drzwi percepcji”. Rezultatem była jasna i żywa gama kolorów, niezwykłe motywy oraz efekt „rozmycia” lub „migotania” elementów, które przyciągały uwagę widza i tworzyły niepowtarzalne doznania wizualne.

Brytyjski ilustrator Alan Aldridge zyskał sławę dzięki surrealistycznym ilustracjom i unikatowemu liternictwu. Reinterpretuje trójwymiarowe formy liter dekoracyjnych, inspirowane starymi szyldami i reklamami. Prace Aldridge'a przyciągają uwagę oryginalnością i głębią, co czyni go jednym z najwybitniejszych przedstawicieli nowoczesnej sztuki ilustracyjnej.

Design lat 60. stał się przełomowym etapem w europejskiej kulturze XX wieku, wyznaczając przejście Od modernizmu do postmodernizmu. W tym okresie pojawiły się nowe trendy, takie jak recykling i łączenie elementów różnych stylów, wykorzystywanie autoironii i kiczu oraz zacieranie granic między designem a sztuką. Kluczowym aspektem tej epoki było aktywne zaangażowanie konsumentów w proces twórczy. Te cechy nie tylko określiły charakter designu lat 60., ale także miały znaczący wpływ na jego rozwój w kolejnych dekadach, otwierając nowe horyzonty dla kreatywności i samoekspresji.

Dowiedz się więcej o designie, subskrybując nasz kanał Telegram. Regularnie dzielimy się najnowszymi wiadomościami, wskazówkami i inspiracjami ze świata designu. Dołącz do naszej społeczności, aby być na bieżąco z najnowszymi trendami i rozwijać swoje umiejętności.

Czytaj także:

• Historia designu w latach 60. i 70. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura
• Historia designu w latach 50. i 60. XX wieku. Część druga: Projektowanie graficzne
• Historia projektowania w latach 50. i 60. XX wieku. Część pierwsza: Przemysł i architektura
• Historia projektowania. Lata 40. i 50. XX wieku
• Historia projektowania. Lata 30. i 40. XX wieku
• Historia wzornictwa: Lata 20. i 30. XX wieku — Bauhaus i WKHUTEMAS
• Historia wzornictwa: Lata 10. i 20. XX wieku — Werkbund, Paul Poiret i rosyjska awangarda
• Historia wzornictwa: Sam początek XX wieku — secesja