Macierzyństwo i kreatywność: jak artystki z wieloma dziećmi pokonują trudności

Spis treści:

• Zinaida Sieriebriakowa
• Judith Leyster
• Elizabeth Vigee-Lebrun
• Barbara Hepworth
• Louise Bourgeois

W całej historii sztuka tworzona przez kobiety często pozostawała w cieniu, a społeczeństwo uważało ją za Ich głównym zadaniem było wyłącznie macierzyństwo i wychowywanie dzieci. Kobietom często odmawiano dostępu do edukacji, a ich osiągnięcia były często umniejszane. Mimo to wiele wybitnych kobiet odniosło sukces w sztuce, wychowując dzieci. Poznajmy pięć takich utalentowanych artystek i dowiedzmy się o wyzwaniach, jakie pokonały na drodze do macierzyństwa.

Zinaida Serebriakova

Zinaida Serebriakova jest uważana za neoklasycystkę. Była członkinią stowarzyszenia „World of Art”, które twierdziło, że znaczenie dzieła sztuki tkwi nie w samym obiekcie, ale w wyrazie indywidualności artysty. W twórczości artystki widać również wpływ impresjonizmu: Serebriakova znała dzieła Degasa i przedstawiała baletnice, co pozwala łatwo rozpoznać źródło jej inspiracji w tych pracach. Zinaida Sieriebriakowa wyszła za mąż za swojego kuzyna, co wymagało od nich sporego wysiłku, ponieważ wyznawali różne religie, a żadna z nich nie popierała związków między bliskimi krewnymi. W ciągu siedmiu lat została matką czwórki dzieci: Jewgienija, Aleksandra, Tatiany i Jekatieriny. Pomimo tak dużego obciążenia pracą, nie porzuciła pracy twórczej i nadal aktywnie malowała. Szczyt jej aktywności artystycznej przypadł na lata 1914–1917, choć jej najmłodsza córka urodziła się w 1913 roku.

Życie artystki uległo znaczącym zmianom po rewolucji – wraz z rodziną została zmuszona do opuszczenia Petersburga, miasta, w którym miała większe szanse na realizację swojego potencjału twórczego i zarobienie na życie. W 1919 roku jej mąż zmarł na tyfus, pozostawiając Zinaidę Sieriebriakową samą z czwórką dzieci.

Sytuacja stała się tak trudna, że ​​zmuszona była porzucić farby olejne i przejść na węgiel drzewny i ołówek. Uchwyciła zniszczony świat w swojej pracy „House of Cards”, gdzie jej dzieci z niepokojem obserwują karty, które przed chwilą pewnie stały na stole, ale teraz lecą w różnych kierunkach.

W 1924 roku Zinaida Sieriebriakowa wyjechała do Paryża, aby poprawić swoją sytuację finansową. Zamierzała wkrótce wrócić do domu, więc zostawiła dzieci w Petersburgu. Jednak już po roku stało się jasne, że powrót jest niemożliwy. Dopiero trzy lata później udało jej się zabrać ze sobą dwójkę dzieci, Aleksandra i Katarzynę. Resztę dzieci miała zobaczyć dopiero po 36 latach.

Dwustronne życie niewątpliwie wpłynęło na twórczość artystki. Po 1920 roku jej prace stały się, jeśli nie ponure, to wyraźnie mniej jasne, choć nadal przedstawiała swoje dzieci. W portretach stworzonych przed śmiercią męża i przymusowym wyjazdem za granicę można było wyczuć radość i podziw dla dzieci. Jednak w późniejszych pracach uczucia te wyraźnie ustępowały miejsca nastrojom lękowym.

Judith Leyster

Uważa się, że ta XVII-wieczna holenderska artystka studiowała u Fransa Halsa i Pietera Fransa de Grebbera. Odniosła znaczny sukces, umacniając swoją pozycję w zdominowanym przez mężczyzn społeczeństwie. W 1633 roku została członkinią Cechu św. Łukasza, otrzymując tytuł „mistrza malarstwa” (meesterschilder). Był to nie tylko wyraz uznania, ale także okazja do otwarcia własnej pracowni i przyjmowania uczniów. Została jedną z dwóch kobiet, którym udało się osiągnąć tak wysoki status.

Trzy lata później wyszła za mąż. Poślubiła artystę Jana Miense Molenaera i została matką pięciorga dzieci. Wydarzenie to skutecznie oznaczało koniec jej kariery artystycznej, ponieważ niewiele wiadomo o jej osiągnięciach artystycznych po urodzeniu pierwszego dziecka. Warto zauważyć, że do 1893 roku wiele jej prac błędnie przypisywano Fransowi Halsowi lub jej mężowi.

Elisabeth Vigée-Le Brun

Francuska artystka, znana jako ulubiona portrecistka Marii Antoniny, rozpoczęła karierę artystyczną w wieku zaledwie 15 lat i wykazała się niezwykłą produktywnością. Jej talent został szybko dostrzeżony, a małżeństwo z artystą i marszandem Jean-Baptiste-Pierre'em Le Brunem otworzyło jej drzwi do Wersalu. W tym pałacu zbliżyła się do Marii Antoniny; Obie kobiety doświadczyły straty dzieci i miały już wówczas jedno dziecko.

Rewolucja francuska zmusiła artystkę do opuszczenia Paryża, zabierając ze sobą jedynie córkę Julię, podczas gdy jej mąż, który nie podzielał jej rojalistycznych poglądów, pozostał. Szukając schronienia, podróżowała po Włoszech, Wiedniu, Holandii, a nawet odwiedziła Rosję, gdzie malowała portrety arystokratów. Jej prace nie spodobały się jednak Katarzynie Wielkiej; cesarzowa uważała, że ​​dzieci na obrazach są przedstawione w „nieprzyzwoitych” pozach i ubrane zbyt frywolnie jak na tamte czasy. W 1793 roku artystka otrzymała list od swojego brata, Étienne'a Vigée.

Z Brukseli wysłał jej listy z prośbą o objęcie opieki nad jego córkami. Znalazł się w trudnej sytuacji, będąc w ucieczce i prześladowanym politycznie, co pozbawiło go możliwości opieki nad rodziną. W rezultacie przez dwanaście lat Elisabeth Vigée-Lebrun pełniła obowiązki matki wielodzietnej, zapewniając byt i wychowanie nie tylko własnej córce, ale także jej siostrzenicom.

Ta artystka wyróżniała się nie tylko wysoką produktywnością, ale także odwagą: jej prace często stawały się przyczyną skandali, co niewątpliwie przyczyniło się do wzrostu jej sławy.

Kiedyś artystka przedstawiła Marię Antoninę w jedwabnej sukni, która jak na tamte czasy wydawała się zbyt wyzywająca. Portret jej córki Julii wywołał prawdziwy szok wśród widzów: dziewczyna uśmiechała się na nim, odsłaniając zęby, co uznano za niedopuszczalne naruszenie ustalonych tradycji. Ogólnie rzecz biorąc, artystka często odwoływała się w swoich pracach do wizerunku córki i wielokrotnie przyznawała, że ​​jej szczęście jest z nią nierozerwalnie związane, mając nadzieję zachować tę radość przez całe życie.

Barbara Hepworth

Jedną z centralnych postaci w świecie rzeźby abstrakcyjnej jest kobieta urodzona w 1903 roku. W 1921 roku udało jej się uzyskać stypendium na studia w Royal College of Art (RCA), mimo że w tamtym czasie rzeźba pozostawała dziedziną niemal wyłącznie męską.

W swoim pierwszym małżeństwie z rzeźbiarzem Johnem Skeapingiem została matką syna, a drugi związek z artystą abstrakcyjnym Benem Nicholsonem dał jej trojaczki. Ta okoliczność znacząco wpłynęła na jej harmonogram pracy i środowisko – musiała pracować z domu, otoczona dziećmi. W swojej autobiografii wspominała, że ​​„wygospodarowywała czas” między karmieniami, a jej sesje artystyczne często odbywały się wieczorami.

Mimo to, Nie wyraziła niezadowolenia i podzieliła się wspomnieniami o tym, jak ojciec co roku zabierał ją do domu nad morzem, gdzie mogła malować o świcie, zapewniając sobie wszystko, czego potrzebowała. „Stało się to fundamentem mojej pracy zawodowej i ukształtowało moje przekonanie, że życie artysty nie powinno ograniczać się do obowiązków domowych i dzieci <…> – w rzeczywistości tak bogate życie można wypełnić, poświęcając czas na pracę każdego dnia; nawet jeśli to tylko pół godziny, w umyśle zaczynają rozwijać się obrazy”.

Eksperci sztuki zauważają, że temat ciąży i ciała fizycznego jest żywo reprezentowany w pracach Barbary Hepworth. Jej rzeźby o zaokrąglonych konturach zawierają różnorodne wgłębienia i otwory, symbolizujące głęboki związek między wnętrzem a zewnętrzem, a także idee penetracji i ochrony. Hepworth była pionierką w stosowaniu czystej abstrakcji i rozwinęła koncepcję formy pustej.

Louise Bourgeois

Francuska artystka i rzeźbiarka, większość swojej kariery spędziła w Stanach Zjednoczonych, dokąd wyemigrowała z mężem, krytykiem sztuki Robertem Goldwaterem. Jej dzieciństwo było pełne trudności: ojciec zdradził matkę z guwernantką, a wkrótce potem śmierć matki wywarła głęboki wpływ na Louise. To wydarzenie skłoniło ją do porzucenia studiów matematycznych na Sorbonie i podjęcia nauki w École des Beaux-Arts.

Na wygnaniu artystka w ciągu zaledwie trzech lat została matką trójki dzieci. Wspominając tamten okres, podzieliła się swoimi przemyśleniami: „Często mnie o to pytają, ale nie mam ochoty wdawać się w szczegóły: samo przetrwanie każdego dnia było prawdziwym wyzwaniem. To było coś – wychowywanie trójki dzieci i ciągłe próby kontynuowania pracy. Fizycznie było to niezwykle wymagające”.

Artystkę dręczyły lęki i kompleksy; przyznała, że ​​czuła presję ze strony oczekiwań rodziny. Znalazła sposób na radzenie sobie z tymi emocjami dzięki psychoterapii i swojej sztuce, w której otwarcie mówiła o wpływie rodziny na życie człowieka. Na przykład w instalacji „Destruction of the Father” (1974) centralną rolę odgrywał stół ofiarny zasłany częściami ciała (w tym przypadku kawałkami prawdziwej jagnięciny kupionej w sklepie mięsnym). W tej pracy artystka zgłębia bolesne aspekty swojej relacji z ojcem.

W jej twórczości doświadczenie macierzyństwa wyraźnie przejawia się także w twórczości. Rzeźba zatytułowana „Dobra matka”, stworzona w 2003 roku, skupia się na kobiecie z nićmi przymocowanymi do jej sutków, wychodzącymi ze szpulek otaczających ją.

Louise Bourgeois powiedziała kiedyś: „Mam trzy główne punkty odniesienia… Moich rodziców… Moje życie osobiste… I pogląd moich dzieci na świat. Wszystkie te elementy są nierozerwalnie ze sobą powiązane”.

Losy tych artystek ilustrują różnorodny wpływ macierzyństwa na proces twórczy: dla niektórych narodziny dzieci mogą oznaczać koniec aktywności zawodowej, dla innych stają się niewyczerpanym źródłem inspiracji.

Mimo to każda z artystek znalazła swój własny sposób na radzenie sobie z tą sytuacją. Niestety, era, w której łączenie macierzyństwa z działalnością twórczą było praktycznie niemożliwe, trwała zdecydowanie za długo. Niewątpliwie doprowadziło to do tego, że świat stracił wiele utalentowanych artystek.

Jeśli interesuje Cię świat designu, zapraszamy do dołączenia do naszego kanału Telegram, gdzie znajdziesz mnóstwo fascynujących informacji! Z przyjemnością powitamy Cię wśród naszych subskrybentów!

Czytaj także:

• Słynne dzieła rosyjskich mistrzów: 10 najciekawszych dzieł sztuki
• Powstanie obrazu Izaaka Lewitana „Złota jesień” wiąże się z głębokimi doświadczeniami artysty i jego pragnieniem uchwycenia piękna natury w jej jesiennej odsłonie. Dzieło to powstało w 1895 roku, gdy Lewitan był pod wpływem rosyjskiej natury i jej zmieniających się pór roku.

  Jesień w tym dziele przedstawiona jest jako pora roku, w której natura jest pełna jasnych kolorów i głębokich emocji. Levitan mistrzowsko uchwycił atmosferę tej pory roku, używając bogatych odcieni żółci, czerwieni i pomarańczy, aby stworzyć wrażenie ciepła i komfortu, nawet w obliczu zbliżającej się zimy.

  Artysta często szukał inspiracji w okolicach swojego rodzinnego miasta i „Złota Jesień” nie była wyjątkiem. Obserwował zmieniające się krajobrazy, co pomogło mu przekazać wizję jesiennej natury. Dzieło to stało się jednym z najbardziej ikonicznych w jego twórczości, odzwierciedlając nie tylko piękno otaczającego świata, ale także wewnętrzne przeżycia artysty.

  W rezultacie „Złota Jesień” stała się nie tylko obrazem natury, ale symbolem stanu umysłu i filozoficzną refleksją nad czasem, cyklami życia i zmieniającymi się porami roku. Ten obraz wciąż budzi podziw, zachęcając do refleksji nad harmonią między człowiekiem a naturą.

• Dzieło o wyraźnym przesłaniu społecznym: „Nierówne małżeństwo” Wasilija Pukiriewa.
• Wasilij Wierieszczagin: Droga do artystycznej wielkości

  Wasilij Wierieszczagin to nazwisko, które stało się synonimem kunsztu malarskiego i głębokiej filozofii. Jego twórczość pozostawiła niezatarty ślad w historii sztuki, i to nie przypadek. Od samego początku swojej kariery dążył do przekazania widzowi nie tylko zewnętrznego piękna, ale także złożonych emocji związanych z ludzkimi doświadczeniami.

  Rozpoczynając studia w Akademii Sztuk Pięknych, Wierieszczagin szybko zdał sobie sprawę, że tradycyjne metody nie zawsze są w stanie odzwierciedlić rzeczywistość. Poszukiwał nowych podejść, studiował różne techniki i czerpał inspirację z podróży po świecie. Jego podróże, zwłaszcza do Indii i na Bałkany, nie tylko wzbogaciły jego artystyczną perspektywę, ale także pozwoliły mu głębiej zrozumieć konteksty kulturowe i historyczne, które mistrzowsko oddał na płótnie.

  Werieszczagin zasłynął ze scen wojennych, które wyróżniały się realizmem i emocjonalną głębią. Nie przedstawiał wyłącznie bitew; starał się ukazać ich konsekwencje dla ludzi, ukazując cierpienie i odwagę. Jego prace znajdowały szeroki oddźwięk i skłaniały widzów do refleksji nad naturą wojny i jej wpływem na życie zwykłych ludzi.

  Z biegiem czasu Werieszczagin nie tylko ugruntował swoją reputację jako wybitnego artysty, ale stał się także ważną postacią w życiu kulturalnym swoich czasów. Jego wystawy przyciągały tłumy, a jego obrazy podziwiali zarówno zwykli widzowie, jak i znawcy sztuki. Każde nowe dzieło odsłaniało przed publicznością nowe oblicza jego talentu i świata, w którym żył.

  Droga Wasilija Wierieszczagina do wielkości była zatem naznaczona dążeniem do szczerości i chęcią eksplorowania i przekazywania złożonych ludzkich emocji poprzez sztukę. Jego spuścizna nadal inspiruje nowych artystów i miłośników sztuki, dowodząc, że prawdziwa sztuka może przekraczać czas i przestrzeń.