Margarita Smagina o pracy z fotografią filmową, tworzeniu zina „Layers” i swojej kolekcji mody dla Befree

Zawartość:

Margarita Smagina to znana fotografka mody o niepowtarzalnym stylu i imponującym portfolio. Jej doświadczenie obejmuje szeroki zakres prac, w tym sesje komercyjne dla renomowanych marek, specjalne projekty medialne oraz autorskie eksperymenty w fotografii projektowej. W grudniu 2022 roku zaprezentowała kolekcję kapsułową stworzoną we współpracy z marką Befree.

Spotkaliśmy się z Margaritą, aby porozmawiać o jej źródłach inspiracji, jej podejściu do łączenia fotografii kreatywnej z komercyjną oraz jej wrażeniach z pracy nad własną kolekcją.

Margarita podzieliła się swoim doświadczeniem. Opowiedziała o tym, jak ważne jest znalezienie równowagi między pracą a życiem osobistym. Ta równowaga nie tylko przyczynia się do wzrostu produktywności, ale także poprawia ogólne samopoczucie. Zauważyła, że ​​regularne przerwy i czas na relaks pomagają utrzymać motywację i kreatywność. Margarita podkreśliła również, że rozwijanie hobby i spędzanie czasu z bliskimi odgrywa kluczową rolę w utrzymaniu wewnętrznego spokoju i harmonii. Te aspekty pomagają radzić sobie z codziennym stresem i osiągać wyznaczone cele.

• jak tworzyć wielowarstwową pracę, pracując nad jednym zinem;
• dlaczego praca z negatywem daje więcej możliwości;
• czy można używać filmu w fotografii komercyjnej;
• jakie ubrania ze swojej kolekcji sama by założyła;
• dlaczego nie udało się odtworzyć fabuły Bergmana w koncepcji reklamy.

Fotografka i nauczycielka, specjalizująca się w fotografii modowej i projektach autorskich. Wykonuje zdjęcia dla magazynów i mediów internetowych, a także tworzy lookbooki do kolekcji i kampanii reklamowych marek. Wśród jej klientów znajdują się takie publikacje jak „Fucking Young”, „Paper Magazine”, „Esquire”, „The Blueprint”, „Buro 24/7” i „Afisha Daily”. Dzięki bogatemu doświadczeniu i profesjonalizmowi z powodzeniem łączy artystyczne podejście z celami komercyjnymi, co pozwala jej wyróżnić się na tle innych specjalistów w dziedzinie fotografii modowej.

Mój styl można określić jako nowoczesny i lakoniczny. Preferuję jasność i prostotę w wyrażaniu myśli, co pozwala mi lepiej przekazać informacje czytelnikowi. W swojej pracy koncentruję się na trafności treści, dążąc do tworzenia tekstów, które będą interesujące i przydatne dla grupy docelowej. Moje podejście obejmuje optymalizację SEO w celu zwiększenia widoczności i dostępności informacji w wyszukiwarkach, co pozwala mi lepiej odpowiadać na zapytania użytkowników.

Wolę unikać przywiązania do jednego stylu, ponieważ fotografia to fascynujące medium, dające mi wiele możliwości. Moja twórczość nie ma stabilnego ani monotonnego rozwiązania wizualnego; stale ewoluuje i zmienia się. Ta dynamika odzwierciedla moje zainteresowanie różnorodnością i eksperymentowaniem w fotografii.

Szczególnie pociągają mnie stany graniczne. Uwielbiam tworzyć historie, w których eksploruję wewnętrzne podróże, zagłębiając się w mroczne zakamarki mojego umysłu. Te eksploracje otwierają nowe horyzonty samopoznania i pozwalają mi głębiej zrozumieć moje emocje i doświadczenia.

Tworzę narrację, która pozwala widzowi zanurzyć się w wyjątkowym stanie i poczuć atmosferę danego świata. Moim celem jest stworzenie głębokiej więzi między widzem a fabułą, aby każdy mógł doświadczyć emocji i wydarzeń na głębszym poziomie. Takie podejście sprzyja pełnemu zanurzeniu się w historii i tworzy niezapomniane wrażenia.

Staram się postrzegać otaczający mnie świat nowymi oczami, aby moja perspektywa pozostała świeża i abym nie dewaluowała tego, co mnie otacza. Nawet w chwilach, gdy wydaje się, że niewiele się dzieje i życie stoi w miejscu, ważne detale zawsze się dzieją. Trzeba tylko nauczyć się je zauważać i zwracać uwagę na drobne, ale znaczące momenty. Pozwala to lepiej zrozumieć otaczającą rzeczywistość i znaleźć inspirację w życiu codziennym.

Obecnie preferuję podejście do pracy, w którym nie ustalam od samego początku ścisłych granic projektu. Zamiast tego zaczynam realizować zadania i stopniowo rozumiem istotę projektu. Często, gdy z góry wyznaczasz granice, rezultat może nie spełniać oczekiwań, co prowadzi do rozczarowania. Takie podejście pozwala mi zachować elastyczność i otwartość na nowe pomysły, co ostatecznie prowadzi do wyższej jakości rezultatów. Ciągłe ćwiczenie uwagi i regularne fotografowanie pomagają mi odkrywać historie i znaczenia, które ostatecznie sprowadzają się do jednego tematu: upadku. Ta praktyka obejmuje wszystkie aspekty życia, nie tylko fotografię. W życiu codziennym i w sytuacjach kryzysowych zaczynam dostrzegać pozytywne momenty, które wcześniej mogły pozostać niezauważone. Takie podejście pozwala nie tylko rozwinąć umiejętność obserwacji, ale także znaleźć jasną stronę nawet w trudnych warunkach.

Kiedy wspominam Upadek, mam na myśli nie tyle stratę finansową, co proces rozkładu. To stan, w którym coś traci swoją witalność i dynamikę. Upadek może objawiać się na różne sposoby, w tym spadkiem zainteresowania, utratą energii i zmniejszeniem możliwości. Ważne jest, aby zdać sobie sprawę, że rozkład wymaga uwagi i działania, aby przywrócić utracony potencjał. Jesień to wyjątkowa pora roku, pełna żywych kolorów i atmosfery przytulnego oczekiwania. W przeciwieństwie do wiosny, kiedy natura budzi się do życia, jesień przynosi spokój i ciszę. To okres, kiedy liście drzew stają się złocisto-czerwone, tworząc malownicze krajobrazy. Jesień daje nam możliwość cieszenia się świeżym powietrzem podczas zbiorów i przygotowań do zimy. Ta pora roku jest szczególnie przyjemna na spacery, delektowanie się pięknem natury i atmosferą zmian. Jesień to czas refleksji i inspiracji, kiedy każdy dzień przynosi nowe emocje i wrażenia.

Dotyczy to również fotografii komercyjnej: projekty, do których jestem zapraszany, harmonijnie wpisują się w moje podejście twórcze.

Utrzymanie własnego podejścia w fotografii komercyjnej wymaga szczególnego wysiłku i inspiracji. Ważne jest znalezienie równowagi między wymaganiami klienta a moją osobistą wizją artystyczną. Inspirują mnie różne źródła: natura, sztuka, muzyka, a nawet życie codzienne. Staram się integrować te elementy w swojej pracy, aby każda sesja była wyjątkowa. Stworzenie atmosfery, która odzwierciedla moje idee, a jednocześnie spełnia oczekiwania klienta, pozwala mi zachować indywidualność w projektach komercyjnych.

Dla mnie oryginalna fotografia to codzienna praktyka. Staram się fotografować każdego dnia, wplatając fotografię w codzienne chwile. Dzięki temu zawsze mam aparat pod ręką i mogę rozwijać swoje umiejętności. Regularne ćwiczenia pomagają nie tylko udoskonalić technikę, ale także znaleźć inspirację w codziennych sytuacjach.

Jesteśmy teraz w Tajlandii i część Moje Rzeczy pozostały w magazynie w Petersburgu. Dziś policzyłem aparaty, które ze sobą zabrałem, i było ich siedem. Lubię kupować i sprzedawać aparaty, a także odkrywać różne formaty i pracować nad jakością obrazu. Każde nowe doświadczenie ze sprzętem pozwala mi lepiej zrozumieć fotografię i doskonalić swoje umiejętności.

Fotografowanie dużym aparatem może być wyzwaniem, dlatego do codziennej fotografii wolę używać małych aparatów analogowych. Ważne jest, aby pamiętać, aby nie oczekiwać natychmiastowych rezultatów ani arcydzieł z każdego zdjęcia. Głównym celem tej praktyki jest czerpanie przyjemności z samego procesu fotografowania i rozwijanie moich umiejętności, bez ograniczania się w poszukiwaniu idealnego ujęcia.

Inspiruje mnie fotografia projektowa. W Petersburgu miałem okazję regularnie odwiedzać studio znane obecnie jako Medium Education, które wcześniej nosiło nazwę Guy Johansson Studio. Studiowałem tam książki, zwracając uwagę na ich strukturę, wybrane tematy i oprawę wizualną. Obecnie co tydzień oglądam na YouTube recenzje dwóch lub trzech książek, czytam o autorach i wyszukuję informacje w różnych źródłach, aby pogłębić swoją wiedzę i poszerzyć horyzonty w dziedzinie fotografii projektowej.

W przeszłości aktywnie korzystałam z Pinteresta w poszukiwaniu inspiracji do fotografii komercyjnej, gromadząc przykłady, które następnie pokazywałam klientom. Ostatnio jednak porzuciłem tę praktykę, ponieważ często spotykam się z projektami komercyjnymi opartymi na tych samych odniesieniach. Teraz wolę czerpać inspirację z wizerunków dzieł sztuki, takich jak obrazy, rzeźby i performansy. Wyjaśniam również swoje pomysły ustnie i podaję przykłady, wyraźnie koncentrując się na takich aspektach jak kolor, światło i lokalizacja. Takie podejście pomaga moim klientom tworzyć unikalne i zapadające w pamięć rozwiązania wizualne. Kopiowanie obrazów nie prowadzi do unikalności; to ślepa uliczka. Najlepszym sposobem jest rozwijanie swojej kreatywnej elastyczności. W ostatnich miesiącach moimi głównymi źródłami inspiracji stały się książki projektowe i materiały zza kulis starych sesji zdjęciowych, takie jak kolekcja Jil Sander z 2006 roku. Studiowanie tych prac pozwala nie tylko zrozumieć język wizualny, ale także dostosować go do współczesnych trendów, tworząc unikalne koncepcje i stylowe rozwiązania.

Pomysł stworzenia zina „Layers” zrodził się z chęci zgłębienia wielowarstwowej natury ludzkiego doświadczenia i percepcji. Każda warstwa reprezentuje odrębny aspekt osobowości, kształtowany przez różne czynniki, takie jak kultura, środowisko i osobiste doświadczenia. Koncepcja ta idealnie wpasowała się w koncepcję kolekcji Befree, w której każdy element może podkreślać indywidualność i różnorodność stylów. W ten sposób „Layers” stało się czymś więcej niż tylko zinem, ale podstawą do stworzenia unikalnej kolekcji odzwierciedlającej różnorodność i złożoność współczesnego świata mody.

Mam pudełko wypełnione kilogramami wydrukowanych fotografii i wycinków. Jakość druku pozostawia wiele do życzenia, ponieważ są one drukowane na drukarce atramentowej. Często obrazy są małymi fragmentami większych obrazów. Zainteresowało mnie, jak te pikselowate fragmenty, wyrwane z kontekstu, przekształcają się w zupełnie nowe obrazy, odmienne od oryginałów. Zacząłem zbierać te elementy i stworzyłem układ. Dodałam kilka notatek napisanych własnoręcznie, które harmonijnie wpasowują się w ogólną koncepcję.

Analizując ogólną objętość materiału, zdałem sobie sprawę, że brakuje w nim jakiejkolwiek spójnej fabuły. To raczej fragmenty wyrwane z kontekstu, które łączą się w nową układankę. Wszystkie elementy tekstowe nawiązują do motywów ziemi, powietrza i materii, podkreślając wzajemne powiązania i stany przejściowe. Pokazują, jak wszystkie części oddziałują na siebie i tworzą jednolity system.

Stworzyłam zina bez żadnych konkretnych planów. Najpierw złożyłam i zszyłam layout, a następnie zeskanowałam go, dodając nową warstwę wizualną. Skany wydrukowałam za pomocą drukarki atramentowej: niektóre zdjęcia na rozkładówce miały różne kolory – jedna strona w jednym odcieniu, a kolejna w innym. Nie zrobiłam nakładu; Właśnie opublikowałem wynik na Instagramie.

Kiedy zacząłem współpracę z Befree, dostarczyłem im materiały, które okazał się fragmentaryczny. Podczas naszych rozmów doszliśmy do wniosku, że kolekcja powinna opierać się na jednym projekcie. Przekazałem wszystkie posiadane materiały, w tym zina „Layers”, który charakteryzował się różnorodnymi fakturami i odręcznym napisem. Dodało to ciekawy element wizualny do projektu ubrań i stało się dodatkową warstwą w koncepcji kolekcji.

Idea, jak małe rzeczy stają się częścią większej całości, zainspirowała nas do stworzenia kolekcji i jej fotografii. Położyliśmy nacisk na harmonię między poszczególnymi elementami i holistyczny obraz, co pozwoliło nam podkreślić wyjątkowość każdego detalu w kontekście ogólnej koncepcji.

Czy zdjęcia do projektu „Layers” zostały wykonane na kliszy?

Sądząc po fotografiach, zawierają one zarówno elementy cyfrowe, jak i filmowe. Wiele z nich zostało wykonanych w latach 2015-2016, ale w wyniku wielokrotnego drukowania i skanowania oryginalne detale zostały utracone. Na niektórych zdjęciach widoczna jest faktura papieru, co pozwala zobaczyć, jak nakładana jest farba. Tworzy to efekt połączenia z obrazem i otwiera nowe struktury wizualne.

Gdyby film nie był tak drogi i Choć trudne w obróbce, chciałabym pozwolić sobie na więcej eksperymentów. Skanuję zdjęcia w domu i staram się zachować każdą klatkę, nawet te, które na pierwszy rzut oka mi się nie podobają. Być może okażą się interesujące w przyszłości. Ten proces zajmuje dużo czasu, ale uważam go za fascynujący. Kontroluję kolor, jakość i rozmiar zdjęć, a także mogę wprowadzać zmiany w negatywie, na przykład rysując na nim. To stwarza możliwości kreatywne i pozwala mi głębiej pracować z materiałem.

Pasjonuję się fotografią analogową i posiadam zarówno lustrzanki cyfrowe, jak i aparaty kompaktowe. Niedawno nabyłam ciekawy aparat „półklatkowy”, który robi 72 klatki zamiast 36, fotografując po pół klatki na raz. Ta funkcja pozwala mi eksperymentować z kompozycją i osiągać unikalne rezultaty. Fotografowanie analogowe tworzy wyjątkową atmosferę i pomaga przekazać emocje, których nie zawsze da się uchwycić aparatami cyfrowymi.

Wolę używać filmu przez długi czas, a następnie przejść na fotografię cyfrową. Na początku zachwycasz się: „Co za oszałamiający obraz! Wszystko jest takie czyste i ostre”. Po kilku sesjach zdjęciowych aparatami cyfrowymi, czuję się zmęczony i znów sięgam po analog, uświadamiając sobie: „Kolory są takie bogate!”.

Klienci komercyjni są bardzo zainteresowani fotografią analogową. Ten format pozwala na tworzenie unikalnych i wysokiej jakości zdjęć, wyróżniających się fakturą i atmosferą. Fotografia analogowa jest często wykorzystywana w kampaniach reklamowych, sesjach zdjęciowych mody i projektach artystycznych, ponieważ oddaje wyjątkowy nastrój i styl. Wiele marek docenia autentyczność i oryginalność, jakie oferuje fotografia analogowa, co czyni ją popularną wśród klientów komercyjnych.

Przez długi czas fotografowałem komercyjnie aparatem cyfrowym, ale ostatnio coraz więcej projektów realizowaliśmy na analogu. Na przykład zeszłej zimy współpracowaliśmy z Blueprint przy specjalnym projekcie dla Adidasa, fotografując tancerki z domu mody House of Bonchinche. Głównym celem było uchwycenie ich ruchów i tańca. To było niesamowite doświadczenie i szczególnie cenię tę sesję za jej energię. Wiele projektów zrealizowano na taśmie filmowej, ale w tym przypadku wybór był świadomy – klientowi zależało na charakterystycznym efekcie filmowym.

Zanim zaczęłaś tworzyć kolekcję z marką Befree, miałaś już z nią doświadczenie, prawda?

Współpracowałem z nimi przez kilka lat jako fotograf gościnny. Później Lima Lipa, z którą pracowałem nad projektami w Sobaka, została dyrektorem artystycznym Befree i teraz odpowiada za współpracę. Pamiętam, jak wysłałem jej kolekcję Études, stworzoną we współpracy z Royem Ethridge'em, której koszulka przedstawiała krajobrazy, jak najbardziej zdystansowane. Zasugerowałem: „Ja też mam takie zdjęcia, stwórzmy coś ciekawego”.

Befree rozpoczyna projekt współpracy ze współczesnymi artystów i zaprosili mnie do stworzenia kolekcji. Rozpoczął się długi proces, który trwał około roku i obejmował liczne spotkania, wybór zdjęć i akceptację projektu. Do każdego aspektu podchodziłam skrupulatnie, ale ostatecznie byłam zadowolona z rezultatu.

Kiedy zobaczyłam te rzeczy na żywo, okazały się o wiele bardziej atrakcyjne, niż sobie wyobrażałam.

Praca w świecie mody jako fotografka dała mi wyjątkowe doświadczenie, które mogłam wykorzystać, gdy zostałam projektantką mody. Podczas tworzenia kolekcji zwracałam szczególną uwagę na to, jak ubrania będą prezentować się w kadrze. Brałam pod uwagę grę światła, faktury tkanin i sylwetki, aby osiągnąć harmonię między projektem a fotografią. Pozwoliło mi to stworzyć nie tylko stylowe, ale i atrakcyjne wizualnie ubrania, które dobrze prezentują się na modelkach i w sesjach zdjęciowych. Moje doświadczenie w fotografii pozwoliło mi również lepiej zrozumieć znaczenie prezentacji kolekcji, która pomaga zwrócić uwagę na każdy element projektu.

Współpracowałam głównie z jedną przedstawicielką zespołu Befree – Limą. Wysłalam jej zdjęcia i wspólnie stworzyłyśmy tablicę inspiracji, która pokazywała, jak można wykorzystać te zdjęcia w ubraniach. Ta tablica inspiracji została przekazana projektantom do dalszej pracy.

Preferuję prosty styl ubioru: długie rękawy, dżinsy, T-shirty – wszystko jak najbardziej wygodne i praktyczne. Dlatego postanowiliśmy stworzyć oversize'ową bluzę z kapturem i spodnie-kombinezon. Jednak obraz na tkaninie nie powinien być tylko naniesiony; powinien stać się częścią koncepcji projektu ubrania. Naszywki i wyraziste przeszycia dodadzą każdemu produktowi odrobinę nonszalancji i wyjątkowości.

Mogłam z łatwością oceniać pomysły, mówiąc: „to działa”, „to nie działa”, „to wymaga dopracowania”. W rezultacie stało się jasne, że wiele początkowych pomysłów było nieskutecznych. Na przykład jeden z obrazków leżał nieprawidłowo na klatce piersiowej, a niektóre szwy wyglądały niechlujnie. Wymagało to poprawek w trakcie procesu.

Kolekcja zawiera wiele unikatowych elementów, które mogą stać się podstawą Twojej garderoby. Na przykład elegancka sukienka o uniwersalnym kroju idealnie sprawdzi się na różne okazje, od pracy po wieczorne wyjścia. Klasyczną koszulę z wysokiej jakości materiału z łatwością można zestawić z jeansami lub spódnicami, tworząc stylowy i wygodny look.

Warto również zwrócić uwagę na kurtki, które dodają elegancji każdej stylizacji. Mogą służyć jako element okrycia wierzchniego w chłodne dni lub jako stylowy akcent w stylu biurowym.

Te elementy są nie tylko istotne, ale również łatwo wkomponować w codzienne stylizacje, co czyni je doskonałym wyborem do stworzenia garderoby kapsułowej. Inwestycja w te wszechstronne elementy garderoby sprawi, że będziesz podążać za trendami i czuć się pewnie w każdej sytuacji.

Niektóre rzeczy, jak moja ulubiona koszulka z kotem, powstały spontanicznie. Kiedy otrzymałam kolejną partię ubrań z fabryki, byłam zachwycona, widząc na koszulce tak uroczego kotka w serduszku. Tę decyzję podjął projektant i moim zdaniem efektem jest niezwykle stylowy i oryginalny T-shirt.

Wszystko w mojej garderobie idealnie do siebie pasuje. Minimalistyczny styl – swetry, T-shirty i bluzy z kapturem – pozwala na stworzenie wielu różnorodnych stylizacji. Spodnie-kombinezon, z ręcznie skanowaną naszywką, pozostaje w modzie. Jego niezwykle efektowny krój pasuje niemal każdemu, zapewniając wygodę i styl.

Nasza naszywka z kapturem przedstawia drobną dziewczynkę, która długo szukała idealnej bluzy z kapturem w rozmiarze S. Była tak zachwycona jakością i designem, że kupiła jedną dla siebie, swojej siostry, a nawet podarowała ją znajomym. Zachwyca się: „To po prostu niesamowite; nigdy jej nie zdejmuję”. Bluza jest wygodna, wykonana z wysokiej jakości materiału, który nie powoduje dyskomfortu. Jesteśmy dumni z tego, że używamy wyłącznie naturalnych tkanin, które zapewniają swobodę ruchów i przyjemne noszenie.

Opuściłem Petersburg, zostawiając część mojej kolekcji. Pozostają tam, czekając na mój powrót.

Aktywnie uczestniczyłem w każdym etapie opracowywania koncepcji sesji zdjęciowej kolekcji. Moją rolą było stworzenie obrazu, który odzwierciedlałby wyjątkowość i idee kolekcji. Omówiliśmy styl, paletę barw i atmosferę, którą chcieliśmy przekazać za pomocą zdjęć. Współpracowałem z zespołem stylistów i fotografów, aby upewnić się, że każdy element sesji jest spójny z ogólną koncepcją. Ważne było również uwzględnienie grupy docelowej i trendów w modzie, co pomogło w stworzeniu atrakcyjnych i zapadających w pamięć materiałów wizualnych promujących kolekcję.

Sesję zdjęciową przeprowadziłem sam. Rozważaliśmy zaproszenie innego fotografa, ale jestem przekonany, że wiem lepiej, jak przekazać tę koncepcję. Zrozumiałem to, gdy jeszcze pracowałem nad kolekcją: sesja powinna odbyć się w naturalnych plenerach, bez użycia scenografii i dekoracji. Główny nacisk położony jest na ludzi i naturę, ponieważ kampania poświęcona jest temu, jak ludzie harmonijnie wpisują się w otaczający ich świat.

Kiedy zaczęliśmy planować sesję, nasz zespół był już rozproszony po całym świecie. Zaczęliśmy szukać dogodnej lokalizacji. Początkowo rozważaliśmy Gruzję, ale po potwierdzeniu kandydatury Uljany Dobrowskiej, bohaterki projektu, zdecydowaliśmy się przenieść sesję do Armenii. Zaproponowałem Nastię Szewcową, byłą baletnicę, która obecnie pracuje jako DJ w Paryżu i zajmuje się kierownictwem artystycznym, jako dodatkową uczestniczkę. Befree postawiło na modelki emanujące zdrowiem i pozytywną energią, a my znaleźliśmy kompromis, który zadowolił wszystkie strony.

W naszym projekcie pojawił się nowy bohater – modelka z agencji. Postanowiliśmy wykonać zdjęcia komercyjne do katalogu, skupiając się na ubraniach. Jednocześnie planujemy wykonać nastrojowe zdjęcia z Nastią i Ulyaną, które oddadzą nastrój kolekcji.

Koncepcja zdjęć ewoluowała w trakcie pracy. Początkowo omawialiśmy jedną bohaterkę, potem dwie, a ostatecznie trzy. To stworzyło pewną niejednoznaczność co do głównego pomysłu historii. Jednak później udało mi się jasno wyobrazić sobie fabułę. Inspiracją był film Ingmara Bergmana „Persona”. Kiedy zobaczyłam lokacje w Armenii, jedna z nich przypomniała mi scenę – dom nad jeziorem, gdzie dwie kobiety znajdują się w wymuszonej intymności. Ten obraz stał się podstawą dalszego rozwoju naszej historii.

Ostatecznie nie udało się opowiedzieć historii związku dwóch rzekomo nieznanych dziewczyn. Pojawiły się ograniczenia czasowe i godziny dzienne, które szybko się skończyły. Filmowanie w domu było niemożliwe, co stwarzało dodatkowe trudności. Dlatego główna idea pozostała ta sama – bardziej abstrakcyjna, poruszająca temat człowieka w naturze i ludzkiej natury. Chcieliśmy zgłębić najgłębsze aspekty natury ludzkiej i jej związek z otaczającym światem.

Która sesja zdjęciowa zrobiła na Tobie największe wrażenie, biorąc pod uwagę Twoje doświadczenia we współpracy z dużymi firmami i markami?

Sesja okazała się bardzo udana, ale nie miałam wystarczająco dużo czasu, aby wdrożyć moje kreatywne pomysły. Lokalizacja była wspaniała, a modelki inspirujące, co sprawiło, że żałowałam, że nie mogę poświęcić więcej czasu na robienie zdjęć. Ważne jest, aby pamiętać, że projekty komercyjne i realizacja zadań dla innych różnią się od procesu twórczego i realizacji własnych pomysłów. Ważne jest, aby wyraźnie rozróżniać te aspekty swojej pracy.

Wszystkie sesje zdjęciowe, które zrealizowałam w ciągu ostatnich kilku lat, przyniosły mi radość. Jedną z najważniejszych była noworoczna sesja zdjęciowa inspirowana sałatką Olivier. Wybraliśmy kreatywne kolory dla sześciu modelek, z których każda reprezentowała inny składnik: kiełbasę, ogórka, groszek i inne elementy. Sesja odbyła się w przytulnym mieszkaniu, gdzie kobiety przygotowały sałatkę Olivier, tworząc atmosferę zabawy i przyjaźni. To doświadczenie było nie tylko interesujące, ale także oryginalnym sposobem na oddanie ducha świąt.

Projekt z Buro 24/7 dla LG był uderzającym przykładem kreatywnego podejścia do reklamy. Ta kampania koncentrowała się na zwykłych ludziach, a nie na modelkach, co stworzyło bardziej naturalną i przystępną atmosferę. Filmowanie odbyło się przy użyciu obiektywu typu „rybie oko”, co pozwoliło podkreślić zaokrąglony kształt odkurzacza. Sam odkurzacz nie był pokazywany bezpośrednio; uwaga widzów skupiła się na postaciach i surrealistycznej scenografii, co uczyniło projekt wyjątkowym i niezapomnianym. Takie podejście pomaga lepiej przekazać odbiorcom kluczowe cechy produktu, budując więź emocjonalną za pomocą obrazów i historii.

Kwestia przyszłej współpracy staje się coraz bardziej aktualna. Wielu artystów i osób kreatywnych myśli o poszerzeniu swoich horyzontów i znalezieniu nowych partnerów do wspólnej pracy. Współpraca może generować świeże pomysły i pozwala dotrzeć do szerszego grona odbiorców. Ważne jest, aby nie tylko myśleć o takich projektach, ale także aktywnie szukać możliwości współpracy z utalentowanymi osobami, które mogą uzupełnić i wzbogacić Twój proces twórczy. Istnieje wiele możliwości realizacji wspólnych projektów, a każde nowe doświadczenie współpracy może być znaczącym krokiem w karierze. Planuję przeprowadzkę do Berlina, aby rozwijać się zawodowo. Moja praca obejmuje zarówno fotografię komercyjną, jak i moją własną praktykę, i staram się znaleźć harmonię między tymi obszarami. W przyszłości chcę skupić się na tworzeniu albumów fotograficznych, projektach wystawienniczych i współpracy z różnymi wydawnictwami. Rozumiem, że ta ścieżka będzie wymagała znacznego wysiłku, ponieważ obejmuje nie tylko fotografię, ale także aktywną promocję siebie i mojej twórczości. Berlin wydaje mi się idealnym miejscem do realizacji moich ambicji twórczych i wykorzystania moich umiejętności.

Jeśli chodzi o marki odzieżowe, ważne jest, aby wziąć pod uwagę różnorodność stylów, jakość materiałów i indywidualność każdego producenta. Wiele marek oferuje unikalne kolekcje, które odzwierciedlają najnowsze trendy w modzie. Wybór marki odzieżowej może zależeć od preferencji dotyczących wzornictwa, wygody i segmentu cenowego.

Nowoczesne marki aktywnie wykorzystują zrównoważone materiały i technologie przyjazne dla środowiska, co staje się ważnym aspektem dla świadomych ekologicznie konsumentów. Warto również zauważyć, że wiele firm dąży do przejrzystości procesów produkcyjnych, co pomaga kupującym w podejmowaniu świadomych wyborów.

Wybierając markę odzieżową, należy wziąć pod uwagę nie tylko jej reputację, ale także dopasowanie do osobistych preferencji i stylu. Marki, które stawiają na jakość i wyjątkowość, często stają się ulubionymi wśród klientów.

Doświadczenie z Befree było ważnym krokiem w moim życiu i cieszę się, że do niego doszło. Jednak nadal nie mogę w pełni zrozumieć jego znaczenia, ponieważ odszedłem i nie miałem okazji zobaczyć swoich prac w sklepach ani reklamy z moim nazwiskiem na ekranie w galerii.

Nie do końca przemyślałem, co się stało, i dlatego nie mogę sobie wyobrazić, co będzie dalej. Muszę zaakceptować to doświadczenie jako część siebie i zaakceptować, że stało się ono częścią mojego życia.

Rozważymy współpracę z innymi markami, ponieważ szczególnie pociąga mnie wykorzystywanie moich fotografii w życiu codziennym. Stwarza to poczucie dostępności i intymności, czyniąc sztukę namacalną i zachwycającą. Takie podejście nie tylko wzbogaca doświadczenie widza, ale także otwiera nowe horyzonty współtworzenia. Możliwość współpracy z innymi markami i włączenia mojej pracy do ich produktów pozwala nam tworzyć unikalne rozwiązania, które inspirują i zachwycają.

Zgodnie z orzeczeniem sądu, Meta Platforms Inc. jest objęta zakazem działalności w Federacji Rosyjskiej z powodu działalności ekstremistycznej. Dotyczy to sprzedaży jej produktów, w tym w mediach społecznościowych Facebook i Instagram, w tym kraju.

Dowiedz się więcej o projektowaniu, subskrybując nasz kanał Telegram. Dzielimy się najnowszymi wiadomościami, przydatnymi wskazówkami i inspirującymi pomysłami z dziedziny designu. Bądź na bieżąco z najnowszymi trendami i poszerzaj swoją wiedzę projektową z nami.

Czytanie jest ważną częścią naszego życia i przynosi wiele korzyści. Rozwija wyobraźnię, wzbogaca słownictwo i sprzyja krytycznemu myśleniu. Ponadto czytanie pomaga redukować stres i poprawia koncentrację. Zanurzenie się w książkach lub artykułach pozwala nam lepiej zrozumieć otaczający nas świat i poszerza nasze horyzonty. Nie przegap okazji, aby poszerzyć swoją wiedzę i umiejętności poprzez lekturę.

• Wywiad z Borisem Bendikovem: „Lepiej kłamać o pieniądzach niż o przekonaniach”
• Graficzny obraz historii mody znanych wzorów
• Jak działają ekologiczne marki modowe w Rosji
• Błyszczące pole eksperymentów: najlepsze magazyny awangardowe
• Kim jest fotograf komercyjny i czym się zajmuje?