Mumbai! Jak wygląda indyjskie wzornictwo przemysłowe

Zawartość:

• Projektanci
• Firmy

Bombaj dodał nowe miejsce do kalendarza targów designu, festiwali i najważniejszych wydarzeń branżowych. Targi Design Mumbai, które odbędą się w listopadzie, są świadectwem znaczącego rozwoju indyjskiego designu. W kraju pojawiło się wiele pracowni i kolekcjonerów, którzy są gotowi postrzegać krzesła i stoły jako dzieła sztuki i inwestować w nie. To wydarzenie podkreśla rosnące zainteresowanie designem i sztuką w Indiach, otwierając nowe horyzonty przed kreatywnymi profesjonalistami i miłośnikami współczesnego designu.

Współcześni indyjscy projektanci produktów reprezentują unikalne połączenie tradycji i innowacji. Historyczka sztuki Maria Savostyanova dzieli się swoim doświadczeniem i spostrzeżeniami na temat tego, jak współcześni projektanci w Indiach łączą starożytne techniki rzemieślnicze z nowoczesną technologią. Indyjski design produktów, inspirowany bogatym dziedzictwem kulturowym kraju, aktywnie się rozwija i wkracza na arenę międzynarodową. Projektanci dążą do tworzenia funkcjonalnych i estetycznych produktów, które odzwierciedlają indyjską tożsamość, a jednocześnie spełniają globalne wymagania. W tym kontekście należy zauważyć, że współcześni indyjscy projektanci nie tylko pielęgnują tradycje, ale także eksperymentują z formami i materiałami, dzięki czemu ich prace są wyjątkowe i pożądane na rynku globalnym.

Projektanci

Satyendra Pakhalé jest kluczową postacią w świecie designu, kierującym pracownią Satyendra Pakhalé Associates. Jego studio zajmuje się wieloma dziedzinami, w tym wzornictwem przemysłowym, opieką zdrowotną, mobilnością, a także projektowaniem wystaw i architekturą. Dzięki multidyscyplinarnemu podejściu, Satyendra Pakhalé Associates tworzy innowacyjne rozwiązania, które odpowiadają współczesnym potrzebom i trendom. Prace studia wyróżniają się wysoką jakością i funkcjonalnością, co czyni je znaczącym w wielu sektorach. Satyendra Pakhale nadal przyczynia się do rozwoju wzornictwa, wyznaczając nowe standardy i metody tworzenia efektywnych i estetycznych projektów.

Pakhale kształcił się w Indiach, w Indyjskim Instytucie Technologii (IIT-B) w Bombaju, a następnie kontynuował naukę w Szwajcarii w Art Center College of Design Europe. Swoją karierę rozpoczął w połowie lat 90., opracowując pierwsze produkty dla holenderskiej firmy Philips Design w dziedzinie komunikacji cyfrowej, opieki zdrowotnej i mobilności. W 1998 roku założył własne studio w Amsterdamie, co stanowiło ważny krok w jego karierze zawodowej.

Do grona klientów Pakhale należą tak renomowane firmy, jak Alcantara, Cappellini, Franke, Fiam, Hästens, Magis, Moon Life Foundation, Poltrona Frau, Novartis i Tubes. Podejście Pakhale do projektowania opiera się na harmonijnym połączeniu wysokiej i niskiej technologii, a także na wzajemnym oddziaływaniu produkcji przemysłowej i rzemiosła. Jego prace wyróżniają się funkcjonalnością i wyrafinowaną poetyką. Projekty Pakhale'a znajdują się w stałych kolekcjach prestiżowych muzeów na całym świecie, co podkreśla jego znaczenie we współczesnym designie.

Wśród unikatowych, kolekcjonerskich projektów Satyendry Pakhale'a znajdują się krzesło i stołek z serii BM Horse, a także drewniana leżanka Kubu, wykonana z drewna lipowego przy użyciu wysokiej jakości maszyn i ręcznego wykonania. Te ponadczasowe dzieła odzwierciedlają wyjątkową formę, inspirowaną tradycjami hinduskiej rzeźby. Każdy element stanowi harmonijne połączenie estetyki i funkcjonalności, dzięki czemu są nie tylko stylowe, ale i praktyczne w aranżacji wnętrz dla koneserów sztuki i designu.

Nipa Doshi to znana postać w świecie designu, reprezentująca brytyjskie studio DoshiLevien. Pochodząca z Indii, spędziła dzieciństwo w domu swojego dziadka, który był kolekcjonerem indyjskich obrazów i tkanin. Nipa studiowała w Narodowym Instytucie Projektowania w Ahmadabadzie, założonym zgodnie z manifestem uznanych projektantów Charlesa i Ray Eames. Ukończyła studia w londyńskim Royal College of Art, gdzie poznała swojego przyszłego męża i partnera w projektowaniu, Jonathana Levena. Doshi i Leven współpracują, tworząc unikalne rozwiązania projektowe, łącząc tradycyjne techniki z nowoczesnymi podejściami, dzięki czemu ich prace cieszą się dużym zainteresowaniem na arenie międzynarodowej.

Studio współpracuje z renomowanymi klientami, takimi jak Moroso, Kvadrat, B&B Italia, Cappellini, Camper, Swarovski i Galerie Kreo, a także z licznymi muzeami i instytucjami kulturalnymi. W trakcie współpracy Jonathan nadzoruje kwestie technologiczne i dobór materiałów, a Nipa opracowuje koncepcję produktu, czerpiąc ze swojej wielokulturowej perspektywy, w której wyraźnie widoczne są indyjskie cytaty i odniesienia.

Przykładami takich dzieł są leżanka „Object of Devotion”, inspirowana architekturą Czandigarh, miasta zaprojektowanego przez znanego architekta Le Corbusiera, oraz dekoracyjna czerwona szafka „Kundan”, ozdobiona małymi lusterkami, nawiązującymi do indyjskiej techniki biżuterii „kundan”. Oba dzieła powstały dla paryskiej galerii Kreo. Te dzieła prezentują unikalne połączenie tradycyjnych indyjskich elementów i współczesnego wzornictwa, podkreślając znaczenie wymiany kulturowej w projektowaniu wnętrz.

Architekt Bijoy Jain, założyciel Studio Mumbai, jest jednym z najbardziej wpływowych i innowacyjnych indyjskich architektów naszych czasów. Jego indywidualna wystawa „The Breath of an Architect” (Oddech architekta) zakończyła się niedawno w paryskiej Fondation Cartier, znanym miejscu prezentacji ważnych projektów kulturalnych i intelektualnych. Ta wystawa podkreśliła unikalne podejście Jaina do architektury, łączące tradycyjne techniki indyjskie ze współczesnym designem, stając się znaczącym wydarzeniem w świecie architektury i sztuki.

Wystawa Bijoy Jaina wyróżnia się oryginalnością. Unika konwencjonalnych elementów, takich jak fotografie projektów, modele, rysunki i wizualizacje. Zamiast tego zwiedzający mogą zobaczyć nietypowe obiekty: namiot szamana, kulę gnoju owiniętą liną, bambusowy płot, a także granitowe i ceramiczne elementy. Te eksponaty odzwierciedlają wyjątkowe zainteresowanie projektanta indyjskimi technikami rzemieślniczymi i procesami naturalnymi, co czyni wystawę prawdziwie wyjątkową.

W ciągu ostatnich dwudziestu lat Jain stworzył aurę mitu wokół swojej twórczości. Jego budynki zostały docenione za ponadczasowy styl, harmonijnie łączący naturę z architekturą. W swoich projektach aktywnie wykorzystuje naturalne materiały, takie jak bazalt, bambus, beton i ziemia. Jain buduje domy i wille, które są organicznie zaaranżowane wokół dziedzińców i basenów, tworząc harmonijne przestrzenie, idealnie komponujące się z tropikalną atmosferą. Jego projekty architektoniczne stoją w ostrym kontraście do głównego nurtu współczesnej architektury Mumbaju, gdzie dominują konstrukcje z metalu i szkła. Jain mistrzowsko łączy faktury, naturalne materiały i formy wernakularne, czerpiąc z tradycyjnego rzemiosła. Te cechy sprawiają, że jego prace są wyjątkowe i poszukiwane na rynku architektonicznym. Bijoy Jain, architekt wykształcony na Zachodzie, jest absolwentem Uniwersytetu Waszyngtońskiego w St. Louis. Po kilku latach pracy jako modelarz w firmie Richard Meier powrócił do Mumbaju, aby założyć własne studio architektoniczne w odległej nadmorskiej części metropolii. W tym regionie napotkał takie wyzwania, jak deszcz, powodzie i jadowite węże. Bijoy później przeniósł się do starej fabryki w dzielnicy Bycula, gdzie przekształcił swoje studio w wyjątkowy warsztat. Nie ma tu komputerów, stołów, modeli ani rysunków roboczych. Zamiast tego przestrzeń jest wypełniona rzemieślnikami, z których każdy pracuje z własnymi materiałami i narzędziami. W centrum tej kreatywnej atmosfery znajduje się guru sztuki bosonogiej – sam Bijoy Jain, który inspiruje swoich kolegów do tworzenia unikalnych rozwiązań architektonicznych.

Kontynuuje projektowanie architektury i obiektów, ale ostatnio zredukował liczbę pracowników w swoim studio i skupił się bardziej na projektach artystycznych. Jego europejskie projekty odzwierciedlają unikalne podejście, które wypracował przez lata. Uderzającym przykładem są 22 obiekty stworzone dla belgijskiej galerii Maniera. Te niezwykłe dzieła, wykonane z marmuru, bambusa i drewna, ukazują nie tylko swoją estetykę, ale także proces ich powstawania, oparty na tradycjach rzemieślniczych i procesach naturalnych. Podejście to podkreśla harmonię między sztuką a naturą, a także znaczenie zrównoważonego designu w sztuce współczesnej.

BJ Jain czerpał inspirację z Europy, a konkretnie z ceremonialnych mebli znalezionych na freskach w górnym kościele San Francisco w Asyżu. Przyciągnęły go nie tylko rytualne stoły i krzesła przedstawione przez Giotta, ale także sama technika fresku, polegająca na przyleganiu pigmentów do mokrego tynku. Stół i krzesło, stworzone we współpracy z Hermès w ramach linii Hermès Universe, mają tradycyjny wygląd, ale jednocześnie subtelnie nawiązują do kolonialnego zainteresowania kulturą indyjską. Te meble są nie tylko funkcjonalne, ale mają również charakter, co czyni je wyjątkowymi w świecie współczesnego wzornictwa meblowego.

Firmy

Scarlet Splendour została założona w 2014 roku przez rodzeństwo Ashish Bajoria i Suman Kanodia. Dorastając w Kalkucie, inspirowali się lokalną estetyką i wzornictwem, co doprowadziło ich do stania się pionierami wzornictwa produktów w Indiach. Obecnie Scarlet Splendour współpracuje z uznanymi projektantami, takimi jak Karim Rashid, Nika Zupanc i Elena Salmistraro. Marka oferuje szeroki wybór designerskich mebli, oświetlenia i dywanów, zarówno klasycznych, jak i współczesnych, wyróżniających się niepowtarzalnym stylem, funkcjonalnością i rzeźbiarskimi formami. Scarlet Splendour nieustannie przesuwa granice wzornictwa, tworząc wyjątkowe i atrakcyjne elementy wyposażenia wnętrz.

Założyciel Design Clinic India, Parth Parikh, jest absolwentem renomowanej Akademii Domus w Mediolanie. Jego praca dyplomowa dotyczyła tkanin i rękodzieła Radżastanu, a także odbyła staż we włoskiej firmie Gufram. Podczas studiów Parth zauważył, jak Włosi cenią swoje dziedzictwo projektowe i zaczął dostrzegać, że Indie mają do zaoferowania coś wyjątkowego. W 2015 roku założył Design Clinic India, międzynarodowe, multidyscyplinarne studio projektowe specjalizujące się w meblach inspirowanych indyjskimi tradycjami i kulturą. Parth tworzy szkice ręcznie, a następnie dopracowuje projekty za pomocą programów komputerowych. Chociaż studio nie dysponuje możliwościami produkcji wielu prototypów, pozyskuje surowce lokalnie w Delhi i sąsiednich stanach, co gwarantuje autentyczność i wysoką jakość produktów.

Marka Design Clinic India, oparta na doświadczeniu i wiedzy swojego założyciela, z powodzeniem prezentowała się na wiodących wystawach wzornictwa, w tym na Milan Design Week. Mediolańskie korzenie założyciela przyczyniają się do tworzenia unikalnych i innowacyjnych rozwiązań projektowych, dzięki czemu marka jest znaczącym graczem na arenie międzynarodowej.

Klove Studio specjalizuje się w produktach szklanych. Nasza oferta obejmuje kolekcjonerskie prezenty, pamiątki, lampy stołowe i wykwintne wazony, wszystkie dostępne w eleganckim pasażu Dhan Mill w Delhi. Projektanci Pratik Jain i Goutam Seth stworzyli wyjątkową przestrzeń dla swojego flagowego sklepu Collektklove. Wnętrze nawiązuje do rustykalnej stodoły, z wysokimi, krytymi strzechą sufitami, surowymi, tynkowanymi ścianami i dużymi oknami, które wypełniają przestrzeń naturalnym światłem. Ta atmosfera doskonale podkreśla piękno i wyjątkowość naszych szklanych dzieł. Obaj projektanci są samoukami, którzy doskonalą tajniki obróbki szkła w procesie tworzenia swoich dzieł. Najbardziej autentyczną i luksusową ofertą studia jest kolekcja indyjska. Koncentruje się ona na wyjątkowym, transformowalnym żyrandolu i jego pochodnych. Kolekcja ta ukazuje kunszt i kreatywność projektantów, a także ich zdolność tworzenia wykwintnych lamp, które nie tylko pięknie rozświetlają przestrzeń, ale także stanowią efektowny akcent. Kolekcja Indian to propozycja dla osób ceniących sobie niebanalne rozwiązania i wysoką jakość wykonania wnętrz.

Studio projektowe Studio Wood zasłynęło kolekcją Figments. Kolekcja ta obejmuje stolik kawowy Moon i ławkę Gingham, które w większości są wykonane ręcznie. Głównymi materiałami użytymi w kolekcji są drewno, metal, naturalna trzcina i ikat. Dekoracyjny splot trzciny jest szczególnie efektowny, nadając meblom niepowtarzalny i elegancki wygląd. Meble te są nie tylko piękne, ale i oryginalne, co czyni je idealnym wyborem do współczesnych wnętrz.

Studio Wood specjalizuje się w produktach z drewna, łącząc nowoczesną technologię z indyjską estetyką. Pozwala im to tworzyć wyjątkowe i luksusowe przedmioty, które wyróżniają się na rynku międzynarodowym. Głębokie zrozumienie lokalnego kolorytu i tradycyjnego rzemiosła przyczynia się do sukcesu w rywalizacji i przyciąga uwagę do produktów Studio Wood.

Studio Spin projektuje meble do wnętrz mieszkalnych i biurowych, a także opracowuje różnorodne akcesoria do wnętrz. Z siedzibą w Nowym Delhi firma koncentruje się na budowaniu międzynarodowej marki i nie podkreśla swojego pochodzenia geograficznego. Spin oferuje unikalne rozwiązania, łącząc nowoczesne trendy z funkcjonalnością, dzięki czemu ich produkty cieszą się ogromnym zainteresowaniem na rynku globalnym.

Założyciele Spin to grupa bliskich przyjaciół, którzy uwielbiają spędzać razem czas. Ich przyjaźń stanowi fundament swobodnej, radosnej i dynamicznej kultury pracy w Spin. Ta współpraca sprzyja innowacyjności i kreatywności, tworząc inspirujące środowisko pracy dla wszystkich pracowników.

W poprzednich artykułach omówiliśmy ważne aspekty i trendy związane z tym tematem. Przeanalizowaliśmy kluczowe punkty i przedstawiliśmy pomocne rekomendacje. W tym kontekście będziemy nadal zagłębiać się w szczegóły, koncentrując się na istotnych kwestiach i praktycznych poradach. Naszym celem jest dostarczenie czytelnikom wartościowych treści, które pomogą im lepiej zrozumieć temat i zastosować zdobytą wiedzę w praktyce. Bądź na bieżąco z ważnymi aktualizacjami i nowymi spostrzeżeniami na ten temat.

• Bejrut i Trypolis jako centra współczesnego designu
• Design południowokoreański: cechy, nazwy, projekty
• Design meksykański: jak łączą się modernizm i współczesność
• „Dumne Południe”: jak design z południowych krajów świata zyskuje na popularności