Ostrze GES-2: kto je stworzył?

Spis treści:

• Opanowanie zmysłu światła, powietrza i przestrzeni, aby wybrać odcień niebieskiego
• Klass Oldenburg i sztuka codzienności w poezji

Na Nabrzeżu Bołotnym 15, naprzeciwko centrum kulturalnego GES-2, zainstalowano siedmiometrową czerwoną łopatkę ogrodową. Kurator Francesco Bonami kontynuował w ten sposób koncepcję rozpoczętą projektem „Wielka Glina nr 4”. Zauważył, że podczas gdy „Glina” symbolizuje czystą, pierwotną substancję, „Łopatka” reprezentuje epokę neolitu, kiedy ludzkość rozpoczęła osiadły tryb życia i uprawę ziemi.

Rzeźba osiąga wysokość ponad siedmiu metrów i waży 1043 kilogramy. Mieszkańcy Moskwy już ją docenili: jest kolorowa, radosna i budzi pozytywne emocje.

Kielnia Plantoir, wykonana z aluminium, wzmocnionego tworzywa sztucznego i stali, była eksponowana w ogrodzie na dachu Metropolitan Museum w Nowym Jorku od maja do listopada 2002 roku. Następnie została nabyta przez Meredith, wydawcę magazynu „Better Homes and Gardens”, dla upamiętnienia stulecia i zainstalowana na jego posesji. Z czasem łopata wpadła w ręce nieznanego właściciela i obecnie znajduje się w ogrodzie GES-2. Nawiasem mówiąc, to nie jest jedyny egzemplarz: istnieją również inne warianty – czerwony i niebieski, a także paletki o różnych rozmiarach, w tym duże i średnie.

Poznajmy Oldenburga i van Bruggena, dwie wybitne postacie w świecie sztuki i architektury. Ci mistrzowie znani są z unikalnych projektów, które odcisnęły znaczący ślad na środowisku kulturowym. Ich twórczy wkład nie ogranicza się do kilku dzieł; mają za sobą wiele znaczących budynków i projektów, o których warto opowiedzieć. Zaprezentujemy tylko kilka z nich, aby oddać skalę ich talentu i kreatywności.

Opanowanie poczucia światła, powietrza i przestrzeni, aby wybrać odcień błękitu

Zacznijmy od Cauchiera. Ukończyła studia i uzyskała tytuł magistra historii sztuki na Rijksuniversiteit Groningen, który działał w latach 1942–2009. W latach 1967–1971 pracowała jako asystentka kuratora malarstwa i rzeźby w Stedelijk Museum w Amsterdamie.

Współpracowała tam z artystami reprezentującymi ruch Światło i Przestrzeń, takimi jak Doug Wheeler i Larry Bell, a także wchodziła w interakcje z postaciami holenderskiej awangardy.

Później wykładała historię sztuki i współczesne praktyki artystyczne w Akademii Sztuk Pięknych w Enschede.

W 1976 roku, gdy pierwsza kielnia Claesa Oldenburga, Kielnia I (1971), została zainstalowana w Muzeum Kröller-Müller w Holandii, van Bruggen zasugerował zmianę koloru rzeźby na jasnoniebieski, zamiast pierwotnie planowanych srebrnych odcieni. Znała już tę pracę, ponieważ kielnia została po raz pierwszy zaprezentowana na wystawie Sonsbeek 71, która odbyła się w różnych miejscach w całym kraju. Oldenburg przyjął jej propozycję i rozpoczęli wspólną pracę.

W 1977 roku artyści pobrali się, a w następnym roku opuścili Holandię, by osiedlić się w SoHo w Nowym Jorku. Przez kolejne lata współpracowali, tworząc imponujące, wielkoformatowe dzieła. Wśród ich prac można znaleźć ogromne lotki, gigantyczny rower zatopiony w trawie oraz ogromną igłę i nić. W sumie zrealizowali ponad 40 projektów na dużą skalę.

Paul Schimmel, główny kurator w Museum of Contemporary Art w Los Angeles, dzieli się swoimi wspomnieniami: „Kiedy dołączyła do grona praktykujących artystów i zaczęła współpracować z Klaesem, miała już własne spojrzenie na sztukę. Klaes był zabawny i swobodny w swoim podejściu; jego styl zaczynał się od zmysłowych szkiców. Ona natomiast postrzegała świat bardziej konceptualnie i systematycznie. Chociaż Claes cieszył się już znaczącą renomą dzięki swoim publicznym rzeźbom przed ich współpracą, uważam, że to jej wkład i to, co wniosła do ich współpracy, pozwoliło im zrealizować tak wiele znaczących projektów publicznych w ciągu ostatnich dwóch dekad. Doskonale uzupełniała twórczą naturę Claesa”.

W 1982 roku van Bruggen została zaproszona do zasiadania w komitecie selekcyjnym Documenta 7 w Kassel. Podczas tej pracy poznała Franka Gehry'ego, z którym się zaprzyjaźniła, i razem z Claesem Oldenburgiem zrealizowali kilka wspólnych projektów. Jej portfolio twórcze obejmowało również monografie Bruce'a Naumana i Johna Baldessariego. Ponadto aktywnie pisała eseje, była kuratorką wystaw i brała udział w wydawaniu książek. W 1993 roku van Bruggen otrzymała obywatelstwo amerykańskie. W latach 1996-1997 pełniła funkcję starszego krytyka w katedrze rzeźby w Szkole Sztuk Pięknych Uniwersytetu Yale. Nie należy zapominać, że była również czołową historyczką twórczości Oldenburga, ponieważ w latach 1979-1991 napisała pięć książek o jego sztuce i projektach zespołowych.

Klas Oldenburg i sztuka życia codziennego w poezji

Claes Oldenburg (1929–2022) napisał słynne słowa: „Popieram sztukę, która wiruje i rozszerza się, akumuluje, pluje i kapie, i jest tak ciężka, szorstka, surowa, prosta, słodka i głupia jak samo życie”. Starając się nasycić swoje prace tą „szorstką, szorstka, prosta, słodka i głupia esencją życia”, Oldenburg często sięgał po zwykłe przedmioty, zmieniając ich rozmiar, kontekst lub materiały.

Wczesne lata spędził w Nowym Jorku i Oslo, gdzie jego ojciec pełnił funkcję szwedzkiego wicekonsula. W 1936 roku rodzina przeniosła się do Chicago, gdzie starszy Oldenburg został mianowany konsulem i to właśnie tam Claes spędził dzieciństwo. Później młodszy Oldenburg studiował literaturę i sztukę na Uniwersytecie Yale’a. W 1950 roku wrócił do Chicago, gdzie rozpoczął karierę jako reporter-stażysta w City News Bureau of Chicago. W 1952 roku postanowił zostać artystą, a w następnym roku uzyskał obywatelstwo amerykańskie.

W latach 1952-1954 Oldenburg studiował z przerwami w Art Institute of Chicago, jednocześnie podejmując się różnych dorywczych prac. Później przez krótki czas prowadził własne studio, tworząc ilustracje do czasopism i uczestnicząc w licznych lokalnych wystawach.

W 1956 roku przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie poznał wielu artystów eksplorujących wczesne formy performansu i happeningu, w tym George'a Brechta, Allana Kaprowa, George'a Segala i Roberta Whitmana. W 1959 roku zaprezentował w Judson Gallery serię rzeźb, w tym przedmioty codziennego użytku wykonane technikami mieszanymi, takimi jak rysunek, kolaż i papier-mâché. Pod koniec 1961 roku Oldenburg tymczasowo przekształcił witrynę sklepową na Lower East Side na Manhattanie w połączenie studia, galerii i sklepu, gdzie sprzedawał swoje prace, pakowane jako produkty codziennego użytku i ubrania. Dzieło to nazwał „The Store” (Sklep).

Artysta pokrył muślin rozciągnięty na drucianej ramie gipsem, a następnie pomalował powstałe rzeźby jasną emalią. Powstałe dzieła nabrały niemal antropomorficznych cech. Wyjaśnił: „Nie dążę do przedstawiania ciał bezpośrednio, lecz skupiam się na przedmiotach z nimi związanych, aby widz mógł doświadczyć cielesności – zarówno dosłownie, jak i skojarzeniowo”. W 1962 roku został uznany za artystę pop-artu, gdy ruch ten dopiero raczkował.

W tym czasie tworzył również „Happeningi”. Początkowo jego praca polegała na szyciu rzeźb z miękkiego płótna, ale wkrótce przeszedł na winyl. Materiał ten, powszechnie używany do tapicerki w powojennej Ameryce, ma unikalne właściwości: nie jest ani sztywny, ani miękki. Jeśli wypełnisz rzeźbę winylową miękkimi włóknami, z czasem ulegnie ona odkształceniu pod wpływem grawitacji. W wyniku takich eksperymentów powstały takie dzieła jak Olbrzymi BLT (Olbrzymia kanapka z boczkiem, sałatą i pomidorem) i Miękka toaleta.

W 1965 roku Oldenburg zaczął tworzyć obrazy, na których przedmioty codziennego użytku były prezentowane jako ogromne rzeźby przeznaczone do przestrzeni publicznej. Na przykład ogromny pluszowy miś służył jako symbol niezadowolenia z beztroskich turystów przez pokrzywdzonych mieszkańców Harlemu.

W swoich innych dowcipnych ilustracjach proponuje zastąpienie Statuy Wolności kolosalnym wachlarzem, a obelisku w Waszyngtonie gigantycznymi nożycami.

Początkowo były to tylko pomysły, ale zawsze dążył do tworzenia wielkoformatowej sztuki publicznej. W 1969 roku ukończył swoje przełomowe dzieło „Lipstick (Ascending) on ​​Caterpillar Tracks”, które zostało zaprezentowane na Uniwersytecie Yale. Projekt ten był wynikiem inicjatywy studenckiej, a Oldenburg odmówił przyjęcia za niego wynagrodzenia. Praca odzwierciedlała ducha epoki końca lat 60., w tym nastroje antywojenne i walkę o prawa kobiet (to właśnie jesienią tego roku kobiety po raz pierwszy otrzymały zezwolenie na zapisanie się na uniwersytet).

Oldenburg zrealizował większość swoich wielkoformatowych projektów we współpracy z Kosje van Bruggen, z którą współpracował od 1976 roku aż do jej śmierci w 2009 roku.

Wszystkie prace Oldenburga, od „The Store” po jego monumentalne instalacje, przesiąknięte są jedną kluczową ideą: sztuka powinna być otwarta dla wszystkich, a także przynosić radość i być zabawna. Powiększając obiekty, możemy wyraźniej dostrzec ich skalę, wagę, kształt i fakturę. Zwykłe rzeczy zaczynają brzmieć jak prawdziwa poezja. Na przykład:

W dniu, w którym Willy Fehlbaum obchodził swoje siedemdziesiąte urodziny, jego dzieci podarowały mu rzeźbę zatytułowaną „Balancing Tools” (Narzędzia do balansowania). Dzieło to przedstawia młotek, szczypce i śrubokręt, bezpośrednio nawiązując do rzemiosła Willy'ego jako meblarza i tapicera, ale w szerszym kontekście. To właśnie w pracowni Claesa Oldenburga prezes Vitry, Rolf Fehlbaum, po raz pierwszy spotkał znanego architekta Franka Gehry'ego, który pięć lat później zaprojektował Vitra Design Museum, znajdujące się w pobliżu Balancing Instruments.

Rzeźbiarska fontanna, stworzona przez Claesa Oldenburga i Cossiera van Bruggena, znajduje się w Ogrodzie Rzeźb w Minneapolis. Elementy kompozycji – łyżka i wiśnia – wykonane są z aluminium na stalowych ramach i pokryte kilkoma warstwami starannie przetworzonego materiału epoksydowego. Na dnie łodygi wiśni zamontowano zawory, z których wypływa woda, nadając jagodzie połysk, a z łodygi unosi się cienki strumień, który Oldenburg opisał jako „nie tylko strużkę wody, ale mgiełkę. Powinien odbijać światło słoneczne i od czasu do czasu tworzyć tęczę”. Zimą rzeźba znajduje się pod warstwą śniegu, przez co przypomina lody.

Pomysł stworzenia gigantycznej łyżki należy do Oldenburga i został zrealizowany już w 1967 roku. W jednym ze swoich rysunków nakreślił paralelę między molo Navy Pier w Chicago a gigantyczną łyżką deserową, pozornie zanurzoną w wodach jeziora Michigan. W tym samym roku artysta stworzył litografię przedstawiającą łyżkę jako monumentalny most, pod którym powoli porusza się flota żaglówek. Pomysł na wisienkę na torcie w kształcie łyżki należy do van Bruggen. Podzieliła się ona swoimi przemyśleniami na temat tego, jak uporządkowane i symetryczne przestrzenie ogrodów przypominają jej Wersal i jego surowe dworskie zasady. W ten sposób łyżka wiśniowa staje się nie tylko żartobliwym akcentem komedii obyczajowej, ale także sposobem na stworzenie bardziej swobodnej atmosfery.

W zielonych przestrzeniach Muzeum Sztuki Nelsona-Atkinsa w Kansas City zainstalowano cztery ogromne lotki. Każda z nich ma 5,8 metra wysokości, średnicę 4,87 metra i waży 2,5 tony. Te gigantyczne obiekty są ułożone w taki sposób, że muzeum przypomina siatkę do badmintona, a trawiasta nawierzchnia zamienia się w plac zabaw. Lotki, pozornie przypadkowo upuszczone, są umieszczone po obu stronach „siatki” muzeum. Ta tajemnicza instalacja zgłębia istotę sztuki: gry o niejasnych zasadach, która czasami pojawia się w murach muzeów.

Kompleks architektoniczny, znany jako „Budynek Lornetki”, został stworzony przez architekta Franka Gehry’ego w nadmorskie miasteczko Venice w Kalifornii. Projekt zrealizowano na potrzeby kampanii reklamowej Chiat/Day. W trakcie prac Gehry zaprojektował dwie zupełnie różne konstrukcje: jedną z nich jest długi, niski budynek biurowy, a drugą ścięta metalowa konstrukcja przypominająca wieżę. Nie wykryto jednak między nimi żadnego związku, a legenda głosi, że Gehry, zauważywszy znajdujący się nieopodal model Biblioteki i Teatru Oldenburg, wykonany w 1986 roku, użył go jako lornetki. Umieścił go wśród swoich prac, aby podkreślić brakujący element. To przypadkowe odkrycie okazało się całkiem udane: ironiczny projekt idealnie wpasował się w chwytliwą reklamę z początku lat 90. W 2011 roku Google zainteresowało się budynkiem, uznając lornetkę za odpowiedni element koncepcji swojego produktu.

Na tej stronie internetowej można przejrzeć oś czasu, która przedstawia inne ważne wydarzenia. Można tam również zobaczyć zepsuty guzik, wąż ogrodowy, rozbity kubek z porozrzucanymi plasterkami i skórkami jabłka, pieczęć, krawat i wiele innych przedmiotów, które pomimo swojej zwyczajności mają wyjątkowy urok.

Dowiedz się więcej fascynujących faktów o designie na naszym kanale Telegram. Dołącz do nas!

Przeczytaj również:

• Sztuka renowacji: 8 najbardziej doniosłych przypadków
• Tadao Ando to wybitny japoński architekt, którego prace wyróżniają się niepowtarzalnym stylem i filozofią. Oto pięć jego kultowych projektów:

  1. Kościół Światła: Ta świątynia, położona w Osace, stała się symbolem interakcji między architekturą a naturą. Światło wpadające przez witraż tworzy wyjątkową atmosferę, podkreślając duchowość przestrzeni.

  2. Muzeum Wody: Projekt ten, położony w prefekturze Osaka, ucieleśnia harmonię między człowiekiem a naturą. Architekt wykorzystał beton i szkło, aby stworzyć otwarte przestrzenie, które pozwalają widzom cieszyć się otaczającym krajobrazem. 3. Willa na Wodzie: Położona na wyspie Naoshima, ta rezydencja harmonijnie komponuje się z otoczeniem. Przestrzeń została zaaranżowana tak, aby zmaksymalizować widok na wodę i stworzyć poczucie jedności z naturą. 4. Muzeum Sztuki Współczesnej Naoshima: To muzeum stało się prawdziwym dziełem sztuki, gdzie przestrzenie wystawowe płynnie łączą się z elementami natury. Wykorzystując światło i cień, Ando stworzył wyjątkową atmosferę, która uzupełnia eksponaty. 5. Centrum Sztuki Nara: Projekt ten łączy tradycyjne japońskie elementy ze współczesnym podejściem do architektury. Przestrzeń została zaprojektowana tak, aby inspirować kreatywność i interakcję, tworząc komfortowe środowisko dla zwiedzających.

  Prace Tadao Ando będą nadal inspirować i zaskakiwać swoją zdolnością łączenia architektury z otaczającym światem.

• Krzywa Wieża w Pizie, położona we włoskim mieście Piza, to wyjątkowa konstrukcja architektoniczna. Jej charakterystyczną cechą jest wyraźne nachylenie, co czyni ją jedną z najsłynniejszych wież na świecie. Budowa tego wyjątkowego zabytku rozpoczęła się w 1173 roku i trwała prawie dwa stulecia.

  Wieża została zbudowana w stylu romańskim i składa się z ośmiu kondygnacji, w tym dzwonnicy na najwyższym piętrze. Ma około 56 metrów wysokości i waży do 14 000 ton. Co ciekawe, nachylenie, które obecnie wynosi około 4 stopni, wynika z niewystarczającej wytrzymałości gruntu, na którym została zbudowana.

  Pomimo problemów ze stabilnością, Krzywa Wieża w Pizie przyciąga wielu turystów, którzy przyjeżdżają podziwiać jej niezwykły wygląd i poczuć atmosferę historii, która przenika to miejsce.