Pole eksperymentalne: Ziemia jako materiał do projektowania

Spis treści:

• W sztuce współczesnej
• W designie

W ostatnich latach ziemia, wilgotna i nasycona życiem, a także gleba z rozgałęzionymi korzeniami i kiełkującymi nasionami, zyskują coraz większą popularność na wystawach muzealnych i w galeriach prywatnych. W swoim nowym felietonie historyczka sztuki Maria Savostyanova analizuje, jak sztuka współczesna wykorzystuje ziemię jako materiał ekspresyjny i gdzie dokładnie to się dzieje. Ujawnia, jak artyści włączają elementy natury do swojej pracy, podkreślając związek między sztuką a środowiskiem.

W sztuce współczesnej

W 2022 roku kuratorka 59. Biennale w Wenecji, Cecilia Alemani, wybrała surrealistyczne „Mleko snów” jako temat swojej wystawy. W ramach tego projektu zidentyfikowała trzy kluczowe zagadnienia, koncentrując się na interakcji człowieka i ludzkości z Ziemią. Wielu artystów odpowiedziało na to wezwanie, tworząc wyjątkową przestrzeń do dyskusji o palących kwestiach ekologii i tożsamości człowieka w kontekście współczesnego świata.

Na Biennale najbardziej „ziemskie” instalacje wykonały amerykańska performerka, artystka i poetka Precious Okoyomon oraz kolumbijska artystka Delcy Morelos. Przekształciły one słynne sale Arsenalu, wykorzystując ziemię, kamienie i roślinność, tworząc atmosferę, która zanurzała widzów w wilgotnych, ziemistych aromatach. Instalacje podkreślały związek między człowiekiem a naturą i prowokowały do ​​głębokiej refleksji nad naszym miejscem w ekosystemie.

Delsy Morelos od trzydziestu lat aktywnie zajmuje się malarstwem i rzeźbą, wykorzystując w swoich pracach naturalne materiały, takie jak gleba, glina, tkanina i włókno. W swojej pracy „Ziemski Raj” (2022) stworzyła wyjątkową przestrzeń, formując ją z masywnych glinianych bloków w labirynt. Aby w pełni poczuć atmosferę „Ziemskiego Raju”, należy poruszać się wąskimi przejściami labiryntu, wdychając zapach ziemi i odczuwając jej fakturę, ciepło i wilgoć. Morelos dodała do tego sensorycznego doświadczenia aromaty cynamonu, goździków i innych przypraw, wzmacniając więź z naturą i pozwalając na głębsze zrozumienie jej twórczości.

W instalacji „Seeing Earth Before the End of the World” (2022) Precious Okoyomohn przekształciła salę weneckiego arsenału w zachwycającą szklarnię. Warstwa ziemi, pokryta gęstą roślinnością, dopełniona jest motylami i rzeźbiarskimi figurami z błota i krwi. Ten projekt artystyczny zanurza widzów w wyjątkowej atmosferze, eksplorując związek między człowiekiem a naturą i stawiając pytania o przyszłość naszej planety. Instalacja zachęca do refleksji nad konsekwencjami działalności człowieka i ekologii, tworząc wizualny dialog na temat istniejących wyzwań.

Instalacja Daniela Lee „Untitled Entities” (2022), zaprezentowana wiosną w New Museum w Nowym Jorku, sugestywnie ukazuje procesy biologiczne zachodzące w żyznej glebie. Artysta wykorzystał jutowe pokrycia, kwiaty, bele słomy oraz ziemię zawierającą zarodniki i nasiona. Elementy te, pozostawione na korytarzach muzeum, ulegały powolnemu rozkładowi, wywołując różnorodne reakcje zwiedzających. Instalacja skupia się na interakcji natury i sztuki, eksplorując tematy rozpadu i odnowy.

Krytycy wciąż mają problem z określeniem tej fascynacji ziemią, nazywając ją współczesną sztuką ziemi i przeciwstawiając ją klasycznej sztuce ziemi z lat 70. XX wieku. W tamtym czasie artyści przekształcali rozległe połacie ziemi, a wiele ich prac było widocznych jedynie na fotografiach lotniczych. Sztuka ta była demonstracją siły i wyrazem woli panowania nad terytoriami. Współczesne interpretacje sztuki ziemi nadal eksplorują interakcję człowieka z naturą, tworząc unikatowe dzieła, które odzwierciedlają aktualne problemy środowiskowe, społeczne i kulturowe.

Dziś ziemia jako element natury symbolizuje poczucie załamania klimatu, które stało się głównym wyzwaniem przed pandemią. Instalacje poświęcone ziemi podkreślają, że ludzkie ciało jest nierozerwalnie związane ze środowiskiem. Ziemia żyje, oddycha i wchodzi z nami w interakcje, ulegając z biegiem czasu znaczącym zmianom. Ważne jest, aby rozpoznać te powiązania, aby lepiej zrozumieć nasze miejsce w ekosystemie i potrzebę szacunku do natury.

W projektowaniu

Ziemia jest ważnym źródłem inspiracji i eksperymentów w projektowaniu. Architekci i projektanci postrzegają ją jako wyjątkowy materiał do tworzenia budynków i obiektów. Ten naturalny surowiec ma swoją własną estetykę i różnorodne znaczenia, co pozwala projektantom wykorzystywać go w swojej pracy do przekazywania głębokich znaczeń i idei.

Naukowcy z University of Virginia, w tym matematyk Jie Ma, ekolog David Carr, architekt Ehsan Baharlow i adiunkt Spencer Barnes, opracowali innowacyjną technologię bioinżynierii. Technologia ta ma potencjał, aby znacząco zmienić wygląd budynków i metody ich wznoszenia. Ich eksperymenty zaowocowały kwitnącymi strukturami stworzonymi z gleby i nasion, które można drukować w technologii 3D. Dzięki większej skalowalności te biostruktury mogą stać się podstawą budowy domów, otwierając nowe horyzonty w architekturze i zrównoważonym rozwoju.

Ziemia jako materiał budowlany staje się coraz ważniejsza dla krajów rozwijających się. Architekt Mark Thorpe przedstawił projekt budynków mieszkalnych w Ugandzie, które zostaną zbudowane niemal w całości z biocegieł, składających się w 90% z lokalnej gleby. Pozostałe składniki to mieszanka cementu, piasku, wapna i wody. Konstrukcje są już ukończone, a Thorpe planuje rozszerzyć swoją działalność. Wykorzystanie lokalnych zasobów nie tylko obniża koszty budowy, ale także promuje zrównoważony rozwój, co jest ważne dla krajów o ograniczonych zasobach finansowych.

Projektantka Jessica Martin stworzyła unikalną konstrukcję z ubitej ziemi na pustyni w Arizonie w ramach swojego projektu dyplomowego w Szkole Architektury (TSOA) w USA. Projekt ten to schronienie dla ludzi, roślin i zwierząt. Konstrukcja ma kształt piramidy z otwartą górą i oknem umieszczonym na jednym z boków. Całkowita powierzchnia konstrukcji wynosi 48 metrów kwadratowych, co pozwala na ustawienie małego łóżka i stołu, a także paleniska, zapewniając ciepło i komfort w tym oryginalnym schronieniu. Projekt podkreśla znaczenie zrównoważonej architektury i harmonii z naturą, co czyni go istotnym we współczesnym kontekście.

Dzika glina, będąca mieszanką kamieni, piasku i gleby, to unikalny materiał bliski ziemi. Rosyjski ceramik Paweł Żurawlow wybrał dziką glinę jako główny materiał do tworzenia wyrobów ceramicznych. Jego prace, takie jak czarne, teksturowane garnki, wazony i misy, przypominające formy tworzone z torfu bagiennego, są niezwykle ekspresyjne. Te unikatowe dzieła przyciągają uwagę i z powodzeniem sprzedają się nie tylko w Rosji, ale także w europejskich galeriach.

Żurawlow wypala ceramikę w małym, prymitywnym piecu, w którym płomienie drewna stykają się bezpośrednio z wypalanymi elementami. Ograniczona przestrzeń pieca ułatwia tworzenie precyzyjnych faktur. Ten unikalny proces pozwala na tworzenie wyrobów o nieoczekiwanych i niepowtarzalnych cechach. Każde dzieło staje się nie tylko obiektem artystycznym, ale także efektem indywidualnego podejścia do sztuki ceramicznej, co sprawia, że ​​każde dzieło jest niepowtarzalne i cenne.

Ziemia może stać się ciekawym elementem dekoracyjnym w budynkach użytkowych. Japoński architekt Junya Ishigami, znany ze swojego minimalistycznego i zwiewnego stylu, zademonstrował to w swoim nowym projekcie. Zaprojektował prywatny dom i restaurację dla szefa kuchni Motonoriego Hiraty. Konstrukcja oparta jest na betonie, który stanowi solidny szkielet budynku. Projekt architektoniczny przedstawia labirynt, w którym jaskiniowe przestrzenie połączone są łukowatymi otworami i kolumnami przypominającymi stalagmity, pokrytymi teksturowanym błotem. Takie podejście podkreśla harmonię między materiałami naturalnymi i sztucznymi i tworzy niepowtarzalną atmosferę dla zwiedzających. Beton wlewa się do wykopanych dołów, które pełnią funkcję form. Otaczająca gleba jest następnie usuwana. Ishigami spodziewał się, że błoto spłucze beton, ale widząc je na konstrukcji, postanowił pozostawić je jako powłokę. Aby zapobiec wypłukaniu błota przez deszcz, wzmocniono je tradycyjnymi japońskimi technikami. Rozwiązanie to podkreśla harmonię między elementami naturalnymi a nowoczesnymi metodami budowlanymi, tworząc niepowtarzalny efekt estetyczny.

Organiczna forma i gliniana powierzchnia nadają domowi i restauracji wrażenie solidności i starożytności, jakby stały w tym miejscu od wieków. To rozwiązanie architektoniczne podkreśla harmonię z otaczającą przyrodą i wzmacnia atmosferę trwałości i zrównoważonego rozwoju.

Prawie dziesięć lat temu na wystawie Biodesign w New Institute w Rotterdamie zaprezentowano interesującą, eksperymentalną technologię. Projektant Erez Nevi Pana opracował innowacyjne ciasto składające się z gleby i grzybni, które można piec w piekarniku. Głównym celem tej technologii jest stworzenie stołków i krzeseł na tyle wytrzymałych, aby nadawały się do codziennego użytku. To odkrycie stanowi znaczący postęp w dziedzinie zrównoważonego projektowania, oferując alternatywę dla tradycyjnych materiałów i umożliwiając ekologiczną produkcję mebli.

Projektant opracował unikalną mieszankę łączącą glebę z grzybami i innymi naturalnymi materiałami. Mieszanka ta rośnie jak ciasto dzięki reakcjom biochemicznym. Następnie można ją formować za pomocą gipsowych lub drewnianych form. Utwardzone elementy są wypalane, co nadaje im wytrzymałość i umożliwia obróbkę: szlifowanie, piłowanie i wiercenie. Takie podejście do tworzenia ekologicznych mebli i dekoracji otwiera nowe horyzonty w projektowaniu i zrównoważonej produkcji.

Erez Nevi Pana, zawodowy piekarz, starannie dopracował swój idealny przepis, czego efektem jest unikalna seria prostych, formowanych mebli. W trakcie procesu projektant eksperymentował również z formowaniem kubków z tego materiału. Jednym z głównych problemów było to, że „gliniany” kubek zatrzymywał wodę, a także nadawał nieprzyjemny smak. Erez przyznaje, że jego przepis nie jest jeszcze idealny, ale jest przekonany, że zmierza w dobrym kierunku. Prace nad poprawą jakości i funkcjonalności materiału są kontynuowane, co otwiera nowe możliwości wykorzystania formowanych elementów w projektowaniu wnętrz.

Nie tylko żyzne i naturalne gleby, ale także te chore i zniszczone mogą stanowić podstawę dla ciekawych projektów. Szwedzka artystka Hilda Hellström, będąc studentką Royal College of Art, opracowała unikalną pracę dyplomową zatytułowaną „Materialność katastrofy”. Rok po katastrofie w elektrowni Tohoku Daiichi udała się do Japonii i nawiązała współpracę z lokalnym plantatorem ryżu Naoto Matsumurą, który postanowił pozostać na ewakuowanym obszarze. Podzielił się on swoją wiedzą o terenie i pomógł zebrać próbki gleby z pól ryżowych, które stały się bezużyteczne po katastrofie. Wykorzystując te próbki, Hilda Hellström stworzyła pięć „brudnych” naczyń, których kształty różniły się w zależności od typologii lokalnej ceramiki. Naczynia były wolne od promieniowania, ponieważ gleba została wykopana 40 cm pod powierzchnią. Ten projekt podkreśla znaczenie interakcji między designem a ekologią i pokazuje, jak sztuka może zwrócić uwagę na problemy związane ze skutkami klęsk żywiołowych.

Ziemia interesuje projektantów nie tylko z estetycznego punktu widzenia, ale także w kontekście interakcji społecznych. Na przykład holenderskie studio Atelier NL wdrożyło projekt De StraatMakers, w ramach którego zebrano próbki gleby z Eindhoven. Ten projekt badawczy został zlecony przez gminę, gdy urzędnicy miejscy rozważali schematy kolorów nawierzchni dróg. Atelier NL zaangażowało mieszkańców w tworzenie archiwum, co zaowocowało zebraniem 150 próbek gleby z 30 różnych lokalizacji w całym mieście. Inicjatywa ta nie tylko podkreśliła wyjątkowość lokalnej tożsamości, ale także ułatwiła zaangażowanie społeczności w proces planowania urbanistycznego.

Wiercenia na głębokość jednego metra w różnych punktach miasta pozwoliły uzyskać obraz różnorodności warstw gleby. Odkryto, że ziemia, piasek, glina, próchnica i torf znacznie różnią się kolorem w różnych częściach miasta. Pod wpływem wypalania w wysokich temperaturach gleba utlenia się, co dodatkowo uwydatnia unikalne cechy kolorystyczne każdego miejsca. Zebrane próbki pozwoliły na stworzenie unikalnej palety barw ziemi dla miasta, odzwierciedlającej jego naturalną różnorodność i dziedzictwo geologiczne.

Ciekawie będzie zobaczyć, jak długo projektanci będą fascynowani wykorzystaniem ziemi w swoich projektach. Stoimy u progu nowego trendu, który może prowadzić do śmiałych eksperymentów z tym materiałem, lub też, pod wpływem technologii cyfrowych, ten kierunek szybko się wyczerpie i pozostanie jedynie nietypowym zjawiskiem z początku lat 2010. Ważne jest monitorowanie rozwoju tego hobby, aby zrozumieć, czy stanie się ono podstawą nowych rozwiązań projektowych, czy też przejdzie do przeszłości, pozostawiając jedynie wspomnienia o swojej aktualności.

Dowiedz się więcej:

• Krzesło z wodorostów, tratwa i bajkowe meble: jak przebiegał Milan Design Week 2022
• Projektowanie sensoryczne: jak doznania wkraczają do designu
• „Zaprojektowane i wykonane w Rosji”: felieton Marii Sawostyanowej o konkursie dla projektantów