Projektant Christian Dior: Droga do królewskich sukien

Spis treści:

• Podstawy stylu: Dziedzictwo Christiana Diora
• Yves Saint Laurent: Symbole młodości i świeżości
• Historia sukcesu Marca Bohana
• Gianfranco Ferré: Symbol szacunku i uznania
• John Galliano: Cały świat jest sceną komedii
• Raf Simons: Sztuka architektury w modzie
• Maria Grazia Chiuri: Wpływ feminizmu na urbanistykę Kultura

Opowiemy historię o tym, jak francuski projektant rozwinął solidny język wizualny i jak jego sześciu studentów, bazując na tym dziedzictwie, stworzyło potężny system wizualny, który wywarł znaczący wpływ na światową modę damską.

Podstawy stylu: Dziedzictwo Christiana Diora

Christian Ernest Dior urodził się w 1905 roku. Jako dziecko wychowywał się w zamożnej rodzinie i planował karierę dyplomaty. Jednak wkrótce rozwinęła się w nim miłość do sztuki, co doprowadziło do decyzji o porzuceniu studiów politologicznych. Jego ojciec popierał jego zamiar otwarcia galerii sztuki surrealistycznej, ale rodzina wkrótce popadła w trudności finansowe, pozostawiając Diora w nędzy. W rezultacie zaczął tworzyć szkice na zlecenie różnych magazynów i paryskich projektantów mody.

W latach 50. Christian publikował swoje autobiografie pod tytułami „Dior o Diorze” i „Ja, krawiec”. Później zespół specjalistów ds. public relations z największej francuskiej firmy luksusowej analizował każdy aspekt jego pracy i życia, tworząc mity o prawdziwym francuskim wizjonerze. Nie będziemy zatem zagłębiać się w szczegóły jego biografii.

W 1941 roku dom mody Luciena Lelonga zaprosił Diora na stanowisko projektanta, gdzie pracował w zespole z Balmain.

W 1946 roku, w wieku czterdziestu lat, Christian zawarł umowę z potentatem tekstylnym Marcelem Boussakiem, aby stworzyć dom mody, który nosiłby jego imię.

12 lutego 1947 roku stał się znaczącą datą dla domu mody Christiana Diora, ponieważ właśnie tego dnia projektant zorganizował pokaz dla prasy, arystokratów i zamożnych klientów. Zaprezentował 90 modelek, wśród których znalazły się kreacje o nazwach „Crown” i „After Eight”. Kreacje te obejmowały żakiety, spódnice i sukienki o wyrazistych kształtach, charakteryzujące się obszernymi brzegami, wąską talią oraz płynnymi liniami ramion i bioder. Ten styl był prawdziwą rewolucją w porównaniu z wizerunkami, które kobiety nosiły w latach wojny.

W kolekcji Diora stroje powstawały z wielu metrów materiału, symbolizujących hasło „Czas przestać oszczędzać!”. Modelki wyglądały jak księżniczki z alternatywnej rzeczywistości, w której nie doszło ani do I, ani do II wojny światowej. Carmel Snow, redaktor naczelna amerykańskiego wydania Harper’s Bazaar, zauważyła: „To zupełnie nowy styl!”. — i to właśnie określenie „New Look” na zawsze kojarzy się z tymi magicznie kobiecymi sylwetkami.

Pierwsza kolekcja Diora natychmiast przyniosła mu sławę i uznanie zarówno w Europie, jak i Ameryce, a styl New Look stał się symbolem francuskiego ruchu modowego.

W 1947 roku dom mody Dior wprowadził na rynek swój pierwszy zapach o nazwie Miss Dior. Według Christiana, perfumy te były hołdem dla jego młodszej siostry Catherine, z którą łączyła go szczególnie ciepła relacja.

Użycie w nazwie określenia „Miss” zamiast „Mademoiselle” wskazuje, że produkt ten jest przeznaczony na eksport i skierowany do amerykańskiej publiczności.

W 1948 roku w Nowym Jorku powstała filia domu mody Christian Dior.

Zespół domu mody Christiana Diora, mieszczącego się przy Avenue Montaigne w Paryżu, aktywnie się rozwijał, a firma stale się rozwijała. Nazwisko tego projektanta stało się uosobieniem atrakcyjnej francuskiej mody. W swoich kolekcjach stosował ulubione techniki wizualne, inspirując się codziennymi detalami, formami architektonicznymi i kolorami naturalnych krajobrazów. Te elementy silnie rezonowały z publicznością.

Czytaj również:

Moda to nie tylko ubrania, ale cała historia, ściśle powiązana ze zmianami kulturowymi i społecznymi. Domy mody odgrywają w tym obszarze kluczową rolę, wyznaczając trendy i definiując styl całych epok.

Każdy z tych domów mody ma swoją własną, unikalną charakterystykę i filozofię, przyczyniając się do tworzenia niezapomnianych kolekcji. Na przykład marki takie jak Chanel, Dior i Gucci stały się symbolami nie tylko luksusu, ale także innowacji w świecie designu. Wyznaczają standardy, które inni starają się przewyższyć.

Domy mody często odzwierciedlają ducha czasu, dostosowując się do zmieniających się gustów i preferencji społeczeństwa. Ważne wydarzenia, takie jak wojny, kryzysy gospodarcze czy rewolucje kulturalne, wpływają na ich kreatywność i podejście. To tworzy dynamiczny obraz, w którym moda staje się odpowiedzią na wyzwania czasu.

Co więcej, projektanci znacząco wpływają na rozwój mody, wnosząc swoją indywidualność i kreatywność. Ich wizja i styl stają się podstawą nowych kierunków i innowacji. W ten sposób domy mody nieustannie się rozwijają, pozostając istotnymi i pożądanymi.

Ostatecznie historia mody to kronika nie tylko ubioru, ale także ludzkiej kreatywności, odzwierciedlająca zmiany kulturowe i społeczne przez pryzmat stylu.

W swojej kolekcji wiosna/lato 1948 Christian Dior wybrał tkaniny z charakterystycznym wzorem pepitki. Ta decyzja była prawdziwym kamieniem milowym: zazwyczaj kojarzony z modą męską, wzór ten rzadko pojawiał się w modzie damskiej, zwłaszcza w Diorze. W ten sposób projektantowi udało się stworzyć unikalny kod projektowy, który wizualnie połączył dwa odrębne światy. Należy pamiętać, że w połowie XX wieku granice płci były dość stabilne.

W W tym samym czasie Dior aktywnie wykorzystywał kokardy w swoich projektach. Z jednej strony postrzegano je jako symbol kobiecości, charakterystyczny dla rokoka Marii Antoniny. Z drugiej strony, kokardy kojarzono również z estetyką królewską i heroiczną: można tu przywołać portrety europejskich monarchów z XVII-XIX wieku, przedstawiające władców z wstążkami na szyjach i odznaczeniami wojskowymi.

Główna kokarda w projektach Diora ma złożoną strukturę. Nazywa się go haute couture, jaskółczym ogonem lub sztyletem i regularnie pojawia się w projektach butelek Miss Dior, a także w opakowaniach i różnych akcesoriach.

Siostra Christiane była więziona w obozie koncentracyjnym Ravensbrück w latach 1944-1945. Po wyzwoleniu rozwinęła w sobie pasję do ogrodnictwa, która doprowadziła ją do profesjonalnej uprawy róż i innych roślin, które następnie dostarczała do domów i firm w całej Francji.

Dior żywił głęboką miłość do swojej siostry, a także do kwiatów, które chętnie włączał do swoich projektów, aranżacji wnętrz i codziennego życia. Na przykład zawsze miał przy sobie gałązkę konwalii.

Jaśmin, róże i gardenie można było znaleźć w haftach i dekoracjach Diora już od pierwszych kolekcji. Od 1949 roku kwiaty te odgrywają znaczącą rolę w estetyce marki: projektant zaprezentował sukienkę, która sprawiała wrażenie, jakby była w całości wykonana z pąków kwiatowych.

Christian cierpiał na głęboki niepokój, który zrodził w nim przesądy. Ufał wróżbitom, wróżbitom i różnym postaciom mistycznym. Miał osobistą astrolog, Madame Delahaye, i bez jej rady nie podjął ani jednej decyzji, jak wspominał Pierre Cardin, który dla niego pracował.

Był przekonany o magicznej mocy liczb: zaprosił 13 modelek na swoje pokazy i żywił szczególne upodobanie do liczby 8. 8 października 1946 roku powstała firma Christian Dior, a pierwsze ikoniczne sylwetki domu mody również kojarzone były z „ósemką”. W pierwszej połowie lat 50. wielokrotnie interpretował ten kształt w swoich projektach, na przykład tworząc stroje ze spódnicami zwężającymi się ku dołowi.

Christian również miał pasję Grał w karty, lubił grać w pasjansa i ufał wróżbom tarota. Dla niego było to nie tylko hobby, ale unikalne narzędzie, które pomagało mu w życiu codziennym i pracy. Jednocześnie jego uczniowie wykorzystywali te metody jako podstawę do tworzenia wielu koncepcji wizualnych w projektowaniu.

Spędzałem wiele godzin namiętnie grając w brydża lub kanastę, starając się rozwikłać tajemnice tych gier. Być może świadczy to o moim braku intelektualnej głębi, ale wolę być szczery.

„Dior on Dior” to autobiografia wydana w 1956 roku. W tej książce Christian Dior dzieli się swoimi przemyśleniami na temat mody, swojej twórczej drogi i życia osobistego. Opisuje, jak wszedł do świata haute couture i ujawnia sekrety swojego sukcesu i inspiracji. Dior dzieli się swoimi poglądami na temat stylu i elegancji, a także tym, jak jego osobista wizja mody zmieniła branżę. Praca ta stała się ważnym dokumentem, odzwierciedlającym nie tylko biografię wielkiego projektanta mody, ale także ducha epoki, w której żył i pracował.

Przeczytaj również:

Ewolucja designu i magii: przemiany kart tarota na przestrzeni lat.

Jednak najważniejszym symbolem dla projektanta mody była gwiazda. Legenda głosi, że podczas spaceru, podczas którego rozważał propozycję od potencjalnego partnera biznesowego, natknął się na metalowy znak na chodniku i uznał go za znak przeznaczenia.

Gwiazda, wraz ze swoim graficznym odpowiednikiem, różą wiatrów, stała się centralnym elementem identyfikacji wizualnej marki Christian Dior.

Cannage to technika tkania rattanu, stosowana w meblarstwie od XVIII wieku. Ta mocna, gęsta krata jest znana wielu osobom z koszyków i klasycznych wiedeńskich krzeseł, na których siedzieli goście pierwszego pokazu Diora.

Chociaż w tamtych czasach wzór ten był postrzegany jako coś znajomego i zwyczajnego, Dior docenił jego walory estetyczne i sprawił, że stał się popularny. Uderzającym przykładem jest butelka Eau Fraîche, ozdobiona wzorem cannage z 1953 roku.

W 1953 roku na rynku pojawiła się pierwsza szminka marki Dior, która miała jaskrawoczerwony odcień. W swoim „Małym słowniku mody” opublikowanym w 1954 roku Christian opisał ten kolor jako idealny akcent dla każdego rodzaju skóry, podkreślając, że uosabia on radość życia.

Osobiste preferencje Diora obejmowały delikatne odcienie różu i szarości. Te kolory były kojarzone z jego rodzinnym domem w Normandii.

Podczas badania biografii i spuścizny krawca, menedżerowie domu mody natrafią na cytat Jeana Cocteau: „Oto genialny geniusz naszej epoki, którego magiczne imię zawiera słowa Dieu (Bóg) i Or (złoto)”.

Złoto kojarzy się z Francją: barokiem i rokokiem, Ludwikiem XIV i Marią Antoniną. W świecie mody Francja uosabiana jest przez nazwę Dior. Ten krawiec tworzył suknie dla zamożnych klientek, używając złotego brokatu, organzy i satyny, co podkreślało ich wysoki status.

W 1954 roku zamek hrabiny Marlborough zorganizował pokaz mody Christiana Diora, aby zebrać fundusze dla Brytyjskiego Czerwonego Krzyża. Wydarzenie przyciągnęło 1600 arystokratów, w tym siostrę młodej królowej, księżniczkę Małgorzatę.

Dior miał skłonność do anglomanii, co jest nietypowe dla Francuzów, ale okazuje się bardzo korzystne dla każdego, kto chce promować francuską modę za granicą. Swoje pomysły projektowe opierał głównie na brytyjskiej arystokracji, która z kolei stanowiła wzór dla bogatych Amerykanów.

Jednak Christian przyciągnął swoją pracą również innych ilustratorów. Na przykład na początku lat 40. XX wieku rozpoczął współpracę z młodym artystą René Gruau, który tworzył materiały reklamowe, plakaty i szkice do magazynów modowych. Gruau stopniowo objął stanowisko dyrektora artystycznego ds. reklamy w domu aukcyjnym Christian Dior, a później przeniósł się do Stanów Zjednoczonych. Jednak w latach 50., 60. i 70. kontynuował projektowanie rozpoznawalnych plakatów i ilustracji do perfum, ubrań i kosmetyków tego domu mody.

Ilustracje akwarelowe pełne życia, a także szkice mody, również zajmowały ważne miejsce w kodzie projektowym marki Dior.

Przeczytaj także:

Co jest takiego wyjątkowego w okładce albumu Sonic Youth „Goo”?

Yves Saint Laurent: Symbole młodości i świeżości

Christian Ernest Dior zmarł 24 października 1957 roku. Zgodnie z jego testamentem zarządzanie procesami twórczymi w domu mody zostało przekazane jego asystentowi Yvesowi Saint Laurentowi, 21-letniemu projektantowi z Algierii, który w tym czasie był już członkiem Syndykatu Haute Couture.

Swoją pierwszą kolekcję dla Diora zaprojektował w oparciu o trapezoidalny kształt, który był luźniejszą, bardziej rozkloszowaną interpretacją klasycznego kroju w kształcie litery A z lat 50. Wąskie ramiona, szeroki dół i długość ledwo zakrywająca kolana sprawiły, że stała się ona centralną postacią w świecie mody.

Yves Laurent zaprojektował sześć kolekcji dla marki Christian Dior, a każda z nich wyróżniała się coraz większą śmiałością. Pokaz jesień/zima 1960 nosił tytuł Souplesse, Légèreté, Vie, co tłumaczy się jako „Elastyczność, Lekkość, Życie”. W tej kolekcji Laurent zaprezentował stroje inspirowane estetyką beatników. Ta subkultura reprezentowała bohemę „pokolenia beatników” z połowy XX wieku, która kwestionowała ugruntowane, tradycyjne wartości.

Kolekcja spotkała się z negatywnymi recenzjami dziennikarzy i w rezultacie nie została przyjęta przez publiczność. Yves został powołany na front wojny francusko-algierskiej. Podczas pobytu w szpitalu otrzymał wiadomość o zwolnieniu z domu mody.

Historia sukcesu Marca Bohana

Roger Maurice Louis (Marc) Bohan, znany w świecie mody, pełnił funkcję głównego projektanta w londyńskim oddziale domu mody Christian Dior. Kierował tym działem po odejściu Yvesa Saint Laurenta z firmy w 1960 roku.

Nie był ani radykałem, ani rewolucjonistą – w jego nekrologu opublikowanym w „The Guardian” w 2023 roku nazwano go „ostatnim przedstawicielem klasycznej ery francuskiego haute couture”. Marc Bohan był krawcem, który tworzył kreacje dla arystokratów, hollywoodzkich gwiazd i uosobienia glamouru haute bourgeoisie. Wśród jego klientów znajdowały się prawdziwe księżniczki, hrabiny i czołowe gwiazdy filmowe. Nigdy nie zamieniał swojej pracy w widowisko dla tych, którzy nie mogli sobie na nią pozwolić.

Bohan na nowo wprowadził kobiecość do projektowania mody, ale nie ograniczył się do powtarzania sylwetek New Look ani kopiowania archiwów Christiana Diora. Przyczynił się również do kreowania mody i kształtowania trendów. Na początku lat 70. jego kolekcje wypełniły się jaskrawymi kolorami i luźniejszymi sylwetkami, odzwierciedlającymi pragnienie emancypacji kobiet, nawet jeśli dotyczyło to tylko ich garderoby.

Zawsze postrzegałem haute couture jako pewnego rodzaju eksperymentalną platformę, na której rodzi się moda. Istnienie haute couture jest bezpośrednio związane z obecnością jej znawców.

Marc Bohan w wywiadzie udzielonym The Montreal Gazette w 1982 roku podzielił się swoimi poglądami i przemyśleniami.

Jednak projektant zasłynął nie tylko z tworzenia strojów dla wąskiego kręgu zamożnych kobiet. Pod kierownictwem Marca Bohana dom mody osiągnął niespotykany dotąd rozkwit: w latach 1967–1975 jego działalność znacznie się rozwinęła. W tym okresie wprowadzono linię ubrań gotowych do noszenia Miss Dior, która była odpowiedzią na upowszechnienie się masowej produkcji odzieży na świecie. Ponadto otwarto nowe butiki w Stanach Zjednoczonych i Hongkongu, a także wprowadzono na rynek podmarkę dziecięcą Baby Dior.

Jednak głównym źródłem bogactwa firmy pozostają kosmetyki i perfumy. W 1966 roku wprowadzono na rynek męską wodę toaletową Eau Sauvage, która szybko zyskała reputację symbolu męskości i wyrafinowanego gustu. Była to prawdziwa rewolucja w tamtych czasach, ponieważ zapachy dla mężczyzn często postrzegano po prostu jako „dodatek”, a nie jako perfumowe wyrazy pożądanego wizerunku.

W 1967 roku dom mody zaprezentował swoją linię kosmetyków dekoracyjnych.

W 1984 roku Grupa Willot, zarządzająca znanym domem mody, borykała się z trudnościami finansowymi i zbankrutowała. W tym czasie Bernard Arnault wraz z grupą inwestorów nabył Christian Dior za symboliczną kwotę jednego franka, choć rzeczywista wartość transakcji była znacznie wyższa. W 1987 roku powstał konglomerat Louis Vuitton Moët Hennessy, w którym marka Christian Dior zajmowała kluczową pozycję i stała się najważniejszym „klejnotem” Arnaulta.

Przeczytaj także:

Od jednego imperium do drugiego. Kronika marki modowej Louis Vuitton.

W 1988 roku Arnault, pełniący funkcję szefa firmy Christian Dior SE, postanowił zwolnić Marca Bohana ze stanowiska dyrektora kreatywnego domu mody. Od 1989 roku stanowisko to zajmował Gianfranco Ferré.

Gianfranco Ferré: symbol szacunku i uznania

Ferre z wykształcenia był architektem. Zanim dołączył do Diora, dał się już poznać jako wybitny projektant odzieży i akcesoriów, prowadząc własną firmę. Był jednak Włochem, co sprawiło, że jego nominacja na szefa „prawdziwego francuskiego domu mody” była dość nieoczekiwanym krokiem.

Ferre, pełniąc funkcję architekta, zaczął tworzyć złożoną i trwałą koncepcję wizualną dla domu mody Christian Dior. Dokładnie analizował materiały archiwalne swoich poprzedników i opracowywał własne interpretacje kultowych modeli.

Wkrótce wielu europejskich projektantów mody zaczęło zwracać się ku przeszłości i szukać inspiracji w interesujących elementach starych szkiców. W prasie modowej często opisuje się to jako „czerpanie pomysłów z archiwów marki”.

Ferré albo zinterpretował charakterystyczne cechy, wzory i sylwetki Diora w kontekście lat 90., albo udało mu się stworzyć atmosferę tamtej epoki, czerpiąc z zasad projektowania domu mody. Harmonijnie połączył wzór w panterkę, słynną czerwień Diora i barokową koronkę o wyraźnych liniach, a także schludne wycięcia - z zabawnymi elementami dekoracyjnymi, dużymi kokardami - z wizerunkiem „silnej kobiety”.

Gianfranco Ferré pełnił funkcję dyrektora kreatywnego domu mody Christian Dior do pokazu wiosna/lato 1997 w 1996 r. Po nim funkcję tę przejął brytyjski projektant John Galliano, który wcześniej pracował w domu mody Givenchy, również należącym do grupy LVMH i reprezentującym francuską modę.

John Galliano: Cały świat to scena

W 1996 r. nowojorskie Metropolitan Museum of Art zorganizowało imponującą wystawę poświęconą 50. rocznicy istnienia domu mody Dior. Podczas ceremonii otwarcia Lady Diana pojawiła się w luksusowej sukni projektu Johna Galliano, przypominającej koszulę nocną. Ta kreacja była zarówno wyzwaniem, jak i symbolem: nie była już tylko członkinią rodziny królewskiej, ale deklarowała swoją niezależność jako kobieta wolna. W jej rękach trzymała elegancką torebkę Lady Dior.

Galliano wniósł do świata Diora elementy rock'n'rolla, brytyjskiego humoru, bujnej wyobraźni i ducha podróży. Jego pokazy przerodziły się w monumentalne spektakle teatralne, a projekty stały się ironicznym komentarzem do połowy XX wieku. Galliano czerpał inspirację z kodów kulturowych różnych epok – przeszłości, teraźniejszości, a nawet przyszłości. Mógł robić wszystko: pokazywać wizerunki domów publicznych, cesarzowych, punkowych rycerzy, a nawet stroje arcybiskupów. Jego kolekcje haute couture nie były przeznaczone na arystokratyczne przyjęcia ani nie miały na celu dostosowania się do norm grzecznego białego społeczeństwa.

„Życie nie jest tylko czarne i białe. Życie jest złotem” – te słowa padły w pierwszej reklamie zapachu J'adore w 1999 roku. Naszyjnik noszony przez Carmen Kaas był unikalną interpretacją kreacji haute couture z pokazu jesień/zima 1997. Na tym pokazie modelki nosiły obroże wykonane z wielu pierścieni, podobne do tych noszonych przez kobiety z plemion Ndebele i Kayan Lahwi w Mjanmie.

Uważa się, że Christian Dior nie miał szczególnej miłości do podróży. Tę rolę w jego twórczości przejął John Galliano, który w swoich kolekcjach z końca lat 90. i początku XXI wieku śmiało łączył słynne sylwetki i fasony z elementami etnicznymi. Jego podejście było znacznie odważniejsze niż Bokhana, który kiedyś zaryzykował wprowadzenie „rosyjskich” motywów do swojej linii inspirowanej Doktorem Żywago.

John Galliano odegrał znaczącą rolę w kształtowaniu estetyki Y2K. Jego kreacje, początkowo pomyślane jako ironiczny komentarz do trendów w modzie, stały się symbolami swojej epoki. Wśród nich jest torba siodłowa, okulary przypominające ochronne maski spawalnicze, które ściśle przylegają do twarzy, oraz masywne metalowe zapięcia.

Przeczytaj także:

Y2K: styl, elementy wizualne, interfejsy użytkownika, wystrój wnętrz i obiekty.

W 2007 roku dom mody Christian Dior świętował w wielkim stylu swoje 60. urodziny, a John Galliano stworzył kolekcję inspirowaną wizerunkiem wyzwolonej kobiety, która czuje się pewnie w społeczeństwie. Jednak 1 marca 2011 roku został zwolniony po tym, jak klienci baru nagrali go, jak pod wpływem alkoholu wygłasza antysemickie uwagi.

Raf Simons: Sztuka architektury w modzie

W latach 2012–2015 domem mody Dior kierował belgijski projektant Raf Simons. Jego podejście kreatywne stanowiło powrót do podstaw, odzwierciedlając kody i DNA marki, a jednocześnie wyraźnie odbiegając od stylu Johna Galliano.

Z jednej strony nowy dyrektor kreatywny marki „skupił się na materiałach archiwalnych” i zaczął tworzyć kolekcje oparte na oryginalnych sylwetkach Christiana. Z drugiej strony, wprowadził elementy minimalizmu antwerpskiego do projektów Diora i kładł nacisk na funkcjonalną strukturę.

Pod rządami Simonsa Dior rozpoczął powolną transformację z niedostępnej marki haute couture w bardziej nowoczesną, zorientowaną na masowy rynek modę. Choć marka nadal zachowuje status drogiej i prestiżowej, projektanci nadal korzystają z jej usług, tworząc kreacje dla aktorek na Oscary. Jednakże podejście estetyczne obejmowało elementy bliskie nowej „wyższej” klasie – jednostkom kreatywnym.

Maria Grazia Chiuri: Wpływ feminizmu na miasto

Maria Grazia Chiuri, włoska projektantka, dołączyła do domu mody Christian Dior w 2016 roku, wcześniej pracując dla Fendi.

Jej pierwszy pokaz zachwycił publiczność oryginalnymi nadrukami: modelki przeszły po wybiegu w długich spódnicach, elegancko ozdobionych cekinami, a także w koszulkach z hasłem „Wszyscy powinniśmy być feministami”. Ten temat pozostał centralnym punktem jej kolekcji i kolejnych sezonów.

W swoich pracach Chiuri zaczęła łączyć Zdjęcia z 1947 roku z manifestami, mające na celu zniszczenie utrwalonych poglądów na temat kobiecości i roli kobiet tamtych czasów.

Kolejnym uderzającym elementem Kolekcje Diora pod kierownictwem Chiuri nawiązują do kultury ulicznej. Z powodzeniem łączy ona wpływy rapu i koszykówki, elementy graffiti i kultury skateboardingu, a także współczesne style i graficzne eksperymenty ze światem wielkiej mody. Chiuri zaczęła współpracować z artystami, w tym lokalnymi rzemieślnikami i rękodzielnikami, którzy tworzą unikatowe rękodzieło.

W naszym kanale Telegram znajdziesz wiele fascynujących informacji o designie. Dołącz do nas!

Czytaj również:

• Status legendy może być nieodłącznie związany z każdym przedmiotem lub zjawiskiem. Przykładem tego jest historia domu mody Chanel.
• Balenciaga to dom mody założony przez wybitnego krawca o wyjątkowych umiejętnościach kroju i szycia. Historia tej marki jest bogata w wydarzenia i zmiany, odzwierciedlające ewolucję mody. Od momentu powstania Balenciaga stała się symbolem elegancji i innowacji, dzięki mistrzostwu swojego założyciela, który nie tylko tworzył ubrania, ale także tworzył prawdziwe dzieła sztuki. Życie. Jego umiejętność łączenia tradycyjnych technik z nowoczesnymi trendami pomogła marce wyrobić sobie szczególne miejsce w świecie haute couture.
• Źródła dla stylistów: jak być na bieżąco z trendami w modzie i znaleźć inspirację.
• Mu i Ma. Kronika marki modowej Comme des Garçons.
• Róż jako przedmiot kontrowersji. Fragment z „Kodu kolorów”.
• Globalne powstanie. Kronika marki modowej Vivienne Westwood.