Recenzja wystawy „Wielka Pustka” w Fundacji Ruarts

Spis treści:

• Strata, zniknięcie, niewidzialność, agresja
• Melancholia i zagubienie w czasie
• Zyskiwanie widoczności, tworzenie z pustki i w pustce

W Fundacji Ruarts w Moskwie otwarto wystawę zatytułowaną „Wielka Pustka”. Tytuł nawiązuje do filmu Paolo Sorrentino „Wielkie Piękno” i koncepcji Wielkiej Kosmicznej Pustki w gwiazdozbiorze Wolarza. Aktualność tematu pustki we współczesnym społeczeństwie jest niezaprzeczalna: wiele osób czuje się zagubionych, a tam, gdzie kiedyś panowały uczucia i emocje, utworzyła się próżnia. Wystawa „Wielka Pustka” to projekt kobiecy, prezentujący wyłącznie artystki, który podkreśla rolę kobiet w sztuce i ich unikalną perspektywę na kwestie egzystencji i stanu emocjonalnego we współczesnym świecie.

Odwiedziliśmy wystawę, aby zgłębić cechy sztuki „kobiecej” i dowiedzieć się, czym różni się ona od sztuki męskiej.

Fundacja Ruarts nabyła pięciopiętrowy budynek przy ulicy Trubnikovsky w kwietniu 2021 roku. Znana galeria przy ulicy Zachatievsky nadal aktywnie uczestniczy w rynku sztuki, gdzie odbywają się sprzedaż i zakup dzieł. W przeciwieństwie do galerii, Fundacja Ruarts, posiadająca kolekcję ponad dwóch tysięcy prac współczesnych artystów, działa jako instytucja kulturalna, koncentrując się na rozwoju sztuki i wspieraniu projektów kulturalnych na dużą skalę.

Pomysł zorganizowania wystawy prezentującej wyłącznie artystki zrodził się dwa lata temu. Temat projektu, poświęcony pustce, został później wybrany. Kuratorka gościnna Anna Żurba wyjaśnia, że ​​kobiety historycznie kojarzone były z koncepcją pustki. W kontekście społecznym nie miały możliwości swobodnego wyboru zawodu, a artystki pozostają praktycznie niewidoczne w historii sztuki. W ujęciu freudowskim pustka kojarzona jest z doświadczeniem kobiecym: podczas gdy mężczyzna ma penisa, kobieta ma tylko pustkę, która w teorii psychoanalitycznej staje się ważną częścią jej życiowej podróży. Celem tego projektu jest zrozumienie i przemyślenie na nowo roli kobiet w sztuce oraz zbadanie, w jaki sposób pustka może być źródłem kreatywności i samoekspresji.

W „Wielkie Piękno” – fikcja. Artysta wypełnia przestrzeń między kolumnami włoskiej posiadłości fotografiami ze swojego życia. Podobnie artyści w Galerii Ruarts pokazują, jak wypełniają pustkę swojej rzeczywistości. Ich prace odzwierciedlają wyjątkowe doświadczenia i emocje, pozwalając widzowi zajrzeć w ich wewnętrzny świat i zrozumieć, co dokładnie stanowi ich rzeczywistość. Każdy obraz staje się czymś więcej niż tylko obrazem, ale żywym świadectwem osobistych historii i wydarzeń życiowych uchwyconych w sztuce.

Strata, zniknięcie, niewidzialność, agresja

Wystawa logicznie podzielona jest na trzy części, połączone tematem zniknięcia i niewidzialności. Zwiedzanie należy rozpocząć od czwartego piętra, poświęconego utracie osobistej historii małej jednostki – jednego z elementów większego społeczeństwa. Ta sekcja koncentruje się na tym, jak indywidualne losy giną w upływie czasu i masowych przemian, podkreślając wagę zachowania osobistych historii w kontekście rozwoju społecznego.

Sekcja „Strata, zniknięcie, niewidzialność, agresja” prezentowana jest w minimalistycznym obrazie „Ściany” autorstwa Alexandry Paperno. Artystka ilustruje, jak zniknięcie ludzi prowadzi do utraty rzeczy i przestrzeni osobistej: kiedyś tu stał dywan, a tam fortepian, wypełniając atmosferę muzyką. Zniknięcie przedmiotów tworzy pustkę nie tylko we wnętrzu, ale także w samym sobie, związanym z konkretnym miejscem i otoczeniem. Ten projekt artystyczny podkreśla wagę przywiązania do przestrzeni i otaczających nas ludzi, zmuszając widza do refleksji nad wpływem straty na osobiste postrzeganie świata.

Projekt Eleny Artemenko „Rzeczy, które mają wagę” odzwierciedla ideę straty i znaczenia dóbr osobistych. Marmurowa koszulka porzucona na podłodze nie należy już do właściciela, a jej miejsce jest teraz puste. Aby chronić eksponat przed uszkodzeniem, przeniesiono ją na krzesło. Znany element garderoby ma znaczenie nie tylko ze względu na materiał. Drobne elementy życia codziennego, osobiste czy wspólne, reprezentują ważne aspekty naszego życia. Pomimo swojej zwyczajności, często nie dostrzegamy ich znaczenia. Projekt podkreśla, jak ważne rzeczy mogą być niezauważalne, a mimo to wywierać głęboki wpływ na naszą percepcję i pamięć.

„Utrata „Obrazu” Mayany Nasybullovej porusza tematy zniknięcia i straty. W swojej pracy artystka kupuje przedmioty na pchlich targach i gromadzi znalezione fragmenty, nadając im nowe znaczenia poprzez obrazy i postacie. Jeden z oprawionych portretów to wyblakłe zdjęcie nieznanego mężczyzny, co rodzi pytania o jego tożsamość i historię. Obok, w rozpadającej się ramie, szkliwo rozlało się po kafelku, tworząc efekt zniekształcający fotograficzną sylwetkę. Praca ta podkreśla związek między pamięcią a przedmiotami materialnymi, zachęcając widza do zastanowienia się, jak zniknięcie fizycznych obrazów wpływa na postrzeganie tożsamości i historii.

Przed Tobą instalacja, która na pierwszy rzut oka może wydawać się chaotyczną plątaniną przedmiotów: różne przedmioty są splątane w kable, a żarówki umieszczone w chaotycznie rozmieszczonych plastikowych misach. Stwarza to poczucie dyskomfortu, gdy stoisz w pobliżu dzieła. Jednak po przeczytaniu podpisu „On” z serii „Agresja” percepcja się zmienia. Uświadamiasz sobie, że kilka pistoletów wycelowanych w widza niesie ze sobą głębokie znaczenie. Czerwone, migające światło symbolizuje przekrwione „oko”, a zimne, niebieskie światło u góry kompozycji reprezentuje „umysł” agresora. Stojąc przed instalacją Natalii Turnovej, odczuwasz odrętwienie i pustkę – uczucia przywoływane przez przemoc. Praca ta skłania do refleksji nad wpływem agresji na psychikę człowieka i społeczeństwo jako całość.

Projekt „Bez tytułu” Irina Praca Nakhovej, eksponowana w sąsiedniej sali, została nagrodzona Nagrodą Kandinsky'ego. W swojej twórczości artystka porusza ważne tematy historyczne, nawiązując do epoki Wielkiego Terroru, kiedy to twarze „wrogów ludu” były poddawane eksterminacji. Na zdjęciu „Łyżwiarze figurowi” Nakhova zaciera pastelami twarze dziewcząt pozujących z trenerem. Projekt ten nie tylko zgłębia temat straty i zaginięcia, ale także odzwierciedla pustkę wypełniającą przestrzeń po tych, którzy zostali wymazani z pamięci publicznej. Artystka stworzyła obraz o rozmiarze ponad trzech metrów, bazując na materiałach z własnego archiwum, co nadaje dziełu osobisty i intymny kontekst.

Obraz jest ściśle powiązany z Portret grupowy „Kadra zarządzająca”, który jest częścią tryptyku. Czerwony jedwab spadochronowy przeciągnięty jest przez otwory, które zastępują twarze uczestników fotografii, przywołując skojarzenia z masowymi represjami terrorystycznymi. Może to symbolizować zarówno skutki postrzału kata, jak i worki na głowach skazańców. Widz ma możliwość samodzielnej interpretacji tych obrazów. Jednocześnie, po prawej stronie, trzykanałowe wideo ukazuje zniknięcie osób skazanych na zapomnienie wraz z ich dobytkiem i wspomnieniami. Ten kontrast podkreśla temat straty i zapomnienia, istotny w kontekście pamięci historycznej. Schodom na drugie piętro towarzyszy unikalny dźwięk – to nie tylko muzyka w tle, ale jeden z eksponatów. Instalacja audio Iriny Petrakowej i Dmitrija Skopincewa zatytułowana „Wiem, taki jest mój los” bada brak kobiecego głosu zarówno w sztuce, jak i w społeczeństwie. Instalacja podkreśla znaczenie głosu kobiecego i jego wpływ na kontekst kulturowy.

Przez długi czas kobiece emocje i doświadczenia były przekazywane w utworach muzycznych za pośrednictwem męskich głosów. Mężczyźni tworzyli teksty odzwierciedlające kobiece uczucia i wykonywali te partie, wypełniając w ten sposób pustkę po braku kobiecego głosu. Instalacja dźwiękowa zawiera arie z oper Czajkowskiego, a także elementy folkloru, podkreślając znaczenie głosu kobiecego w sztuce muzycznej.

Melancholia i zagubienie w czasie

Na trzecim piętrze wyróżnia się projekt Katyi Isaevej „Poranny Chór”. Inspiracją był zakątek parku Tao Dan w Sajgonie. Mieszkańcy przyprowadzają tu ptaki w klatkach, aby mogły ze sobą wchodzić w interakcje. Przejmujący charakter tej pracy polega na tym, że dziewiętnaście wystawionych klatek nie zawiera samych ptaków. Jedynym sposobem, by zobaczyć dzięcioła hawajskiego czarnogłowego, czyli szlachetnego moho, jest plakat wiszący na ścianie. Po tych wymarłych gatunkach pozostały jedynie zdjęcia, nagrania dźwiękowe ich śpiewów i puste klatki. Projekt porusza ważne kwestie wymierania gatunków i utraty różnorodności biologicznej, prowokując widza do refleksji nad związkiem człowieka z naturą.

Czas nie ma wyraźnych współrzędnych, ale jego Zagubienie można wyrazić poprzez przestrzeń. W swojej serii „Biura” artystka Maria Safronowa przedstawia opuszczone budynki szkolne na dużych płótnach, symbolizując utratę przeszłości. Zainspirowana historiami stalkerów, Taisiya Korotkova tworzy futurystyczne obiekty na starych, sklejonych obrusach, które idealnie wtapiają się w naturalny krajobraz. Lightbox Anastazji Tsajder z serii „Arkadia” ukazuje, jak natura stopniowo podbija struktury stworzone przez człowieka. To przedstawienie zagubienia w czasie ma charakter antropocentryczny, ponieważ czas, jako pojęcie, jest definiowany przez ludzi, a nie przez nich tworzony.

W swojej nowej serii „Co jest, a czego nie” Alisa Gorszenina eksploruje opuszczone rosyjskie wioski, odsłaniając ich wyjątkową atmosferę i zapomniane historie. Rzeźbione ramy okienne, niegdyś dekoracyjne, teraz obramowują puste otwory okienne, odsłaniając pustkę poza nimi. Na swoich fotografiach Alisa przedstawiona jest w ciemnym płaszczu z czerwonymi wstążkami w długich warkoczach, jakby zanurzona w świecie mitów i baśni. Domy na jej pracach ożywają, jakby patrzyły na nią i wyciągały do ​​niej ręce. Sama artystka wydaje się jednak na tych zdjęciach nieco zbędna – głównymi bohaterami tych miejsc stają się pustka i porzucenie.

Schodząc po schodach na drugie piętro i Zanurzając się w myślach o tym, co widziałeś, słyszysz smutny męski głos.

Życie obiecało mi tylko radość, dając nadzieję i jasne chwile. Każdy nowy dzień otwiera możliwości szczęścia i inspiracji. Ważne jest, aby doceniać te chwile, ponieważ wzbogacają one nasze życie i dodają mu energii. Radość wypełnia serce i zaczynamy postrzegać otaczający nas świat w nowy sposób. Każde doświadczenie, każdy uśmiech to krok w kierunku szczęśliwszego życia. Odkryj radość w prostych rzeczach i pozwól, aby stała się częścią twojego codziennego doświadczenia.

Na horyzoncie pojawiła się chmura, a wraz z nią grzmot. To naturalne zjawisko zawsze budzi zainteresowanie i szacunek. Grzmot, będący wynikiem wyładowania elektrycznego w atmosferze, towarzyszy deszczom i burzom, tworząc wyjątkową atmosferę. Natura demonstruje swoją moc, a my możemy obserwować, jak niebo się zmienia, zwiastując zmiany. Zjawiska naturalne, takie jak chmury i grzmoty, odgrywają ważną rolę w ekosystemie, pomagając nawilżyć glebę i podtrzymywać życie na Ziemi.

Wszystko, co kochałem na tym świecie,

Szczęście, nadzieje legły w gruzach.

Czuję się bardzo zmęczony i wyczerpany.

Kiedy nadchodzi noc lub dzień, myśli o nim nie odchodzą. Myśli o nim przenikają każdą minutę, wypełniając umysł. Ten obraz staje się integralną częścią codzienności, przyspieszając bicie serca. Czasami, nawet w ciszy nocy lub w zgiełku dnia, jego obecność jest odczuwalna szczególnie dotkliwie. Te uczucia i wspomnienia napełniają duszę ciepłem, tworząc atmosferę, w której każda chwila wydaje się znacząca. Ważne jest, aby pamiętać, że takie emocje mogą inspirować i dodawać sił, pomagając pokonać wszelkie trudności. Noc i dzień zlewają się w jeden strumień, gdzie tylko on pozostaje w centrum uwagi.

Dręczyłem się myślami...

Znajdowanie widzialności, tworzenie z pustki i w pustce

Wystawa ma na celu przekształcenie ponurego uczucia pustki, nieodłącznie związanego z pustką, w świadomość, że pustkę można wypełnić znaczeniem i treścią. Drugie piętro odgrywa kluczową rolę w łagodzeniu uczucia pustki, które pojawia się podczas zwiedzania górnych sal. Poziom ten tworzy atmosferę sprzyjającą głębokiej percepcji i interakcji z obiektami wystawy, pozwalając widzowi zrozumieć, że pustka to nie tylko brak czegoś, ale także okazja do tworzenia i wypełniania nowymi ideami.

Prawa strona wystawy prezentuje dwa wczesne dzieła: „Suspense” Aidan Salakhowej i „Dreams of Alexander the Great” Olgi Tobreluts, oba powstałe w 1998 roku. „Suspense” rozpoczyna głęboką eksplorację płci i ekspresji kobiecej tożsamości w twórczości Aidan Salakhowej. Dzieła te odzwierciedlają ważne aspekty kobiecego doświadczenia i sztuki, nadając im znaczenie w kontekście współczesnego dyskursu artystycznego.

Duże czarne płótno przedstawia kobietę przypominającą antyczny posąg. Początkowo obraz wydaje się statyczny, ale wkrótce jej drugie, prawdziwe „ja” oddziela się od bohaterki, a płótno zaczyna ożywać dzięki projekcji wideo. Fabuła trwa kilka minut, a gdy dociera do środka, następuje zwrot akcji: wydarzenia zaczynają się rozwijać w odwrotnym kierunku. Wydarzenia nie zachodzą, a wyniosła piękność ponownie zastyga w mroku pustki. Ta praca eksploruje tematy tożsamości i iluzji, tworząc głębokie metafory wizualne poprzez połączenie sztuki klasycznej i nowoczesnej technologii.

Kolaże „Sen o Dzieła Olgi Tobreluts „Aleksander Wielki” oparte są na rzeźbie z końca XVIII wieku „Czuwanie Aleksandra Wielkiego”, która zajmuje centralne miejsce w kompozycji. W tych pracach Aleksander, wcześniej przedstawiony w stanie czuwania, zapada w sen i zdaje się rozpływać w przestrzeni. Jego marmurowe łoże staje się puste, symbolizując utratę wizerunku zwycięskiego wojownika w kontekście historii. Artystka podkreśla, jak postać Aleksandra rozpływa się w pamięci historycznej, przywołując refleksje na temat czasu i jego wpływu na wielkie postacie.

Fotografie starożytnych posągów, wykonane na kliszy i wydrukowane na papierze wielkoformatowym, nadają dziełu przepychu i majestatu. Tymczasem cyfrowy kolaż, stworzony w 1998 roku, wydaje się nieco naiwny w porównaniu z nowoczesną technologią. Ostatnie 25 lat nie zatarło pierwotnego znaczenia dzieła, lecz przyniosło nowe brzmienie, aktualizując je w nowoczesnym kontekście.

Osobna sala prezentuje sztukę skupioną na Wyraz fizyczny, a nie treść wewnętrzna. Grupa artystyczna „Fabryka Ubrań Znalezionych”, składająca się z Natalii Persziny-Jakimanskiej i Olgi Jegorowej, w swoim projekcie społecznym „Emeryci, nie poddawajcie się” porusza istotną kwestię niewidzialności jednego z najbardziej wrażliwych segmentów społeczeństwa. Staromodne kurtki i płaszcze, wyciągnięte w stronę widza, odsłaniają ramię pokryte półprzezroczystym nylonem. Choć powstała w 2012 roku, praca pozostaje aktualna i sprawia wrażenie obiektu z początku XXI wieku, z jasną i zrozumiałą metaforą. Projekt ten zwraca uwagę na sprawiedliwość społeczną i potrzebę wspierania osób starszych, co czyni go ważnym elementem sztuki współczesnej.

Trzy Akwarele wyższe od człowieka z serii „Jak zostać”. Prace Jekatieriny Muromcewej „Niewidzialni” ilustrują „niewidzialną” klasę pracowników kultury, często przyćmiewaną przez swoją pracę. Kwestia „niewidzialnej pracy” jest istotna nie tylko dla instytucji kultury, a artystka koncentruje się na sferze najbliższej jej sercu. Rozmawiając ze swoimi bohaterami o ich zawodzie, używa delikatnych odcieni, tworząc obrazy trudne do rozróżnienia poprzez grę światła i koloru. Ci ludzie stają się widoczni i zauważalni dzięki jej pracom. W ten sposób Muromcewa porusza ważne pytania o uznanie i wartość pracowników kultury, czyniąc ich wkład w sztukę bardziej widocznym. Oglądaniu tych „społecznych” prac towarzyszą przenikliwe kobiece krzyki dochodzące zza ciemnej zasłony, gdzie odtwarzany jest film wideo Lizy Bobkovej „Jestem tutaj”. Praca ta jest uważana za jedną z najbardziej emocjonalnych na wystawie. Jej fabuła zgłębia temat pustki, ale bohaterka nie jest sama. Na bezkresnych, śnieżnych przestrzeniach kamieniołomu porusza niewidzialną Rozmówczyni krzyczy: „Słyszysz mnie? Jestem tutaj! Tutaj!!! Czy to dla ciebie ważne?!” Brakuje odpowiedzi, nie ma też namacalnego odbiorcy jej przesłania. Bohaterka jest zagubiona, zawstydzona, milczy, a potem znowu krzyczy: „A potem bardzo się boję! Bardzo się boję! Strasznie-e-e-e!!!”. Ta próba przekazania swoich uczuć przeradza się w głęboką samotność. Dualizm – monolog, który mógłby stać się dialogiem – wywołuje u widzów silną empatię. Dzieło dotyka ważnych aspektów ludzkiej natury, takich jak poszukiwanie więzi i zrozumienia, co czyni je istotnym i znaczącym w kontekście sztuki współczesnej.

Instalacja Tanyi Akhmetgalievej zatytułowana „Klotho” tworzy zamknięty cykl, zamykając „Wielką Pustkę” z tym samym wysiłkiem, który ją otwiera. Praca znajduje się na pierwszym i drugim piętrze, obok foyer, dzięki czemu jest dostępna dla publiczności. Artystka posługuje się techniką haftu, która zawsze pozostaje niedokończona, symbolizując ciągłość i rozwój. Pracując nad „Kloto”, Tania spędziła kilka tygodni w jekaterynburskiej przędzalni, uwieczniając twarze robotnic. Tak jak bogini Kloto w mitologii greckiej tka nić losu, tak artystka tworzy portrety kobiet, których twórczość jest często niedoceniana, a jednocześnie definiuje ich życie. Ta instalacja nie tylko podkreśla znaczenie pracy kobiet, ale także prowokuje do głębokiej refleksji nad rolą kobiet we współczesnym społeczeństwie.

Wystawa, stworzona zgodnie z koncepcją kuratorską, ma na celu uświadomienie sobie pustki jako przestrzeni, którą można wypełnić i która stanowi trampolinę do nowych początków. Jednak poczucie tego potencjału nie zostaje osiągnięte. Prace artystek stawiają pytanie: co właściwie można zrobić, aby uniknąć pustki w społeczeństwie, historii i w sobie?

Globalna koncepcja „wystawy kobiecej” nie stwarza wrażenia „kobiecego przesłania”. Jednym ze sposobów zademonstrowania równości w sztuce jest zorganizowanie wystawy, w której płeć artystki nie jest czynnikiem dominującym: jest obecna na liście uczestniczek, ale nie wpływa na treść prac. Ta cecha odróżnia „Wielką Pustkę” od wielu innych projektów „kobiecych”, w których płeć uczestniczek jest przesadnie eksponowana – często poprzez urazę lub freudowskie podteksty seksualne. Wysokiej jakości prace kuratorskie pokazują, jak artystki podejmują tematy wykraczające poza role płciowe i tworzą swoje dzieła w jednolitym kontekście. Wystawa podkreśla zatem znaczenie prac, które przekraczają stereotypy płciowe i promują głębsze zrozumienie sztuki współczesnej.

Wystawa będzie prezentowana w Fundacji Ruarts w Moskwie do 4 czerwca. Miejsce: Trubnikovsky Piereulok, budynek 6. Nie przegap okazji, aby wziąć udział w tym wydarzeniu kulturalnym i zobaczyć wyjątkowe dzieła sztuki.

Jeśli Szukasz ciekawych miejsc do odwiedzenia? Mamy kilka rekomendacji. Zacznij od lokalnych muzeów, gdzie możesz poznać kulturę i historię regionu. Odwiedź parki i rezerwaty przyrody, które oferują wspaniałe możliwości spacerów i aktywności na świeżym powietrzu. Odwiedź również lokalne kawiarnie i restauracje, aby spróbować regionalnej kuchni. Nie przegap okazji, aby zobaczyć wystawy i wydarzenia kulturalne, które często odbywają się w Twoim mieście. Każde z tych miejsc zapewni Ci wyjątkowe wrażenia i pozwoli Ci lepiej zrozumieć otaczający Cię świat.

Wystawy w Moskwie i Petersburgu: 10 wydarzeń na powitanie wiosny

Wraz z nadejściem wiosny stolice Rosji ożywają dzięki wydarzeniom kulturalnym. W tym sezonie Moskwa i Petersburg będą gospodarzami wielu wystaw, które zachwycą miłośników sztuki i kultury. Przygotowaliśmy listę 10 najciekawszych wystaw wartych odwiedzenia w tych miastach.

W Moskwie czekają wystawy sztuki klasycznej i współczesnej. Będziesz mógł zobaczyć prace znanych artystów i nowe projekty młodych mistrzów. W Petersburgu zaplanowano również wyjątkowe wystawy, które przybliżą Ci różnorodne nurty artystyczne i trendy kulturowe.

Odwiedzając te wystawy, nie tylko będziesz cieszyć się sztuką, ale także będziesz mieć okazję dowiedzieć się więcej o życiu kulturalnym Rosji. Uwzględnij te wydarzenia w swoim wiosennym planie podróży, aby wypełnić swoje dni inspiracją i nowymi doświadczeniami.

Dowiedz się więcej o designie, subskrybując nasz kanał na Telegramie. Znajdziesz tam interesujące materiały, aktualne trendy i przydatne wskazówki. Dołącz do społeczności miłośników designu i bądź na bieżąco z najnowszymi wiadomościami.

Dowiedz się również więcej o kobietach w designie. Kobiety odgrywają ważną rolę w tej dziedzinie, wnosząc unikalną perspektywę i kreatywne pomysły. Ich wkład w design jest różnorodny: od projektowania graficznego, przez modę, po architekturę. Ważne jest, aby zrozumieć, jak kobieca perspektywa wzbogaca proces twórczy i kształtuje współczesne oblicze designu. Poznaj przykłady odnoszących sukcesy projektantek i ich wpływ na branżę, aby lepiej zrozumieć znaczenie równości i różnorodności w środowisku kreatywnym.

• Kobiety w światowej typografii
• Jessica Walsh: 40 dni randek, 12 rodzajów życzliwości i Walsh
• Buntowniczy charakter Gunty Stölzl
• Zaha Hadid: Awangardowa architektura i statki kosmiczne z betonu
• Hella Jongerius: Uderzające eksperymenty z kolorem i formą
• Dziewczyny, wino i design: Jak branże kreatywne i feminizm są ze sobą powiązane?