Sztuka współczesna: Droga i osiągnięcia Varvary Grankovej

Spis treści:

• Mistrzowie sztuk wizualnych: porównanie artystów i ilustratorów
• MMOMA i „non-violence”
• Określanie osobistego tematu badań
• Wybieranie odpowiedniego materiału dla siebie
• Źródła dochodów dla współczesnych artystów: od sprzedaży dzieł do nowych form zarabiania pieniędzy.
• Zrozumiała sztuka
• Wystawa: Droga do wewnętrznego uzdrowienia
• Szkoła i kuratorstwo

Współczesny artysta i performer, którego prace są prezentowane w muzeach i na wystawach w całej Rosji, Włoszech i Niemczech. Jest założycielką projektu edukacyjnego „Artist Statement”, przeznaczonego dla artystów współczesnych.

Droga do sukcesu twórczego rzadko jest prosta: niektórzy osiągają swoje cele szybko i bez większego trudu, podczas gdy inni potrzebują wielu lat ciężkiej pracy, zanim zostaną docenieni. Rozmawialiśmy z Varvarą o wypaleniu zawodowym, procesie rekonwalescencji i sposobach zarabiania w dziedzinie sztuki współczesnej.

Masters of Visual Art: Porównanie artysty i ilustratora

Od najmłodszych lat sztuka stała się integralną częścią mojego życia. Chociaż nie uczęszczałam do szkoły artystycznej, udało mi się dostać do Narodowego Instytutu Projektowania, jednego z najbardziej prestiżowych wydziałów, gdzie kształciliśmy się na dyrektorów artystycznych.

Przez długi czas zajmowałam się ilustracją komercyjną. Szybko jednak zmęczyły mnie prace na zlecenie, gdzie klient kontroluje cały proces: trzeba tworzyć tylko w ramach określonego tematu i stylu. Chciałem pozbyć się tego ograniczenia.

Oprócz edukacji artystycznej, zdobyłam również wykształcenie muzyczne i zainteresowałam się tańcem współczesnym. Wybrałam ścieżkę sztuki współczesnej, ponieważ pozwala mi ona nie przywiązywać się do żadnego konkretnego kierunku.

MMOMA i „Non-Violence”

Weszłam do Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Moskwie i już podczas studiów zdałam sobie sprawę, że to jest dokładnie to, czego potrzebowałam. W ciągu roku wzięłam udział w około dziesięciu wystawach. Moja aktywność nie pozostała niezauważona i ostatecznie pracownicy MMOMA zaproponowali mi zorganizowanie wystawy indywidualnej.

Moja pierwsza wystawa odbyła się w jednym z wiodących muzeów sztuki współczesnej. Była niesamowicie wspaniała.

Pracowałam nad tą pracą przez dwa lata: w pierwszym roku skupiłam się na zgłębianiu tematu, a w drugim na wcielaniu mojego pomysłu w życie. Wystawa, którą zorganizowałam, dotyczyła przemocy i nosiła tytuł „Non-Violence”. To ciekawy paradoks: mój pierwszy ważny projekt dyplomowy dotyczył miłości, a drugi przemocy. Jednak, jeśli się nad tym zastanowić, jest w tym pewna logika.

Przygotowując się do wystawy, usystematyzowałam różne formy przemocy i opracowałam specjalny projekt cyfrowy poświęcony przemocy psychicznej. W ramach tego projektu nakleiłam na ludzi frazy, które sprawiły im najwięcej bólu w życiu, i wykonałam ich portrety. Następnie ponownie ich sfotografowałam, tym razem ze słowami, których pragnęli usłyszeć w odpowiedzi na te bolesne uwagi. Rezultatem jest seria obrazów ilustrujących zarówno traumę, jak i proces gojenia.

W ciągu nocy projekt ten przyciągnął ponad 10 000 obserwujących w mediach społecznościowych, a wkrótce potem zostałem zalany Prywatne wiadomości, w których ludzie dzielili się swoimi historiami przemocy. Zarówno znajomi, jak i nieznajomi otwierali się przede mną na temat swoich doświadczeń – było ich tak wiele, że w pewnym momencie poczułem silne wyczerpanie emocjonalne. Ten temat poruszył serca tysięcy osób. Warto jednak zauważyć, że artysta społeczny to nie psychoterapeuta.

Definiowanie osobistego tematu badań

Istotą mojej pracy jest eksploracja zarówno doświadczeń osobistych, jak i społecznych, z których wiele ma charakter traumatyczny. W młodości doświadczyłem przemocy, a to doświadczenie stało się punktem wyjścia do wyboru tematu mojej pierwszej wystawy.

Jednak osobiste doświadczenia stanowią jedynie część zagadnienia. W kontekście mojego projektu „Non-Violence” samoleczenie odgrywa rolę drugorzędną. Najważniejszym zadaniem było zrozumienie szerszego pytania: dlaczego ludzkość początkowo generuje przemoc i jakiemu celowi ona służy? Wówczas nie mogłem znaleźć odpowiedzi. Pracując nad wystawą, starałem się głębiej przeanalizować przyczyny przemocy, usystematyzować to zjawisko, zgłębić jego naturę i podjąć próbę znalezienia możliwych rozwiązań. W rezultacie udało mi się dojść do pewnych wniosków.

Obecnie, kiedy uczę, nieustannie radzę moim studentom: „Zidentyfikujcie kluczowe pytanie, które was nurtuje i na które szukacie odpowiedzi w ramach swojego projektu”.

Czasami to właśnie pytanie staje się katalizatorem kreatywności i badań naukowych. Dążąc do znalezienia odpowiedzi, zanurzacie się w analizie, samoekspresji i tworzeniu. W ten sposób sztuka staje się nie tylko wizualnym przekazem, ale także sposobem komunikacji z samym sobą i otaczającym nas światem. W sztuce współczesnej badania odgrywają kluczową rolę, choć nie ma ścisłych reguł postępowania. Często to właśnie badania stanowią fundament. Gdy zaczniesz zgłębiać dany temat, stopniowo wypracujesz sobie jasną koncepcję w trakcie całego procesu.

W dzisiejszej sztuce nie ma miejsca na absolutne i jednoznaczne stwierdzenia. Zamiast deklarować: „Przemoc jest zła” (co jest już swego rodzaju dogmatem), postanowiłem zgłębić ten problem. Nie wydawałem głośnych osądów, lecz skupiłem się na analizie przyczyn tego zjawiska.

Do jakiego wniosku doszedłem w ciągu ostatnich dwóch lat? Odpowiedź jest wręcz oczywista: przemoc prowadzi do przemocy. Jeśli nie podejmie się działań zapobiegawczych na wczesnym etapie, nieuchronnie będzie się ona rozrastać i nabierać rozpędu.

Koncepcja całej mojej wystawy opierała się na pewnej logice. Rozpoczęła się od sali poświęconej jednostce, a następnie pojawiły się eksponaty odzwierciedlające życie małych grup społecznych – szkół, wojska, więzień i domów dziecka, wszystkich zamkniętych społeczności. Wystawę zakończyła duża instalacja poświęcona Gułagowi. Ta sekwencja stworzyła wyraźną linię eskalacji.

A co w tym niesamowite: instalacja poświęcona GUŁAGOWI stała się częścią kolekcji muzeum. O dziwo, moja pierwsza indywidualna wystawa doprowadziła do tego, że ta praca natychmiast trafiła do kolekcji muzeum.

Wybór odpowiedniego materiału dla siebie

Chodzi o to, że nie ma żadnych granic. Oznacza to możliwość robienia absolutnie wszystkiego. Możesz malować, śpiewać piosenki, tańczyć, rzeźbić, pisać różne teksty, a nawet po prostu zrelaksować się i nazwać to sztuką. Uwielbiam to, bo jest tyle przestrzeni dla kreatywności. Tyle okazji do zabawy i psot. Ostatecznie artysta może zawsze odpowiedzieć na krytykę frazą z mema: „Jestem artystą, to moja interpretacja”.

Nie szukałam materiału – sam mnie znalazł. Materiał posłużył za medium. Uwielbiam wymiany i poznawanie nowych ludzi, więc prawie nigdy nie kupuję ubrań – przyjaciele przynoszą mi wszystko, czego potrzebuję podczas wymian.

Pod koniec tych imprez zawsze zostawało mi mnóstwo ubrań, które oddawałam na cele charytatywne. W pewnym momencie olśniło mnie – oto jest, moje źródło inspiracji! Z tego materiału można tworzyć arcydzieła: szyć, wywracać na lewą stronę, rzeźbić, a nawet używać jako płótna do malowania. Ubrania nie tylko wiele mówią o człowieku, ale jednocześnie skrywają jego istotę. To idealny materiał do kreatywności, oferujący praktycznie nieograniczone możliwości.

Moją pierwszą instalacją tekstylną była 12-metrowa rzeźba zaprezentowana w Winzavodzie. Następnie powróciłem do tego samego ubrania, wdrażając je w pięciu innych projektach. Postawiłem sobie za cel funkcjonowanie jako swego rodzaju mini-stacja recyklingu, wydobywając maksymalną liczbę różnych pomysłów i form z tego samego materiału.

Te badania stały się podstawą długoterminowego projektu o nazwie „Rzeczowość”. Tworzyłem instalacje z niechcianych ubrań w różnych lokalizacjach – centrach handlowych, festiwalach ekologicznych i galeriach. W 2021 roku miałam zaszczyt odebrać włoską nagrodę Arte Laguna, która dała mi możliwość zrealizowania mojego największego jak dotąd dzieła tekstylnego w Arsenale Nord w Wenecji.

W 2022 roku zainicjowałam akcję humanitarną, której celem było zbieranie odzieży dla osób zmuszonych do ucieczki z domów. Z tych rzeczy, które nie znalazły swoich właścicieli, stworzyłam wystawę zatytułowaną „Kwiaty i trawa”. Dwa dzieła z tej wystawy zostały nabyte niemal natychmiast.

Źródła dochodów współczesnych artystów: Sprzedaż prac w celu uzyskania nowych form zarobku.

Otrzymałem nagrody i kilka tysięcy euro wynagrodzenia, a także granty na moje projekty. Otrzymywałem również płatności za wystąpienia i zlecone instalacje. Chociaż te źródła dochodu są skuteczne, nie są one trwałe.

Jestem jednym z tych artystów, którzy potrafią zrobić na ludziach silne wrażenie, ale moje prace rzadko znajdują nabywców. Dzieje się tak, ponieważ nie zawsze jest możliwe umieszczenie 20-metrowej instalacji w przestrzeni mieszkalnej. Co więcej, moje prace są przesiąknięte emocjami i trudno sobie wyobrazić, że ktoś zdecydowałby się na zakup instalacji poruszającej tak trudne tematy, jak śmierć czy przemoc, do swojego domu.

Czasami myślę, że powinienem skupić się na tworzeniu większej liczby projektów wnętrzarskich niż na sztuce konceptualnej. Oczywiście prace moskiewskich konceptualistów są dość drogie, ale jest to już całkowicie oczywista inwestycja w powszechnie uznawaną sztukę.

Ludzie nabywają nie tylko przedmioty, ale także doświadczenia, symbole statusu i wartości historyczne, których wartość będzie rosła z czasem.

W tym przypadku śmierć twórcy znacząco zwiększa wartość jego dzieł, co wynika z zasad gospodarki rynkowej: po jego śmierci liczba dostępnych dzieł staje się ograniczona. Ludzie zdają sobie sprawę, że podobne prace już się nie pojawią, a w konsekwencji ich cena rośnie. Dopóki artysta żyje, jest w stanie stworzyć o wiele więcej podobnych dzieł!

Oczywiście Maurizio Cattelan to artysta, który zasłynął z wystawienia banana przyklejonego taśmą do pleców na sprzedaż za kilka milionów. Warto jednak zauważyć, że zanim osiągnął taki sukces z bananem, przez trzy dekady szokował opinię publiczną, wieszając martwe konie w muzeach.

Sztuka zrozumiała

Wielokrotnie brałem udział w dużych projektach, w które zaangażowanych było wiele osób – zarówno w proces instalacji, jak i w sam proces powstawania obiektów. Czasami pomagają mi zupełnie obcy ludzie i zaskakujące jest, jak wielu z nich chętnie przyłącza się do takich przedsięwzięć. Faktem jest, że wspólne tworzenie czegoś niezwykłego przynosi wszystkim ogromną przyjemność.

Co więcej, wiele osób odczuwa strach przed samodzielnym działaniem. Dopiero niedawno zdałem sobie sprawę, że branie na siebie takiej odpowiedzialności – wymyślanie i wdrażanie własnych pomysłów – może być naprawdę przerażające.

Dlatego o wiele łatwiej jest stać się częścią projektu zainicjowanego przez jakiegoś ekscentrycznego twórcę. Wielu z nas podświadomie wątpi w swoje zdolności artystyczne, myśląc: „Jakim jestem artystą?”. Jednak kiedy zaczynają się angażować, ich pasja do pracy pomaga im przezwyciężyć te wątpliwości.

Poczucie przynależności odgrywa znaczącą rolę w życiu ludzi. W swojej praktyce zajmuję się tematami o znaczeniu społecznym i dla wielu osób ważne jest uczestnictwo w takich publicznych dyskusjach.

W Tbilisi stworzyłem wielkoformatową instalację na szóstym piętrze opuszczonego hotelu, do której budowy potrzebowałem trzech ton ziemi. Oczywiście fizycznie nie mogłem ich sam przenieść. Jedno z pomieszczeń wypełniłem ziemią i umieściłem przezroczystą misę z naturalnym rozdarciem pośrodku. Praca ta nosiła tytuł „Żywa i martwa woda”.

Trzy tony ziemi emanującej jasnym i niezapomnianym aromatem. I łza w środku. Tak, to stwierdzenie jest proste, ale pozostawia głębokie wrażenie.

Wystawa: Droga do wewnętrznego uzdrowienia

Moja twórczość koncentruje się na naturze ludzkiej i interakcji z ludźmi, a wszystkie moje prace mają charakter społeczny. Poruszam tematy takie jak miłość, strata, przemoc, feminizm i ekologia. Te kwestie mogą być dość złożone, a czasem nawet przerażające.

Wystawy często stają się dla mnie źródłem uzdrowienia. Uczę się akceptować różne aspekty, stawiając czoła tym, co wywołuje we mnie strach. Pracując z nimi, zdobywam bezcenne doświadczenie. Każda instalacja lub obiekt stworzony we współpracy z innymi przynosi mi ulgę i wewnętrzny spokój.

Tego lata zorganizowałam swoją pierwszą wystawę zatytułowaną „Pocieszenie”, która porusza temat straty i procesu żałoby. W centrum tego projektu znajduje się moja własna historia związana ze stratą bliskiej osoby. Pracując nad pracami na wystawę, doświadczyłam na własnej skórze pięciu etapów żałoby: od zaprzeczenia i gniewu do akceptacji. Wiele z prezentowanych obiektów zostało uszytych z tkanin, które stały się symbolicznym odzwierciedleniem mojej wewnętrznej ścieżki.

Szkoła i kuratorstwo

Dokładnie rok temu założyłem własną szkołę dla współczesnych artystów o nazwie „Artist Statement”. Ta decyzja była naturalną konsekwencją mojego nagromadzonego doświadczenia zawodowego, które pozwoliło mi przejść do nowego etapu – dzielenia się wiedzą i pasją do sztuki współczesnej.

Uwielbiam inspirować młodych artystów do śmiałości, odkrywania swoich prawdziwych zainteresowań i pracy z tematami, które ich naprawdę ekscytują, a nie tym, co jest obecnie popularne.

Dlaczego zdecydowałam się otworzyć własną szkołę? Wszystko zaczęło się od tego, że artyści zaczęli zgłaszać się do mnie na konsultacje. Zrozumiałam, że są niesamowitymi jednostkami, ale wielu z nich brakowało wiary w swoje umiejętności. Nie potrzebowali rady, jak najlepiej zaprezentować swoje prace w galerii czy jak prawidłowo zorganizować portfolio, ale raczej ważnego poczucia pewności siebie, że są prawdziwymi artystami, a nie oszustami.

W naszej szkole współpracujemy z psycholog Nastyą Eremyan. W ramach programu koncentrujemy się na pokonywaniu różnych przeszkód psychologicznych, takich jak brak pewności siebie, prokrastynacja i wewnętrzny krytyk. Udało nam się stworzyć atmosferę ciepła, bezpieczeństwa i zaufania, która wyróżnia nas spośród wielu innych placówek edukacyjnych.

W październiku W 2025 roku zorganizowałam wystawę prac moich studentów, która stała się dla mnie wydarzeniem. To było moje pierwsze doświadczenie kuratorskie. Ten projekt otworzył nowy wymiar komunikacji: działałam nie jako twórca, ale jako medium, przekazując cudze idee i obrazy. Doprowadziło to do zupełnie innego poziomu interakcji. Aktywnie uczestniczyłam w procesie twórczym ze studentami, co pozwoliło nam się zbliżyć. Doświadczyłam mnóstwa pozytywnych emocji! W rezultacie uświadomiłam sobie prostą prawdę: dając, otrzymujesz.

Na naszym kanale w Telegramie znajdziesz mnóstwo angażujących treści o projektowaniu. Dołącz do nas!

Przeczytaj również:

• Pięciu współczesnych artystów, których warto poznać.
• „Nic nie może istnieć w izolacji”. Rozmowa z Ariną Zhuravlevą.
• Plakaty Koichiego Sato: osiem prac skłaniających do refleksji nad życiem.
• Pięciu utalentowanych artystów, z których każdy wychowuje kilkoro dzieci, dzieli się swoimi doświadczeniami na temat tego, jak udaje im się harmonijnie łączyć obowiązki rodzinne z pracą twórczą.
• Sztuka renowacji: osiem najbardziej skandalicznych przypadków.