VKHUTEMAS: jego znaczenie i wpływ na historię designu

Spis treści:

• Historia: od źródła
• Ewolucja skrótów w kontekście rewolucyjnych zmian
• Ewolucja: droga do gospodarki planowej

WCHUTEMAS to słowo klucz w dziedzinie designu, które przywołuje skojarzenia z socjalistyczną utopią, wybitnymi innowatorami i wiarą, że projektanci i inżynierowie mogą stworzyć nowy, sprawiedliwy i piękny świat.

Badamy początki warsztatów artystycznych i technicznych oraz przyczyny ich zniknięcia z pamięci historycznej.

Historia: od źródła

Rok 1825 stał się przełomowy dla Petersburga, kiedy hrabia Siergiej Grigoriewicz Stroganow otworzył bezpłatną Szkołę Rysunku, skupiającą się na sztuce i rzemiośle. Ale co skłoniło go do podjęcia tego kroku? Aby zrozumieć motywację założyciela, warto przyjrzeć się jego osobowości i ówczesnemu kontekstowi historycznemu.

Stroganow pochodził z jednej z najsłynniejszych dynastii Imperium Rosyjskiego. Jego rodowód obejmował baronów, właścicieli fabryk na Uralu, wpływowych przemysłowców i dyplomatów. Poprzez małżeństwo z kobietą z jego rodziny otrzymał również tytuł hrabiego, co przyniosło mu dziesiątki tysięcy chłopów, którzy powiększyli jego majątek, a także znaczącą kolekcję dzieł sztuki.

Był wysoko wykształcony, spędzał dużo czasu za granicą i podzielał oświeceniowe ideały, że elity powinny dzielić się kulturą i wiedzą z niższymi klasami społecznymi. Później można go było określić jako wnikliwego ekonomistę politycznego, który szczerze troszczył się o swój kraj.

Na początku lat dwudziestych XIX wieku rosyjski sektor przemysłowy pozostawał w tyle za krajami europejskimi, co prowadziło do dużego uzależnienia od dostaw zagranicznych. W 1822 roku wprowadzono system protekcjonistyczny mający na celu ograniczenie importu tekstyliów. Przyczyniło się to do rozwoju przemysłu tkackiego i farbiarskiego, a w szczególności w Iwanowie zaczęły powstawać duże manufaktury.

Inicjatywa Stroganowa, aby utworzyć wyspecjalizowaną instytucję edukacyjną w dziedzinie sztuki, wpisuje się w tę koncepcję. Taka instytucja stała się niezbędna do kształcenia wykwalifikowanych rysowników w Rosji, zorientowanych na rynek krajowy. Byli to nie tylko artyści akademiccy, ale także ci, od których oczekiwano pracy w dziedzinie rzemiosła: „...opanować sztukę rysunku, bez której żaden rzemieślnik nie jest w stanie tworzyć produktów z możliwą doskonałością”.

Instytucja edukacyjna przyjmuje studentów z różnych warstw społecznych, w oparciu o ich talenty, zdolności i zdolności artystyczne – rekrutacja musi odbywać się na zasadzie konkursu. Szkoła jest w całości finansowana przez Stroganowa, który zapewnia również wsparcie ubogim uczniom. Uczniowie specjalizują się w trzech obszarach:

• rysunek, zagadnienia geometryczne, tworzenie wizerunków samochodów;
• tworzenie wizerunków postaci i zwierząt;
• przedstawianie roślin i ozdób.

W 1843 roku Stroganow przekazał placówkę edukacyjną pod zarząd państwa i stała się ona znana jako Druga Szkoła Rysunkowa. Jakiś czas później, w 1860 roku, placówkę przemianowano na Szkołę Rysunku Technicznego imienia Stroganowa.

Przed rewolucją nastąpiły jeszcze dwie zmiany nazwy, a każda z nich podkreślała, że ​​edukacja w szkole była związana z praktyką artystyczną niezbędną do pracy w sektorze przemysłowym.

Ewolucja skrótów w kontekście przemian rewolucyjnych

24 kwietnia 1918 roku w Piotrogrodzie odbyła się Wszechrosyjska Konferencja Studentów Sztuk Pięknych, na której wyrażono postulat stworzenia nowej szkoły artystycznej, odmiennej od tradycyjnych i burżuazyjnych podejść, odpowiadającej duchowi nowych czasów, państwa i człowieka.

Rewolucyjne zmiany w edukacji artystycznej rozpoczęły się od niższych szczebli. W kwietniu 1918 roku w Piotrogrodzie odbyła się konferencja studentów uczelni artystycznych, na której zatwierdzono „Kartę Wolnego Państwowego Warsztatu Edukacyjnego Artystycznego”. Rezolucja tej konferencji proklamowała całkowitą wolność artystów, prawo do niezależnego wyboru liderów, decentralizację sztuki, a także rozbudowę sieci placówek edukacyjnych w regionach wojewódzkich.

Podczas konferencji uczestnicy sformułowali główne idee, które ich zdaniem powinny stać się podstawą zarówno sztuki współczesnej, jak i przyszłej. Stwierdzili: „Uznajemy liderów za pierwszych wśród równych w twórczych warsztatach. Aby zrozumieć utracone umiejętności, tworzymy wspólnoty edukacyjne i pracy; stając się mistrzami, będziemy w stanie odpowiedzieć na wymagania państwa i czasu; stajemy się aktywnym elementem systemu państwowego, dostarczając specjalistów we wszystkich dziedzinach sztuki, promując ideę znaczenia sztuki w społeczeństwie i demokratyzując je, opierając się na wielkich tradycjach sztuki ludowej”.

Czasopismo naukowo-praktyczne „Sztuka i Kultura”, nr 3 (35) z 2019 r.

2 sierpnia 1918 r. przyjęto Dekret Rady Komisarzy Ludowych w sprawie „Zasad przyjmowania na studia wyższe”.

Każda osoba, bez względu na płeć i obywatelstwo, która ukończyła szesnaście lat, ma prawo wstępu do dowolnej uczelni wyższej bez konieczności przedstawiania dyplomu, świadectwa lub zaświadczenia o ukończeniu szkoły średniej lub innej instytucji edukacyjnej.

Zabronione jest wymagać od kandydatów jakichkolwiek dokumentów, z wyjątkiem zaświadczeń potwierdzających tożsamość i wiek.

Wszystkie wyższe uczelnie Republiki, zgodnie z uchwałą „w sprawie wprowadzenia obowiązkowego kształcenia łączonego” (Dz. U. Nr 387, art. 499), są zobowiązane do przyjmowania studentów bez względu na płeć. Naruszenie tego przepisu może skutkować postawieniem wszystkich odpowiedzialnych osób przed Trybunałem Rewolucyjnym.

5 września 1918 roku Centralna Szkoła Sztuki Przemysłowej im. Cesarza Stroganowa przestała istnieć. Jej pomieszczenia i zasoby materialne zostały przekazane Pierwszym Państwowym Wolnym Warsztatom Artystycznym.

Zgłoszenia od wszystkich zainteresowanych zostały otwarte zgodnie z instrukcjami Rady Komisarzy Ludowych.

13 grudnia 1918 roku w Moskwie, na bazie Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, utworzono Drugie Państwowe Wolne Warsztaty Artystyczne.

Przeczytaj także:

Bauhaus i VKHUTEMAS: Etapy rozwoju wzornictwa w latach 20. i 30. XX wieku

Lata 20. i 30. XX wieku przyniosły znaczące zmiany w świecie wzornictwa, naznaczone wpływem dwóch kluczowych instytucji edukacyjnych – Bauhaus w Niemczech i WCHUTEMAS w Rosji. Szkoły te stały się ośrodkami innowacyjnej myśli i eksperymentów, wyznaczając kierunek rozwoju nowoczesnej sztuki i wzornictwa.

Bauhaus, założony w 1919 roku w Weimarze, dążył do połączenia sztuki artystycznej z przemysłową. Podejście to wyrażało się w stosowaniu funkcjonalnych form i prostocie linii, co stanowiło trafną odpowiedź na wymagania epoki. W Bauhausie nauczali tak znani mistrzowie, jak Wasilij Kandinsky i László Moholy-Nagy, których idee inspirowały studentów do tworzenia unikatowych obiektów w harmonii z epoką przemysłową.

Z kolei WCHUTEMAS, otwarty w 1920 roku w Moskwie, również kładł nacisk na integrację sztuki i technologii, kładąc jednak szczególny nacisk na ideały socjalistyczne. Powstawały tu projekty, które miały służyć społeczeństwu i odzwierciedlać nową rzeczywistość porewolucyjnej Rosji. VKHUTEMAS stał się inkubatorem dla wielu artystów i projektantów, takich jak Aleksander Rodczenko i Warwara Stiepanowa, którzy poszukiwali niekonwencjonalnych rozwiązań i aktywnie wdrażali nowe materiały. Obie szkoły, pomimo różnic w filozofii i podejściu, pozostawiły niezatarty ślad w świecie designu. Ich eksperymentalne metody i śmiałe pomysły inspirowały pokolenia twórców, torując drogę dalszym innowacjom w sztuce, architekturze i designie, które nadal wpływają na współczesne społeczeństwo. Placówki edukacyjne podlegały Departamentowi Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu Edukacji. Zamiast tradycyjnej struktury rektorów i dziekanów istniały Rady Głównych Mistrzów, z których niektórzy nauczali jednocześnie w Pierwszej i Drugiej Instytucji Edukacyjnej.

Pierwszeństwo nie wymagało zdawania egzaminów, nie było też ograniczeń co do płci, wieku ani poziomu wcześniejszego wykształcenia.

Zajęcia były bezpłatne.

Studenci mogli swobodnie wybierać konkretny warsztat lub mistrza i swobodnie poruszać się między różnymi obszarami.

Proces edukacyjny opierał się na wspólnej pracy studentów i mentorów, z których każdy prowadził zajęcia, stosując własne, unikalne podejście. W tym kontekście nie przestrzegano ścisłych metod akademickich ani ustalonych norm.

Nie było ścisłych standardów dotyczących wyglądu uczniów ani ograniczeń w zachowaniu.

We wrześniu 1919 roku Rada Mistrzów Drugich Warsztatów przestała istnieć. W lipcu 1920 r. Pierwszy i Drugi Warsztat połączyły się, w wyniku czego powstały Wyższe Warsztaty Artystyczno-Techniczne.

• System edukacji przeszedł znaczące zmiany i zyskał bardziej rygorystyczne ramy, ponieważ dotychczasowa, całkowicie bezpłatna edukacja, bez żadnych reguł, stała się jednym z powodów reformy. W 1923 roku podjęto decyzję o przywróceniu egzaminów wstępnych.
• Nowy naród przezwyciężył skutki rewolucyjnego chaosu i konfliktów zbrojnych, dążąc do usprawnienia gospodarki i rozwoju sektora przemysłowego. Wiodące kręgi partyjne i aparatu państwowego zdały sobie sprawę, że dla wzmocnienia władzy proletariackiej konieczne jest celowe kształcenie specjalistów, w tym profesjonalistów w dziedzinie twórczości.

W WCHUTEMASIE utworzono osiem kierunków kształcenia: architektura, malarstwo, rzeźba, druk, tekstylia, ceramika, obróbka drewna i obróbka metali.

Przeczytaj także:

Rozmowa z El Lissitzkym o projektowaniu i sztuce 105 lat później.

WCHUTEMAS nie ograniczał się do statusu instytucji edukacyjnej w Moskwie, ale reprezentował cały system edukacyjny o dość uniwersalnej strukturze i koncepcyjnie spójnym programie skupionym na Architektura, wzornictwo przemysłowe i design. Mistrzowie przekazywali swoją wiedzę studentom nie tylko w Moskwie, ale także w miastach takich jak Piotrogród, Witebsk (gdzie powstała Witebska Ludowa Szkoła Artystyczna pod kierownictwem Marca Chagalla) i Jekaterynburg.

Metoda stosowana w VKHUTEMAS wyróżniała się awangardowym charakterem nie tylko dlatego, że w warsztatach pracowali artyści reprezentujący ruch awangardowy, ale także dlatego, że szkoła stawiała sobie za cel innowacyjność. Celem nie było jedynie nauczanie rysunku czy projektowania; Tutaj starano się wykształcić specjalistów zdolnych do przemyślenia organizacji produkcji, życia codziennego i estetyki w ogóle.

Czytaj także:

El Lissitzky: Stwórca Nowego Świata

W ciągu pierwszych dwóch lat studiów wszyscy studenci VKHUTEMAS uczestniczyli w kursie wprowadzającym na wydziale głównym. W ramach tego kursu zapoznali się z podstawami różnych specjalności, w tym nauk humanistycznych, a także opanowali pracę z kompozycją, kolorem, objętością i rozwiązaniami przestrzennymi. To podejście odróżniało nową szkołę od tradycyjnego kształcenia akademickiego.

Ewolucja: droga do gospodarki planowej

Do 1926 roku WCHUTEMAS ostatecznie odszedł od rewolucyjnych dążeń w dziedzinie sztuki i zaczął koncentrować się na zadaniach związanych z realną produkcją.

W 1927 roku WCHUTEMAS w Moskwie i Leningradzie ponownie zmienił nazwę, przekształcając się w jeszcze bardziej ustrukturyzowane instytucje, otrzymując status Wyższych Instytutów Artystycznych i Technicznych.

Ta transformacja nie była wynikiem przypadkowych okoliczności ani osobistych ambicji poszczególnych dyrektorów szkół; była podyktowana aktualną sytuacją polityczną w kraju. W grudniu 1927 roku, dziesięć lat po rewolucji październikowej, odbył się XV Zjazd Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii (bolszewików), który określił nowy kierunek rozwoju, ukierunkowany na kolektywizację i industrializację. Podczas zjazdu zatwierdzono dyrektywy, zgodnie z którymi procesy gospodarcze w kraju miały być realizowane w ramach konkretnych planów pięcioletnich. Aby przyspieszyć postęp gospodarczy, kraj potrzebował artystów, architektów i projektantów zdolnych do realizacji zamówień przemysłowych. Musieli nie tylko zniszczyć stare tradycje w duchu awangardy i zbudować niebiańskie marzenia, ale także skupić się na rozwijaniu technologii, które można od razu wdrożyć w produkcji, tworząc istotne i użyteczne projekty na dziś.

Przeczytaj także:

Historia związana z unikalnym projektem „Latające miasto” należy do pióra Georgija Krutikowa. Ten projekt stał się prawdziwym symbolem innowacyjności i kreatywności w architekturze. Stworzenie tak koncepcyjnej przestrzeni inspiruje do myślenia o przyszłości, w której elementy miejskie łączą się z naturą, reprezentując harmonijne współistnienie. Krutikov dążył nie tylko do estetyki, ale także do funkcjonalności, eksplorując nowe horyzonty dla życia w mieście. Jego prace otwierają przed nami nowe perspektywy, pozwalając nam wyobrazić sobie, jak mogłyby wyglądać nasze osiedla w przyszłości.

W VKhUTEIN:

• Czas trwania studiów na wydziale głównym został skrócony z dwóch lat do jednego roku.
• Czas trwania studiów został wydłużony z czterech do pięciu lat.
• Utworzono siedem wydziałów: drukarski, dermatologiczny, architektoniczny, malarski, rzeźbiarski, ceramiczny i tekstylny.

WKhutein formuje nowe pokolenie artystów, których celem jest wspieranie produkcji przemysłowej, organizowanie życia codziennego i aktywny udział w kulturalnej i politycznej walce klasy robotniczej.

Niewątpliwie WKhutein odgrywa ważną rolę w kształceniu artystów-inżynierów, co z kolei przyczynia się do rozwiązywania istotnych problemów w dziedzinie rozwoju gospodarczego kraju. W strukturze wyższego szkolnictwa technicznego zajmuje stabilną i jasno określoną pozycję. Głównym celem i sensem jego istnienia jest kształcenie wykwalifikowanych specjalistów, niezbędnych do efektywnego i jakościowego rozwoju przemysłu socjalistycznego.

Ponadto WCHUTEIN realizuje inne ważne zadanie. Kształci wysoko wykwalifikowanych specjalistów, niezbędnych do realizacji kulturalnego budownictwa socjalistycznego. Zakres specjalizacji stale się poszerza. Postęp w przemyśle jest nierozerwalnie związany z rozwojem proletariackiej rewolucji kulturalnej.

P. W swojej pracy „O naturze W.Ch.U.T.I.”, napisanej 10 maja 1929 roku, Nowicki analizuje podstawy i charakter tej instytucji artystycznej.

Zmiany w szkole artystycznej nie ograniczyły się jednak do tego – w 1930 roku rozpoczęła się reforma całego systemu szkolnictwa wyższego w Związku Radzieckim.

W 1930 roku moskiewski WChUTEIN przestał istnieć, a na jego pozostałościach utworzono samodzielne placówki edukacyjne.

• Architektoniczny.

Stał się właścicielem budynku Szkoły Stroganowa, od której zaczęła się historia, i to stało się podstawą powstania MARI.

• Drukarski.

Później ta instytucja edukacyjna uzyskała status Moskiewskiego Państwowego Uniwersytetu Drukarskiego, a następnie stała się integralną częścią Moskiewskiego Uniwersytetu Politechnicznego.

• Tekstylny.

Obecnie instytucja ta nosi nazwę Moskiewski Państwowy Uniwersytet Tekstylny im. A.N. Kosygina.

• Sztuka.

Obecnie jest to Moskiewski Państwowy Akademicki Instytut Sztuki im. W.I. Surikow.

W kwietniu 1930 roku leningradzki Instytut Sztuk Pięknych im. W. Surikowa został przekształcony w Instytut Sztuk Pięknych Proletariackich, a katedry malarstwa i rzeźby przeniesiono z moskiewskiego Instytutu. Dwa lata później, w 1932 roku, instytucja ta stała się Leningradzkim Instytutem Malarstwa, Rzeźby i Architektury, znanym obecnie jako Petersburska Akademia Sztuk Pięknych im. Ilji Riepina. W tym samym roku, 1932, nauczanie malarstwa i rzeźby powróciło do Moskwy: najpierw utworzono katedrę w Instytucie Graficznym, a następnie na jej bazie powstał Moskiewski Instytut Sztuk Pięknych. Od 1948 roku ta instytucja edukacyjna nosi nazwę Moskiewski Państwowy Akademicki Instytut Sztuki im. W. I. Surikowa. Podobne procesy miały miejsce w innych instytucjach szkolnictwa wyższego: katedry przekształcono w samodzielne, wyspecjalizowane instytuty. Instytucje te kładły mniejszy nacisk na wiedzę teoretyczną niż uniwersytety akademickie, koncentrując się na kształceniu praktycznym – wszystko to miało na celu szybkie wyszkolenie dużej liczby specjalistów w kontekście rodzącej się industrializacji.

W osobnym artykule opowiemy szczegółowo o nauczycielach i uczniach VKHUTEMAS, a także o ich osiągnięciach i wkładzie w sztukę.

Na naszym kanale Telegram znajduje się wiele fascynujących informacji o designie. Dołącz do nas!

Czytaj również:

• Konstruktywizm w designie: Ilustracje i przykłady

  Konstruktywizm jako ruch w designie narodził się na początku XX wieku i stał się ważnym etapem w rozwoju architektury i sztuki. Ruch ten kładł nacisk na funkcjonalność i praktyczność, a także dążył do połączenia sztuki z produkcją przemysłową.

  Do uderzających przykładów konstruktywizmu należą prace takich architektów jak Władimir Tatlin i Mojżesz Ginzburg. Na przykład Tatlin zaproponował projekt „Wieży Tatlina”, który miał symbolizować osiągnięcia rosyjskiego ruchu rewolucyjnego. Projekt ten stał się nie tylko architektonicznym, ale także koncepcyjnym wyrazem nowej ery.

  Innym znaczącym przykładem jest moskiewski budynek „Narkomfin”, zaprojektowany przez Ginzburga. Ta konstrukcja ucieleśnia idee konstruktywizmu, łącząc elementy funkcjonalne z rozwiązaniami estetycznymi odzwierciedlającymi ducha epoki.

  Konstruktywizm przejawiał się również w projektowaniu graficznym i sztuce, na przykład w pracach Aleksandra Rodczenki, który wykorzystywał nowe techniki typograficzne i rozwiązania kompozycyjne, aby przekazać swoje idee odbiorcy. Jego plakaty i książki stały się wzorem dla wielu kolejnych pokoleń projektantów.

  Zatem konstruktywizm w projektowaniu można uznać za ważne zjawisko, które wpłynęło na rozwój nie tylko architektury, ale także innych dziedzin sztuki i wzornictwa.

• Bauhaus wywarł znaczący wpływ na kulturę światową i całe społeczeństwo. Ten wyjątkowy eksperyment artystyczno-architektoniczny, który narodził się na początku XX wieku, wprowadził nowe podejście do projektowania, łączące sztukę i rzemiosło. Ruch ten kładł nacisk na funkcjonalność i prostotę formy, co ostatecznie zmieniło postrzeganie wyglądu przedmiotów codziennego użytku, budynków, a nawet całych miast.

  Filozofia Bauhausu wprowadziła również do życia publicznego ideę, że wzornictwo może być dostępne dla każdego. Przyczyniła się do demokratyzacji sztuki i wzywała do tworzenia przedmiotów estetycznych, a jednocześnie praktycznych. Było to szczególnie istotne w okresie powojennym, gdy zaistniała potrzeba renowacji i modernizacji infrastruktury.

  Wpływ Bauhausu jest odczuwalny do dziś. Wielu współczesnych architektów, projektantów i artystów czerpie inspirację z zasad tego ruchu. Idee minimalizmu, racjonalności i harmonii z otoczeniem, które stanowiły jego fundament, nadal są aktualne we współczesnym wzornictwie i architekturze. W ten sposób dziedzictwo Bauhausu żyje w naszych domach, obiektach i przestrzeniach miejskich, kształtując nasz pogląd na świat.

• Bauhaus, jako słynna szkoła projektowania i architektury, odcisnął swoje piętno nie tylko w Europie, ale także w Rosji. Chociaż w naszym kraju nie istniały bezpośrednie odłamy tej szkoły, wpływ jej idei jest odczuwalny w pracach wielu rosyjskich architektów i projektantów. Szczególnie w okresie sowieckim wiele zasad Bauhausu zostało zaadaptowanych i wykorzystanych w projektowaniu budynków publicznych i osiedli mieszkaniowych.

  We współczesnych rosyjskich miastach można odnaleźć elementy stylu Bauhaus w architekturze, zwłaszcza w takich stylach jak funkcjonalizm i minimalizm. Wielu architektów, inspirując się koncepcjami Bauhausu, dąży do tworzenia praktycznych i estetycznych przestrzeni. Co więcej, różnorodne wystawy i programy edukacyjne nadal zgłębiają idee tej legendarnej szkoły, podtrzymując jej dziedzictwo i znaczenie we współczesnym kontekście.

  Wpływ Bauhausu w Rosji jest zatem odczuwalny w jego dziedzictwie w architekturze, projektowaniu i inicjatywach edukacyjnych, co dowodzi jego znaczenia w naszych czasach.

• Budynek Narkomfina: Jaki był los architektonicznej utopii?
• Brutalizm to styl architektoniczny, który pojawił się w połowie XX wieku i charakteryzuje się masywnymi formami, funkcjonalnością i wykorzystaniem betonu jako głównego materiału budowlanego. Styl ten jest często kojarzony z surowymi, dyskretnymi strukturami, które podkreślają jego konstruktywny charakter.

  Elewacje budynków brutalistycznych charakteryzują się zazwyczaj surowymi fakturami i niedokończonymi powierzchniami. Co więcej, ich projekty często opierają się na utylitaryzmie i odpowiedzialności społecznej, co czyni je funkcjonalnymi i dostępnymi dla ogółu społeczeństwa.

  Aby zobaczyć przykłady brutalizmu, można odwiedzić różne miasta na całym świecie. Metropolie takie jak Londyn, Paryż i Boston mogą pochwalić się wybitnymi przykładami tego stylu. Na przykład słynne Broomley Arts Centre w Londynie czy budynek biblioteki w Bostonie to uderzające przykłady architektury brutalistycznej.