Wpływowi mecenasi sztuki: 5 kobiet w sztuce rosyjskiej i międzynarodowej

Spis treści:

• Isabella Stewart Gardner: Buntownicza dusza z klejnotem
• Gertruda Stein: Centrum Kultury przy Rue de Fleurus 27
• Peggy Guggenheim: Sztuka przesiąknięta każdą chwilą
• Elizawieta Mamontowa: Ciepło i hojność duszy kupca
• Maria Tenisheva: Poświęcenie sztuce bez granic
• Wkład kobiet mecenasów w rozwój kultury i Sztuka

W 1906 roku Pablo Picasso tworzy portret kobiety, który radykalnie zmienia jego los. Powodem tego nie są uczucia romantyczne, lecz wsparcie finansowe: obraz przedstawia Gertrudę Stein nabywającą jego dzieła, mimo że cały Paryż uważa je za nic więcej niż brednie szaleńca.

Dwie dekady później te malarskie pociągnięcia pędzlem będą wyceniane na miliony.

Opowiemy o mecenasach sztuki z Bostonu, Paryża i Moskwy, którzy inspirowali artystów, kształtowali przyszłość sztuk pięknych i przechowywali w swoich zbiorach wybitne dzieła sztuki.

Isabella Stewart Gardner: Buntownicza dusza z drogocennym kamieniem

Isabella przechadzała się ulicami Bostonu w towarzystwie lwa, ozdobiona we włosach diamentami przypominającymi orzechy włoskie. Była oddaną fanką drużyny Boston Red Sox i przyjaźniła się z bokserem Johnem Lawrence'em Sullivanem.

Jej życie rozpoczęło się w 1840 roku w zamożnej nowojorskiej rodzinie. Później wyszła za mąż za Johna Gardnera, członka bostońskiej arystokracji. W 1865 roku spotkała ją tragedia: straciła jedynego syna. Poroniła i zmarło kilku bliskich, co doprowadziło ją do głębokiej depresji. Lekarze zalecali podróż do Europy jako formę terapii. To właśnie tam odkryła swoją miłość do sztuki.

Portret namalowany przez Johna Sargenta w 1888 roku, który powstał pod jej patronatem, został usunięty z wystawy w St. Botolph's Club w Bostonie. Decyzję tę podjął jej mąż, biorąc pod uwagę plotki, że dekolt obrazu jest zbyt wyzywający.

W ciągu swojego życia nabyła 60 dzieł sztuki stworzonych przez Sargenta.

W 1891 roku, po śmierci ojca, odziedziczyła 1,75 miliona dolarów, co w przeliczeniu na dzisiejsze pieniądze stanowi około 62,5 miliona dolarów. To wydarzenie zapoczątkowało jej pasję kolekcjonerską. Zaprosiła jako konsultanta Bernarda Berensona, wówczas czołowego amerykańskiego eksperta w dziedzinie sztuki włoskiego renesansu z końca XIX i początku XX wieku.

Motto Gardnera dotyczące sztuki brzmiało: „C'est mon plaisir”, co można przetłumaczyć jako „To dla mnie przyjemność”.

W kolekcji znalazły się dzieła takich mistrzów jak Tycjan, Rembrandt, Botticelli, Rafael, Dürer i Matisse.

W 1898 roku, po stracie męża, Isabella rozpoczęła tworzenie Muzeum Fenway Court w Bostonie, które otworzyło swoje podwoje dla publiczności w 1903 roku. Pozostawiła je jako spuściznę dla społeczeństwa, stawiając jednocześnie warunek, że wystawa nie zostanie zmieniona.

Nadal nie jest to możliwe.

Autoportret namalowany przez Rembrandta, wcześniej zakupiony przez Gardnera, został sprzedany na aukcji Christie's w 2009 roku za 33 miliony dolarów. W centrum kolekcji znajdowało się niezwykle cenne dzieło, Koncert Vermeera, skradzione w 1990 roku i wycenione na 200 milionów dolarów.

Kradzież pozostaje nierozwiązana.

Przeczytaj także:

Oto pięć interesujących faktów na temat dzieła sztuki „Dziewczyna z perłą”:

1. Ten obraz został namalowany przez holenderskiego mistrza Johannesa Vermeera w 1665 roku i jest uważany za jedno z jego najsłynniejszych dzieł. Często nazywany jest „holenderską Moną Lisą” ze względu na popularność i enigmatyczny wyraz twarzy modelki.

2. Obraz przedstawia młodą dziewczynę patrzącą przez ramię, której twarz rozświetla delikatne światło. Ma na sobie jasnoniebiesko-żółtą szatę, a główną ozdobą jest duży perłowy kolczyk, który przyciąga uwagę widza.

3. Vermeer zastosował technikę światłocienia, aby uzyskać efekt trójwymiarowości i głębi. Ta cecha nadaje obrazowi realizm i żywotność, co czyni go szczególnie atrakcyjnym.

4. „Dziewczyna z perłą” przez długi czas znajdowała się w prywatnych kolekcjach i nie była znana szerszej publiczności. Dopiero w XIX wieku obraz trafił do Muzeum Mauritshuis w Hadze, gdzie znajduje się do dziś.

5. Obraz ten zainspirował liczne interpretacje w różnych dziedzinach sztuki, w tym powieść i film, co świadczy o jego wpływie na kulturę i sztukę w ogóle.

Gertruda Stein: Centrum Kultury przy Rue de Fleurus 27

Stein urodziła się w 1874 roku w zamożnej rodzinie żydowskiej. Studiowała psychologię u Williama Jamesa, ale wkrótce postanowiła porzucić studia medyczne, ponieważ medycyna jej nie interesowała. W 1903 roku przeprowadziła się do Paryża.

Paryskie mieszkanie Stein nie było muzeum w tradycyjnym tego słowa znaczeniu. Każdej soboty w jej murach gromadzili się ci, którzy pragnęli zajrzeć do świata sztuki jutra: tutaj Picasso i Matisse wymieniali się przemyśleniami na temat kubizmu, Hemingway uważał ją za swoją literacką matkę chrzestną, a Fitzgerald cenił jej mądrość i chętnie słuchał jej rad.

Alice B. Toklas zauważyła: „Stopniowo coraz więcej ludzi zaczęło przychodzić na Rue de Fleurus, aby zobaczyć dzieła Matisse’a i Cézanne’a. Matisse przyciągał widzów, z których każdy przyprowadzał kogoś nowego, a tłumy przychodziły o każdej porze, co wkrótce stało się dość męczące. I tak zaczęły się sobotnie wieczory”.

Stein intuicyjnie wyczuwała talenty, które istniały w paryskich kręgach.

„Wśród nich były trzy wybitne osobowości – Gertrude Stein, Pablo Picasso i Alfred Whitehead… „Za każdym razem, gdy spotykałam któregoś z nich, rozbrzmiewał we mnie szczególny, rezonujący dźwięk” – Toklas podzieliła się swoimi wspomnieniami w swoim biografia.

Pewien artysta, którego nazwisko pozostaje w cieniu, przynosi swoje niezwykłe obrazy do galerii przy rue de Fleurus. Właścicielka lokalu, silna Amerykanka o ostrym, przenikliwym spojrzeniu, postanawia je kupić.

W kolekcji Stein znajdowały się dzieła takich mistrzów jak Matisse, Picasso, Cézanne i Renoir. Nabywała je za niewielkie sumy, przekonana o wartości czegoś, czego nikt inny nie dostrzegał, podczas gdy znajomi patrzyli na nią z niedowierzaniem, a krytycy kpili z tej osobliwej sztuki.

Obecnie jej „błędy” są wystawiane w największych muzeach na całym świecie i osiągają astronomiczne ceny na aukcjach: dzieła Picassa z kolekcji Stein są sprzedawane za 20–30 milionów dolarów.

Czytaj także:

Picasso poruszał w swojej twórczości wiele tematów, ale można wyróżnić pięć głównych kierunków, które są szczególnie wyraziście odzwierciedlone w dziesięciu jego obrazach.

Pierwszym z kluczowych tematów jest wojna i przemoc. W swoim słynnym dziele „Guernica” artysta wyraził grozę i cierpienie spowodowane hiszpańską wojną domową. Dzieło to stało się symbolem walki z agresją i zniszczeniem.

Drugim ważnym tematem jest miłość i relacje. W obrazie „Les W „Panienach z Awinionu” Picasso zgłębia złożone aspekty kobiecej natury i interakcje międzyludzkie, pokazując, jak miłość może być zarówno źródłem inspiracji, jak i cierpienia.

Trzecim tematem jest tożsamość i samopoznanie. W „Portrecie Doriego” artysta przedstawia swoją muzę, wprowadzając do obrazu elementy osobistej percepcji i relacji między artystą a modelką, co pozwala na głębsze zrozumienie jego wewnętrznego świata.

Czwartym tematem jest czas i jego upływ. W dziele „Trzej muzycy” Picasso bawi się percepcją czasu, pokazując, jak przeszłość, teraźniejszość i przyszłość splatają się w jednej chwili, tworząc niepowtarzalną atmosferę.

Piątym tematem jest wreszcie zmiana społeczna i kulturowa. W „Ślepym muzyku” przekształca tradycyjne pojęcia muzyki i sztuki, ujawniając sprzeczności i nowe podejścia, które pojawiły się w społeczeństwie.

Dlatego twórczość Picassa obejmuje różnorodne aspekty ludzkiej egzystencji, odzwierciedlając zarówno osobiste doświadczenia, jak i szersze doświadczenia społeczne. konteksty.

Peggy Guggenheim: Sztuka przesiąknięta każdą chwilą

„Każdego dnia nabywam jeden obraz” — tak Peggy Guggenheim scharakteryzowała swój styl kolekcjonowania. Może się to wydawać hobby graniczącym z szaleństwem, ale kryje się za tym jasna metodologia.

„Nie kolekcjonuję sztuki. Jestem swoim własnym muzeum”.

Peggy to paradoksalna dziewczyna, która jest bogata, ale żyje w rodzinie przypominającej prawdziwy koszmar. Urodziła się w 1898 roku w Nowym Jorku. Jej dziadek, bankier James Seligman, hojnie dzielił się swoim majątkiem, wręczając czeki urodzinowe swoim 11 dzieciom i 15 wnukom. Tradycje rodzinne uderzają swoją ekscentrycznością: jeden krewny rozdawał futra swoim dziewczynom, podczas gdy inny, wręcz przeciwnie, miał zwyczaj jedzenia węgla, czernienia zębów i grożenia samobójstwem dla pieniędzy. Ukochana ciotka Peggy często wykonywała gamy na przystankach autobusowych, ozdobiona różami we włosach. Co więcej, jej ojciec zginął tragicznie na Titanicu w 1912 roku, pozostawiając jej nie tylko spadek, ale także głęboką traumę emocjonalną.

„Moje dzieciństwo było pełne głębokiego nieszczęścia; „Nie mam ani jednego wspomnienia, które można by nazwać szczęśliwym” – zanotowała w swoich pamiętnikach.

Peggy podróżowała do Europy, gdzie zaczęła aktywnie gromadzić sztukę awangardową, w tym dzieła Kandinsky'ego, Picassa, Pollocka i Dalíego. Zaprzyjaźniła się z Marcelem Duchampem, który pomagał jej w wyborze obrazów. W 1941 roku Peggy wyszła za mąż za Maxa Ernsta.

Galeria, mieszcząca się w wspaniałym weneckim pałacu i założona przez nią, jest obecnie częścią Fundacji Solomona R. Guggenheima. Jeśli chodzi o wyniki aukcji, obraz René Magritte'a „Imperium Światła” z jej kolekcji został sprzedany na aukcji Sotheby's w 2022 roku za imponującą kwotę 57,2 miliona dolarów. Wczesne prace Andy'ego Warhola są wyceniane na 20–30 milionów dolarów, a prace Picassa również mieszczą się w podobnym przedziale cenowym.

Przeczytaj także:

Ekspresjonizm abstrakcyjny to ruch artystyczny, który pojawił się w połowie XX wieku, skupiający się na wyrażaniu emocji i stanu wewnętrznego artysty poprzez abstrakcyjne ekspresjonizm abstrakcyjny charakteryzuje się Wyraziste kształty i żywe kolory. Ten nurt różni się od sztuki tradycyjnej tym, że nie dąży do reprodukcji rzeczywistości, lecz przekazuje osobiste doświadczenia i doznania.

Artyści tworzący w tym stylu stosowali swobodne i impulsywne techniki, takie jak nakładanie farby na płótno w przypadkowym wzorze. Metoda ta pozwala na tworzenie dynamicznych i nacechowanych emocjonalnie dzieł. Ważnym aspektem ekspresjonizmu abstrakcyjnego jest to, że widz może interpretować dzieło według własnego uznania, czerpiąc z własnych odczuć i skojarzeń.

Ten nurt stał się kamieniem milowym w historii sztuki, otwierając nowe horyzonty dla autoekspresji i kwestionując tradycyjne rozumienie malarstwa. Do znanych przedstawicieli ekspresjonizmu abstrakcyjnego należą Jackson Pollock, Mark Rothko i Willem de Kooning, których dzieła nadal wywierają wpływ na sztukę współczesną.

Elizawieta Mamontowa: Ciepło i hojność duszy kupca

Podczas gdy Europa i Ameryka pogrążone były w świecie impresjonizmu, w Rosji dwie kobiety kształtowały swoją własną, unikalną rzeczywistość artystyczną.

Elizawieta Sapożnikowa urodziła się w 1847 roku w rodzinie kupca jedwabiu. W 1865 roku wyszła za mąż za Sawwę Mamontowa, który również był kupcem i zajmował się kolejnictwem.

W 1870 roku rodzina Mamontowów nabyła majątek Abramcewo. W latach 1878–1893 miejsce to stało się prawdziwym centrum działalności twórczej, gromadząc artystów, muzyków, pisarzy i reżyserów. Elizawieta Mamontowa zdołała uczynić z Abramcewa ważny ośrodek rosyjskiej sztuki.

Przede wszystkim Mamontowa otaczała się i swoją rodzinę najbardziej postępowymi artystami swoich czasów. W jej otoczeniu znaleźli się tacy mistrzowie jak Wasniecow, Polenow, Niestierow, Ostrouchow i Sierow. Wasniecow podarował jej szkic „Matki Boskiej” do soboru św. Włodzimierza, a Niestierow zabiegał o to, by jako pierwsza doceniła jego dzieło „Wizja młodzieńca Bartłomieja”. Sierow tymczasem nazywał ją drugą matką; przybył do Abramcewa jako dziesięcioletni chłopiec i stworzył „Dziewczynę z brzoskwiniami”, przedstawiającą jej córkę Wierę. To dzieło zdobiło ścianę rodzinnej jadalni w majątku przez długi czas, pozostając tam aż do 1914 roku.

Przeczytaj także:

Dziesięć dzieł Walentina Sierowa, które zdecydowanie warto zobaczyć.

Przeczytaj także:

Dziesięć słynnych dzieł Ilji Riepina, które są znane wielu osobom.

Po drugie, wraz ze swoim bliskim kręgiem zajmowała się kolekcjonowaniem przykładów sztuki ludowej i rzemiosła w Abramcewie, gromadząc zarówno przedmioty starożytne, jak i współczesne od chłopów. W rezultacie w tym miejscu powstało jedno z pierwszych muzeów rosyjskiej sztuki ludowej w kraju.

Czytaj także:

1913: Ubieramy się, jemy i odpoczywamy jak przedstawiciele arystokracja przed wydarzeniami rewolucyjnymi.

Maria Teniszewa: oddanie sztuce bez

Księżniczka Maria Teniszewa aktywnie wspierała rosyjskich artystów i założyła ośrodek kulturalny w swojej posiadłości w Tałaszkinie, położonej niedaleko Smoleńska, porównywalnej znaczeniem do słynnego Abramcewa Mamontowa.

Maria urodziła się w 1858 roku w Petersburgu. Na temat jej prawdziwego pochodzenia krążyło wiele mitów, których ani nie dementowała, ani nie potwierdzała. W 1881 roku opuściła dom swojego pierwszego męża i wraz z córką udała się do Paryża, aby uczyć się śpiewu. W tym mieście zaczęła również pobierać lekcje malarstwa i zainteresowała się emalią. Po powrocie do Rosji udało jej się uzyskać rozwód, co w tamtych czasach wymagało nie lada wysiłku.

W 1892 roku wyszła za mąż za bogatego przemysłowca, księcia Teniszewa, i aktywnie zaangażowała się w działalność charytatywną. Jej wysiłki obejmowały szeroki zakres inicjatyw – od organizowania bezpłatnych szkół dla robotników w fabryce męża w Briańsku po założenie „szkoły rysunku” w stolicy. Angażowała się również w mecenat artystyczny.

Poszłam do jego biura prosić o pieniądze. Jednak po uprzejmej odmowie – z pocałunkiem w dłoń – zdawałam się przemieniona z petentki w autorytatywną ustawodawczynię. Nalegałam: „Nalegam, że właśnie tego chcę. Proszę, żeby to zostało zrobione do jutra…”. Na co wstał, pocałował mnie i uśmiechając się kokieteryjnie, odpowiedział: „Księżniczko, twoje życzenie jest również moim życzeniem”. A kiedy, przybrawszy postać kapryśnej lwicy, odeszłam od niego, oburzona tą niegodną grą, pocieszała mnie myśl, że moja walka nie toczy się dla mnie, lecz dla wyższego celu.

W swojej autobiograficznej książce „Wrażenia z mojego życia” Maria Teniszewa dzieli się swoimi doświadczeniami i perspektywami. Opisuje ważne momenty, które miały znaczący wpływ na jej rozwój, jak i na otoczenie. W tekście autorka porusza tematy sztuki, rodziny i życia towarzyskiego, podkreślając, jak te aspekty ukształtowały jej osobowość i światopogląd. Teniszewa dzieli się nie tylko wspomnieniami, ale także refleksjami na temat czasów, w których żyła, swojego miejsca w społeczeństwie i tego, jak jej doświadczenia mogą być przydatne innym. Książka jest nie tylko kroniką jej życia, ale także głęboką analizą tego, jak losy jednostki przeplatają się z wydarzeniami historycznymi.

Poznała Riepina, który stworzył dziesięć jej portretów, ale prace te nie zrobiły na niej pozytywnego wrażenia, jeszcze zanim poznała męża. Podobnie znała Benoisa. Do jej kręgu należeli również tacy artyści, jak Sierow, Korowin, Wrubel, Wasniecow, Bakst i Roerich.

Przeczytaj także:

Dziesięć dzieł Mikołaja Roericha: od prasłowiańskich korzeni po majestat Himalajów.

Mikołaj Roerich opisał ją jako „prawdziwą Marfę, burmistrzynię”. Była sponsorką magazynu „World of Art” i założyła muzeum starożytności rosyjskiej w okolicach Smoleńska.

Nie ma wiarygodnych informacji o tym, ile obrazów z kolekcji Tenishevej zostało sprzedanych na aukcjach międzynarodowych, mimo że zaczęła wywozić swój majątek z Rosji zaraz po rewolucji 1905 roku. Mimo to wiele dzieł sztuki zachowało się w muzeach, co jest naszym szczęściem.

Wkład kobiet-mecenasów w rozwój kultury i sztuki

Kobiety, napędzane osobistą pasją do sztuki, stały się założycielkami rynku sztuki w jego obecnej formie. Ich salony odegrały rolę pierwszych nieformalnych platform, na których działały trzy kluczowe elementy: intuicja, zasoby finansowe i więzi społeczne.

Istniała jeszcze jedna potężna siła, którą można by nazwać inteligencją emocjonalną. Stein zapewniła Picassowi utrzymanie w trudnych czasach, gdy żył na strychu. Guggenheim z kolei pomagał artystom, ratując ich i ich dzieła przed reżimem nazistowskim i sprowadzając je do Ameryki. Gardner zdołała przekształcić swoją osobistą pasję w coś dostępnego dla szerokiej publiczności. Mamontowa i Teniszewa jako pierwsze dostrzegły talent i przyczyniły się do rozwoju rosyjskiej szkoły artystycznej, cenionej i uznawanej na całym świecie.

Aukcje Christie's i Sotheby's prezentują liczne obiekty będące efektem inwestycji dokonanych przez te kobiety wiele lat temu. Przewidzieli przyszłość sztuki, zanim zorientowali się w tym zawodowi krytycy, choć ich współcześni często uważali ich decyzje za pochopne.

W społeczeństwie, w którym wygląd jest wysoko ceniony, zdali sobie sprawę, że prawdziwa sztuka jest bezcenna.

Możesz znaleźć mnóstwo fascynujących informacji o designie na naszym kanale Telegram. Dołącz do nas!

Przeczytaj także:

• „Świat sztuki” i korespondencja artystyczna z całego świata. Pocztówki wspierające Wspólnotę Świętej Eugenii.
• Bajkowe sny mnie prześladowały: długo oczekiwane dzieło Wiktora Wasniecowa.
• Pięciu współczesnych artystów, których zdecydowanie powinieneś poznać.
• Konfrontacja z autorytetem: jak William Gropper wykorzystał karykaturę jako narzędzie walki.
• Fabuła związana ze słynnym dziełem sztuki to „Dyptyk Marilyn” stworzony przez Andy'ego Warhola. To dzieło, ukończone w 1962 roku, stanowi uderzający przykład pop-artu i odzwierciedla unikalny styl artysty, łączący elementy kultury popularnej i sztuki wysokiej.

  Dyptyk został zainspirowany słynnym zdjęciem aktorki Marilyn Monroe, które Warhol wykorzystał jako podstawę swojego eksperymentu artystycznego. Dzieła mistrza wyróżniają się wielokrotnym powtórzeniem tego samego obrazu, co podkreśla ideę masowej produkcji w sztuce. W tym przypadku Warhol stworzył dwie wersje portretu Monroe, różniące się paletą barw, ale zachowujące rozpoznawalny, całościowy wizerunek.

  To podejście do tworzenia sztuki odzwierciedla nie tylko zamiłowanie Warhola do kultury popularnej, ale także jego krytyczny stosunek do ikonicznych postaci, które stają się obiektami kultu. „Dyptyk Marilyn” stał się dziełem kultowym, które nie tylko umocniło reputację Warhola jako jednego z czołowych artystów swoich czasów, ale także wpłynęło na dalszy rozwój sztuk wizualnych.

  „Dyptyk Marilyn” to zatem nie tylko wizerunek popularnej aktorki, ale także głęboka refleksja na temat tożsamości, kultury popularnej i postrzegania celebrytów w społeczeństwie.

• Trzy stolice i Karl Bryułłow: spojrzenie na wystawę w Galerii Trietiakowskiej

  W Galerii Trietiakowskiej otwarto interesującą wystawę poświęconą nie tylko słynnemu artyście Karlowi Bryułłowowi, ale także trzem różnym stolicom. Wystawa oferuje wyjątkową okazję do zapoznania się z dziełami mistrza, które odzwierciedlają kulturowe i historyczne cechy tych miast. Każde z nich na swój sposób wpływa na twórczość Bryułłowa, pozwalając widzom na głębsze zrozumienie jego artystycznego świata. Wystawa staje się nie tylko ekspozycją płócien, ale także podróżą w czasie i przestrzeni, gdzie ważne aspekty życia i codzienności ujawniają się przez pryzmat sztuki.