Wyjście poza schemat. Fragment książki „Design: Historia, koncepcja, konflikty”

Zawartość:

• Według projektanta
• Wspólnie z projektantami
• Dla projektantów

Zgodnie z intencją Projektanta

Historia sztuki często pomija ważny aspekt: ​​za każdą wystawą stoi każdy artysta i kurator Istnieje projektant. Projektanci odgrywają kluczową rolę w kształtowaniu wizualnego odbioru sztuki, tworząc przestrzenie, które podkreślają idee i koncepcje ich twórców. Ich praca obejmuje nie tylko projektowanie wystaw, ale także branding, materiały promocyjne, a nawet interakcję z publicznością. W ten sposób projektanci stają się nieodzownymi partnerami w świecie sztuki, wpływając na percepcję i rozumienie prezentowanych dzieł.

Projekt jednego z najważniejszych wydarzeń w sztuce współczesnej – Documenta – został opracowany przez artystę i kuratora Arnolda Bodego w 1955 roku. Chociaż podobne wydarzenia istniały już wcześniej, takie jak Biennale w Wenecji, założone pod koniec lat 90. XIX wieku, to właśnie Bode był pionierem koncepcji integracji dzieł sztuki ze środowiskiem miejskim i podmiejskim. Ta innowacja przekształciła wystawę nie tylko w platformę prezentującą sztukę, ale także w ważne wydarzenie kulturalne, sprzyjające dialogowi między artystami a widzami. Documenta nadal stanowi punkt zwrotny w świecie sztuki, zwracając uwagę na aktualne tematy i nowe formy ekspresji.

Arnold Bode, absolwent Uniwersytetu Sztuk Pięknych w Kassel, podszedł do projektu jako projektant, tworząc Documentę. W rezultacie przestrzeń miejska, wciąż nosząca ślady bombardowań, została przekształcona poprzez śmiałe i przemyślane zagospodarowanie przestrzenne. To nie tylko podkreśliło pamięć historyczną, ale także stworzyło wyjątkową atmosferę interakcji między sztuką a środowiskiem miejskim.

Bode pomalował budynek Fridericianum na biało i ozdobił go ciemnymi, niemal czarnymi „zasłonami” z przemysłowego plastiku. To muzeum, które gości do 130 000 zwiedzających, gościło w 1937 roku wystawę „sztuki zdegenerowanej”. Architekt stworzył graficzne powiązanie między Kassel a tak ważnymi miastami sztuki, jak Londyn, Paryż i Wiedeń, wskazując na odległości dzielące je od Kassel. Od czasu zaprojektowania swojej wystawy Bode wykorzystał swój potencjał, przekształcając swoje miasto w międzynarodową stolicę sztuki oraz atrakcję kulturalną i turystyczną. Jako projektant, skrupulatnie zaprojektował trasy zwiedzania, organizację przestrzeni, instalację wystawienniczą, strategię komunikacji i zasady zarządzania Documenta, co przyczyniło się do skutecznego zaangażowania publiczności i promocji sztuki współczesnej.

Wspólnie z projektantami

Projektowanie jako kluczowy element projektów i przestrzeni wystawienniczych zaczęło być aktywnie dyskutowane już w 1929 roku, wraz z otwarciem Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) w Nowym Jorku. Wydarzenie to stało się przełomowe dla rozwoju nowoczesnych muzeów. Założyciel MoMA, Alfred H. Barr, w swoim przemówieniu inauguracyjnym podkreślił znaczenie projektowania w kontekście sztuki, podkreślając jego rolę w kształtowaniu percepcji widzów i interakcji z eksponatami. Projektowanie wystaw i przestrzeni stało się integralną częścią doświadczenia muzealnego, pomagając stworzyć niepowtarzalną atmosferę i eksponując dzieła sztuki. Dlatego od momentu powstania MoMA projektowanie jest postrzegane jako ważne narzędzie angażowania publiczności i tworzenia niezapomnianych doświadczeń artystycznych.

Muzeum musi poszerzać swoje granice, wykraczając poza tradycyjne formy sztuki, takie jak malarstwo i rzeźba. Ważne jest stworzenie działów poświęconych rysunkowi, grafice, fotografii, typografii oraz sztuce przemysłowej i stosowanej. Na uwagę w zbiorach muzeum zasługują również architektura, scenografia teatralna, meble i sztuki dekoracyjne. Filmoteka mogłaby stać się integralną częścią kolekcji, wzbogacając przestrzeń kulturową i przyciągając szerszą publiczność. Takie podejście pozwoli muzeum stać się wielofunkcyjnym centrum kultury i sztuki, pobudzając zainteresowanie różnymi formami ekspresji artystycznej.

Barr zawsze utrzymywał bliską współpracę z praktykami, podkreślając znaczenie projektantów w kształtowaniu strategii prezentacji różnych mediów. W 1932 roku architekt Philip Johnson został kierownikiem działu architektury, a w 1939 roku projektant przemysłowy Eliot Noyes został kuratorem wydarzeń i kolekcji związanych z designem. W 1951 roku do MoMA dołączył kolejny architekt i projektant, Arthur Drexler, który stanął na czele działu architektury i designu. Wszyscy ci specjaliści byli zwolennikami funkcjonalizmu, który odgrywa znaczącą rolę w ich podejściu do pracy. Kontynuowali oni swoją praktykę zarówno przed, jak i po zakończeniu pracy w muzeum. Muzeum, tradycyjnie pełniące rolę arbitra i kształtującego gusta, ustanowiło profesjonalistów jako moderatorów, kierujących się własnymi pasjami, oraz kuratorów wystaw, co przyczyniło się do powstania unikatowych ekspozycji.

Kuratorzy wystaw wzornictwa odgrywają ważną rolę w kształtowaniu polityki kulturalnej, działając jako katalizatory zmian i doradcy w tym procesie. Ich wpływu na rozwój wzornictwa i kultury nie można przecenić, ponieważ nie tylko reprezentują aktualne trendy, ale także kształtują opinię publiczną, kierując ją we właściwym kierunku. Kuratorzy analizują potrzeby kulturowe i pomagają tworzyć wystawy, które odzwierciedlają współczesne wyzwania i potrzeby społeczne, przyczyniając się w ten sposób do rozwoju środowiska kulturalnego.

Być może właśnie dlatego Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) ustala ceny obiektów na podstawie katalogów wybranych wystaw wzornictwa. Ta obserwacja dotyczy wystaw takich jak „Sztuka Maszyn” i cykl „Dobry Design”, które odbywały się corocznie przed Bożym Narodzeniem – okresem największego ruchu zakupowego. Zjawisko to odzwierciedla nie tylko amerykańską tendencję do komercjalizacji wszystkiego, ale także przekonanie wśród profesjonalistów, że obiekty projektowe w kontekście muzealnym mogą być odzwierciedleniem gospodarki. Różnica w wartości rynkowej tych obiektów jest niewątpliwie związana z procesami ich produkcji, co uwypukla istotną przepaść między nimi. Pierwotnym celem było zaprezentowanie anonimowych artefaktów jako dzieł sztuki, z zamiarem podniesienia rangi produkcji przemysłowej. W rezultacie muzeum, pełniąc rolę kreatora trendów, zaczyna postrzegać przestrzeń wystawienniczą jako coś w rodzaju sklepu, gdzie design staje się ważnym elementem nie tylko sfery kulturalnej, ale i ekonomicznej.

Dla projektantów

Kluczowym momentem w integracji designu ze sferą „wielkiej sztuki” była wystawa „Włochy. Nowy krajobraz krajowy”, która odbyła się w Nowym Jorku w 1972 roku. Wydarzenie to nie tylko doceniło i zalegalizowało różnorodność praktyk projektowych, ale także dało okazję do ich dogłębnej analizy i porównania. Dzięki systemowi zleceń radykalni projektanci uzyskali dostęp do środków produkcji, niezbędnego czasu realizacji oraz budżetów na tworzenie instalacji na dużą skalę. Młodemu kuratorowi i architektowi Emilio Ambasowi udało się pozyskać fundusze od wiodących włoskich marek, takich jak Artemide, Boffi, Kartell i Pirelli, a także od francuskiego koncernu Citroën, na realizację projektów radykalnych grup projektowych. Wystawa ta stanowiła ważny krok w kierunku uznania designu za niezależny i znaczący ruch w sztuce.

Umieszczenie produktów tych firm w gablotach przed muzeum dało projektantom możliwość swobodnej organizacji swojej pracy w przestrzeni muzealnej. Metoda opracowana przez Ambasa i jego asystenta, który spędził rok we Włoszech, stała się symbolem pierwszego kroku w kierunku odejścia od tradycyjnego wzornictwa przemysłowego. Oznaczało to nowe podejście do projektowania: projektanci zaczęli być postrzegani jako postacie kulturowe, a wystawa stała się platformą do wprowadzania nowych praktyk produkcji i wpływu.

Produkty przemysłowe, takie jak sprężyny, śmigła i łożyska kulkowe, a także przedmioty codziennego użytku, tkaniny i meble, stały się częścią kultury w rozumieniu poety i dramatopisarza T. S. Eliota, obejmując życie codzienne. Muzeum straciło status ekskluzywnej repozytorium sztuki. W 1977 roku powstało Centrum Pompidou, kontynuujące tę tradycję. Obejmował przestrzenie wystawowe, archiwum, Instytut Badań i Koordynacji Akustyki i Muzyki (IRCAM) oraz Centrum Przemysłów Kreatywnych (CCI). Podkreślał on związki między wzornictwem, architekturą i naukami humanistycznymi. Wpływ kompozytora Pierre'a Bouleza, który zainspirował powstanie IRCAM, przyczynił się do długowieczności i niezależności instytucji. Jednak CCI ostatecznie połączyło się z Pompidou, stając się „Service de l'Architecture et de l'Art”. Od czerwca do listopada 1937 roku wystawa „sztuki zdegenerowanej” przyciągnęła około dwóch milionów zwiedzających. Zorganizowana w nazistowskich Niemczech, wystawa ta stała się symbolem walki ze sztuką nowoczesną i postrzeganym przez nią zagrożeniem dla tradycyjnych wartości. Wywołała powszechne oburzenie społeczne i odcisnęła znaczący ślad na historii sztuki, pokazując, jak ideologie polityczne mogą wpływać na wydarzenia kulturalne.

Arnold Bode był wybitnym projektantem i założycielem znanej na całym świecie wystawy sztuki dokumentalnej Documenta. Jego kariera w dziedzinie projektowania i sztuk wizualnych odcisnęła znaczący ślad na sztuce współczesnej. Bode dążył do zjednoczenia sztuki ze społeczeństwem, co znajduje odzwierciedlenie w jego pracach i inicjatywach. Skupiał się na tworzeniu platform do prezentacji sztuki współczesnej, co przyczyniło się do rozwoju nowych kierunków w projektowaniu i praktyce wystawienniczej. Aby zapoznać się ze szczegółami kariery Arnolda Bodego i jego wpływu na projektowanie i praktykę wystawienniczą, polecamy książkę Geel C. Design & Display.

Barr A. H. jest autorem znaczących materiałów przechowywanych w Archiwum Muzeum Sztuki Nowoczesnej. Dokumenty te są interesujące dla badaczy i miłośników sztuki, ponieważ zawierają unikalne informacje na temat historii i rozwoju sztuki współczesnej. Aby uzyskać więcej informacji i dostęp do materiałów archiwalnych, odwiedź stronę internetową Muzeum Sztuki Nowoczesnej pod adresem https://www.moma.org/research-and-learning/archives/finding-aids/Barrf.

Zobacz: Sztuka maszynowa. Nowy Jork: Museum of Modern Art, 1969; oraz katalogi wystawy „Dobry Design” z lat 40. i 50. XX wieku.

Ambasz E., Włochy: Nowy krajobraz domowy. Osiągnięcia i problemy włoskiego wzornictwa // Włochy: Nowy krajobraz domowy. Nowy Jork: Museum of Modern Art, 1972. S. 5.

W niniejszej pracy analizowane są kluczowe osiągnięcia i wyzwania stojące przed włoskim wzornictwem. Autor analizuje wpływ kontekstu kulturowego na kształtowanie się nowych trendów we wzornictwie wnętrz i mebli, podkreślając wyjątkowość włoskiego podejścia do estetyki i funkcjonalności. Publikacja jest ważnym źródłem zrozumienia ewolucji designu we Włoszech i jego roli w światowych trendach.

Le Center de création industrielle a joué un rôle valid dans le développement de l'art et du design entre 1968 et 1992. Cette instytucje a été un foyer d'innovation, accueillant des expositions Qui ont remis en question les normes etablies. Les décentrages Successifs quélle a connus témoignent de son adaptabilité et de son zaangażowanie envers l'expérimentation. Ces Changements ont permis de mettre en lumière de nouveaux talents et de promouvoir des idées novatrices. Podziel się wiedzą oraz sur cette okres fascynacji i ses wkłady znaczące à la kultura współczesna, skonsultuj się z pełnym artykułem na adres suivante: http://problemata.org/en/articles/1024.