Wystawa Karla Briullova w Galerii Tretiakowskiej: Rzym, Moskwa, Petersburg

Spis treści:

• Temat wystawy w Nowej Galerii Tretiakowskiej: co ona ujawnia?
• „Rzym i jestem w domu”
• Moskwa: chwilowa przewaga nad Petersburgiem
• „W tym klimacie ogarnia mnie bezczynność”

  „Niemożność twórczości w tym klimacie”

  „Twórczy zastój pod wpływem otoczenia”

  „Zimny ​​klimat: przeszkoda dla mojej inspiracji”

  „Uczucie twórczego ochłodzenia w tej atmosferze”

• Struktura i projekt wystawy Briułłowa prace

Nowa Galeria Tretiakowska zaprasza na wystawę zatytułowaną „Karl Briułłow. Rzym — Moskwa — Petersburg”, która będzie ostatnią znaczącą wystawą przed rozpoczęciem przebudowy muzeum.

Wydarzenie odbędzie się od 10 czerwca 2025 r. do 18 stycznia 2026 r.

Opłata za wstęp waha się od 450 do 900 rubli.

Dni robocze: od wtorku do niedzieli.

Godziny otwarcia: od 10:00 do 21:00.

Lokalizacja: Nowa Galeria Tretiakowska, ul. Krymski Wał 10, Moskwa.

Temat wystawy w Nowej Galerii Tretiakowskiej: co ona ujawnia?

W tym roku przypada 225. rocznica urodzin Karla Briułłowa i z tej okazji czołowe muzea Rosji przygotowały wystawy specjalne. Jako pierwsze otworzyło swoje podwoje Muzeum Rosyjskie z wystawą zatytułowaną „Wielki Karol”. Miesiąc później te same dzieła sztuki zostaną zaprezentowane w Moskwie na nowej wystawie.

Galeria Tretiakowska musiała znaleźć nowe podejście do interpretacji twórczości artysty. Koncepcja koncentruje się na trzech miastach, które znacząco wpłynęły na jego życie i twórczość.

Kluczowym aspektem naszego projektu jest poszukiwanie „miejsca mocy” artysty Briułłowa. Tajemniczy, a zarazem oczywisty związek wyłania się między człowiekiem a miejscem urodzenia i życia. Zanurzając się w eksplorację różnych miejsc i ich unikalnego ducha, kreatywne jednostki wzbogacają swój wewnętrzny świat, zdobywając nową wiedzę i doświadczenia.

Wystawa, zorganizowana przez Galerię Tretiakowską, prezentuje dzieła sztuki, które wywołują głęboką refleksję i emocje. Na wystawie prezentowane są zarówno dzieła uznanych mistrzów, jak i mniej znanych, ale nie mniej utalentowanych artystów. Każde dzieło niesie ze sobą unikalną historię i odzwierciedla różne aspekty ludzkiego życia i kultury. Zwiedzający będą mogli zanurzyć się w atmosferze kreatywności, odkrywając różnorodność stylów i technik, które ukazują bogactwo dziedzictwa artystycznego. Ta wystawa to doskonała okazja dla widzów nie tylko do docenienia piękna sztuki, ale także do zastanowienia się nad jej znaczeniem we współczesnym świecie.

Najważniejszą rzeczą, jaką wystawa ilustruje wyjątkowe umiejętności artysty.

Jasne i nasycone kolory niezmiennie przyciągają uwagę, ale dzieła sztuki stworzone węglem i ołówkiem z miękkim cieniowaniem są równie wyraziste. Obrazy, zwłaszcza te z „serii włoskiej”, są tak naładowane energią, że zdają się przekraczać swoje granice: jesteśmy świadkami momentu, który na chwilę przerywa działania postaci. Nawet z majestatycznych portretów arystokratów w luksusowych strojach, na widza patrzą prawdziwi, żyjący ludzie.

"Rzym, a ja jestem w domu"

Ten opis wiecznego miasta pozostawił Briułłow w 1850 roku, kiedy po raz drugi wrócił do Włoch i postanowił pozostać tam na zawsze.

Okres życia we Włoszech odegrał kluczową rolę w biografii artysty: to właśnie w tym kraju stworzył obrazy, które przyniosły mu sławę.

Jego rodzinny Petersburg, gdzie artysta spędził pierwsze 24 lata swojego życia, narzucił mu surowe ograniczenia, zmuszając go do przestrzegania ustalonych zasad i norm. Na początku swojej kariery Karl znajdował się pod ścisłą kontrolą ojca. Uważa się, że w wyniku okrutnego ciosu w dzieciństwie stracił słuch w jednym uchu. Jego ojciec żądał, aby jego syn dosłownie rysował za jedzenie. Później stanął przed wymaganiami Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie należało tworzyć dzieła zgodnie z tradycyjnymi kanonami.

Nic dziwnego, że artysta czuł się uwięziony, ponieważ jego żarliwa natura i zdolności twórcze dążyły do ​​znalezienia wolności.

W 1823 roku Karol Briułłow po raz pierwszy odwiedził Rzym ze swoim starszym bratem Aleksandrem. Było to możliwe dzięki wsparciu Towarzystwa Zachęty Artystów, które sfinansowało ich podróż w zamian za namalowanie kilku płócien. Zanim jednak to wydarzenie się wydarzyło, rozegrał się prawdziwy dramat: Karol, po obronie pracy dyplomowej, otrzymał od Akademii możliwość wyjazdu z pełnym pokryciem kosztów. Rektor instytucji zamierzał jednak zatrzymać Briułłowa na kolejne trzy lata, i to pod okiem artysty, który nie wyróżniał się ani talentem, ani autorytetem.

Briułłow poprosił o zastępstwo dla swojego mentora, ale gdy jego prośba została odrzucona, postanowił zrezygnować z podróży i zrezygnować z patronatu Akademii.

Podczas pobytu we Włoszech artysta odwiedził takie miasta jak Florencja, Neapol i Wenecja. To właśnie tam spotkał swoje przeznaczenie – niezwykłą i ekscentryczną, bogatą wdowę Julię Samojłową, która stała się jego muzą i kochanką. Hrabina nie tylko wspierała finansowo jego twórczość, ale także kiedyś uratowała go z trudnej sytuacji podczas pewnego spotkania towarzyskiego. We Włoszech artystka spędzała dużo czasu w swojej willi, położonej nieopodal malowniczego jeziora Como.

Czytaj także:

Kobiety patronki: sztuka na najwyższym poziomie dzięki patronatowi kobiet.

Zwiedzający, przebywając w sali, mogą oglądać z obu stron słynne dzieła, które sam artysta nazwał „włoskim gatunkiem”. Te niewielkie obrazy, wypełnione słonecznymi, ciepłymi i żywymi kolorami, przedstawiają sceny z życia codziennego w XIX-wiecznych Włoszech: żniwa, chwile odpoczynku, modlitwę i tańce.

Brullov prawdopodobnie kojarzy Wieczne Miasto z najjaśniejszym okresem swojego życia, pełnym młodości i energii. Nie tylko odwiedził Rzym, ale i spędził tu długi czas. Co więcej, to właśnie w tym mieście stworzył kilka wybitnych dzieł sztuki, wśród których wyróżnia się „Ostatni dzień Pompejów”.

Wielki Karol Wielki mógł pojawić się tylko w kontekście potężnego Rzymu.

Kuratorką wystawy jest Ludmiła Markina.

Okres rzymski kończy wystawa obrazu „Ostatni dzień Pompejów”, który zostanie zaprezentowany w Moskwie po raz pierwszy od ćwierćwiecza.

Czytaj także:

Selfie, romantyzm i symbolizm: kluczowe aspekty obrazu Briułłowa „Ostatni dzień Pompejów”

Obraz Karla Briułłowa „Ostatni dzień Pompejów” to wybitne dzieło sztuki, łączące elementy romantyzmu i symbolizmu. Powstałe na początku XIX wieku płótno urzeka dynamiką i emocjonalną intensywnością tematu.

Obraz przedstawia dramatyczny moment, w którym mieszkańcy Pompejów próbują uciec przed straszliwą erupcją Wezuwiusza. Artysta mistrzowsko oddaje atmosferę paniki i grozy, przedstawiając postacie w różnorodnych pozach i emocjach, co czyni dzieło wyjątkowo ekspresyjnym.

Ponadto Briułłow wykorzystuje światło i cień, aby stworzyć dramatyczne kontrasty, które podkreślają napięcie chwili. Każda postać na obrazie, czy to zdesperowana matka z dzieckiem, czy młody mężczyzna walczący o zbawienie, reprezentuje ludzki los w obliczu nieuniknionego. Obraz ten świadczy nie tylko o kunszcie technicznym artysty, ale także o jego głębokim zrozumieniu ludzkich emocji i tragedii. „Ostatni dzień Pompejów” stał się nie tylko ważnym wkładem w romantyzm, ale także znaczącym dziełem w kontekście sztuki rosyjskiej, wywierając wpływ na kolejne pokolenia artystów. Widzowie powinni zwrócić uwagę na szczegóły, które pomogą lepiej zrozumieć zarówno bohaterów, jak i ogólną ideę kruchości życia i majestatu natury.

Moskwa: Tymczasowa przewaga nad Petersburgiem

Artysta spędził dwanaście lat we Włoszech, do 1835 roku, i raczej nie pomyślałby o powrocie do Rosji, gdyby nie dekret cesarza, który nakazał mu powrót do ojczyzny i przywiezienie swojego niezwykłego talentu. Jego dzieło „Pompeia” zyskało ogromną popularność w całej Europie, a o Karlu pisały wszystkie znane gazety. Briułłow został odznaczony honorowym członkostwem pięciu zagranicznych akademii, a także otrzymał złoty medal od Francuskiej Akademii Sztuk Pięknych.

Artysta Briułłow spędził kilka miesięcy w Moskwie, gdzie poznał Puszkina, a także stworzył wiele formalnych portretów i romantyczne arcydzieło „Wróżbiarka Swietłana”.

„Udało mi się spotkać Briułłowa. Spotkałem go w pracowni pewnego rzeźbiarza, u którego tymczasowo przebywał. Wywarł na mnie bardzo pozytywne wrażenie. Artysta odczuwa melancholię, boi się rosyjskiego chłodu i wszystkiego, co się z nim wiąże, marzy o Włoszech i jest skrajnie niezadowolony z życia w Moskwie” – Puszkin podzielił się wrażeniami ze spotkania z mistrzem.

„W tym klimacie ogarnia mnie bezczynność”

„Niemożność twórczości w tym klimacie”

„Stagnacja twórcza pod wpływem otoczenia”

„Zimny ​​klimat: przeszkoda dla mojej inspiracji”

„Uczucie twórczego ochłodzenia w tej atmosferze”

Puszkin najlepiej scharakteryzował odmowę mistrza powrotu na dwór.

„Brułłow opuszcza mnie w tej chwili. Z ciężkim sercem zmierza do Petersburga, bojąc się klimatu i możliwości niewoli. Staram się go wspierać i wpajać nadzieję, ale jednocześnie moje własne serce ściska się na myśl, że jestem dziennikarzem. Co mnie teraz czeka?... Cholera, jakiż pech mnie spotkał, że urodziłem się w Rosji z duszą i talentem!

Mój drogi,

Dziś, 18 maja 1836 roku, piszę do Ciebie z wielkim wzruszeniem. Każdy dzień spędzony z dala od Ciebie wydaje się wiecznością i nie mogę się doczekać chwili, gdy znów będę mógł być blisko Ciebie. Moje myśli nieustannie do Ciebie wracają i czuję, jak bardzo Cię potrzebuję.

Ostatnio myślałam o tym, jak szybko mija czas. Wspominając nasze wspólne chwile, uświadamiam sobie, jak napełniły one moje życie radością i sensem. Każda chwila spędzona z Tobą była dla mnie prawdziwym darem. Mam nadzieję, że tak jak ja, starannie zachowasz wszystkie nasze wspomnienia.

Wiedząc, że jesteś teraz zajęty swoimi sprawami, chcę, abyś nie zapomniał o swoim zdrowiu. Ty, jak zawsze, dbasz o innych, ale nie zapominaj o sobie. Bardzo się o Ciebie martwię i chcę, żebyś był szczęśliwy i zdrowy.

Czekam na Twoją odpowiedź. Przekazuję Ci całą moją miłość i czułość. Pamiętaj, że pomimo odległości, zawsze jesteś w moim sercu.

Twój wierny.

Mimo to w Petersburgu, gdzie Briułłow spędził dzieciństwo i młodość, początkowo wszystko układało się całkiem dobrze. Uroczysta ceremonia ku czci artysty odbyła się w Sali Rafaela Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych. Witano go jak prawdziwego bohatera narodowego. Wielu starało się o jego przyjaźń, a malarz został dosłownie zasypany różnymi zleceniami.

Mikołaj I usilnie nalegał na stworzenie nowego dzieła historycznego. Artysta wybrał jako temat „Oblężenie Pskowa przez króla polskiego Stefana Batorego w 1581 roku”, ale nigdy nie ukończył dzieła. Pomimo wagi pomysłu, nie osiągnął on poziomu Pompejów; „genius loci” nie objawił się tutaj. Klimat Petersburga i brak rodziny oraz bliskich przyjaciół doprowadziły artystę do stanu melancholii.

Ludmiła Markina jest kuratorką wystawy.

W stolicy Briułłow kontynuował tworzenie formalnych portretów. Co ciekawe, wśród jego prac znajduje się kilka portretów członków dynastii Romanowów, które są prezentowane na wystawie, ale żaden z nich nie przedstawia cesarza ani scen rodzinnych z udziałem rodziny królewskiej.

Głównym powodem był temperament Briułłowa: nie miał ochoty przedstawiać tych, którzy budzili jego antypatię, i wolał unikać oficjalnych zleceń.

Istnieje kilka wersji opisujących, jak obojętność Romanowów irytowała artystę, co skłoniło go do kilkukrotnego odejścia z farbami, demonstrując w ten sposób swoją irytację. Ostatecznie doprowadziło to cesarza do wściekłości i decyzji o nieprzyjmowaniu Briułłowa.

W dziele „Petersburg” jeden z portretów nie został szczegółowo opisany w przypisie. Jest to „Portret Emilii Timm przy fortepianie”: to kobieta, z którą Briułłow spędził 41 dni swojego małżeństwa. Szybko zakończone małżeństwo i późniejszy rozwód wywołały wielkie oburzenie opinii publicznej w 1839 roku.

Przyczyny konfliktu pozostają tajemnicą. Pomimo sławy, artysta stracił w tym okresie poparcie wielu klientów i zdecydował się opuścić Petersburg. Jego ratunkiem okazała się hrabina Julia Samojłowa, która powróciła z Włoch. Wykorzystała wszystkie swoje znajomości i zorganizowała wystawę prac artysty, który znalazł się w trudnej sytuacji.

Przeczytaj także:

Pięć dzieł sztuki, które stały się przyczyną konfliktów prawnych ich autorów.

Briułłow nie mógł znaleźć szczęścia w Petersburgu. Ostatecznie to miasto okazało się dla artysty brzemienne w skutki: w 1843 roku zlecono mu namalowanie fresków w soborze św. Izaaka.

„Wyobrażałem sobie siebie jako drugiego Michała Anioła, tworzącego nieśmiertelny pomnik własnej egzystencji” – przepowiedział z głębokim przesłaniem.

W jednej z sal galerii znajdują się szkice i rysunki kopuły, których artysta nigdy nie ukończył. Prace nad freskami w katedrze trwały pięć lat. W międzyczasie pojawiły się spory z klientem i różnice w podejściu do twórczości. Ostatecznie wszystko przerodziło się w poważne przeziębienie spowodowane wilgocią i zimnem: Briułłow spędził siedem miesięcy w łóżku, a następnie, stosując się do zaleceń lekarzy, wyjechał do Włoch.

Po długiej nieobecności w Rzymie czuł, że to miejsce ponownie obdarzy go wyjątkową energią, pozwoli mu poprawić zdrowie i wznowić pracę twórczą. Pomimo pogarszającego się stanu układu krążenia, Briułłow nie porzucił malarstwa: kontynuował tworzenie portretów i kompozycji rodzajowych. Jego pogodna natura nie pozwalała mu popadać w przygnębienie.

Kuratorką wystawy jest Ludmiła Markina.

„Już nie wyjadę, nigdzie nie chcę jechać i nie opuszczę mojego Rzymu”. Bryulłow zmarł w 1852 roku.

Struktura i projekt wystawy Bryułłowa

Kluczowym elementem wizualnym wystawy jest głęboka czerń, która tworzy uderzający kontrast z paletą barw obrazów, skupiając na nich uwagę widza. Ta technika zdaje się sugerować, że to płótna są najważniejsze. Obrazy zdają się wyrywać z nicości i świecić w głębokiej ciemności.

Wystawę zorganizował zespół DK-community, w którego skład weszli architekci Swietłana Zezyukina, Trifon Milyaev, Nikita Morenov i Natalia Krymskaya.

Użycie czerni w sztuce zostało zainspirowane samym obrazem. Dzieła Briułłowa, a także arcydzieła renesansu, takie jak Caravaggio, charakteryzują się ciemnym tłem i grą światła.

Zmniejszając jasność tła, skupiliśmy się na obrazach.

Pionowe rzędy pylonów, stanowiące podstawę obrazów, nawiązują do klasycznych pilastrów. Elementy te wykonane są z profilowanej blachy, a wybór tego materiału nie był przypadkowy. Długo zastanawialiśmy się, jak harmonijnie połączyć obraz z jego tłem. Odpowiedzią na to pytanie były refleksy świetlne tworzone przez odblaskowy metal, który zapewniał tę jedność.

U dołu, pod dziełami sztuki, znajdują się podświetlone, poziome kasetony świetlne. Te jaskrawe paski pełnią funkcję praktyczną: ostrzegają zwiedzających, aby nie podchodzili zbyt blisko obrazów, a także mieszczą bilety.

Swietłana Zezyukina jest architektką, współzałożycielką DK-community i nauczycielką w szkole architektury MARCH.

Architekci i projektanci pracujący nad przestrzeniami wystawowymi zaproponowali eleganckie rozwiązanie wizualnego wyodrębnienia tematów: każdemu miastu przypisano unikalny kolor i własną „ulicę”. W ten sposób Rzym stał się żółty, Moskwa – czerwona, a Petersburg – niebieski. Na początku każdej „ulicy” znajduje się krótka informacja o tym, dlaczego artysta trafił do tego miasta i czym się zajmował.

Mapy wskazujące daty i wydarzenia przyczyniają się do głębszego zrozumienia. „Droga” prowadzi widza przez wystawę, a jej kulminacją jest główne dzieło sztuki.

Naszym głównym celem było stworzenie harmonijnego połączenia między rozwiązaniami architektonicznymi hali a prezentowanymi na wystawie dziełami sztuki, tak aby całościowy odbiór stał się jednolity i kompletny. Architektoniczne elementy przestrzeni wystawowej nie tylko stanowią tło dla prac, ale także kontynuują twórczą wizję artysty.

Przestrzeń ta cechuje się elementami klasycyzmu, widocznymi w uporządkowanej strukturze i gładkich powierzchniach pylonów. Romantyzm z kolei przywołuje ponurą atmosferę, przywodzącą na myśl zrujnowane zabytki starożytności. Jednocześnie wystawa mieści się w modernistycznej sali, gdzie złota siatka szklanego sufitu, w połączeniu z kolumnami, tworzy efekt kasetonowego sufitu typowego dla renesansu.

Swietłana Zezyukina

Wystawa stała się ważnym świadectwem artystycznego dziedzictwa mistrza. Zwiedzający mogą oglądać zarówno znane dzieła, jak i niedokończone portrety, szkice i grafiki. Niektóre obrazy są uzupełnione elementami interaktywnymi dla dzieci, w tym testami, pytaniami i zadaniami.

Uważamy, że odwiedzający wystawę nie powinni oczekiwać pełnego zrozumienia Biografia Briułłowa, ponieważ informacje na trybunach nie dostarczają wystarczającej ilości faktów, aby ujawnić prawdziwe powody jego działań. Zalecamy przeczytanie jednego lub dwóch artykułów o artyście przed wizytą, aby lepiej zrozumieć, gdzie Briułłow czuł się komfortowo, a gdzie był zmuszony pracować nad portretami. Przydatne materiały można znaleźć na przykład na stronie internetowej kultura.rf lub w artykule opublikowanym w czasopiśmie Państwowej Galerii Tretiakowskiej „Ławrus”.

Wystawa kończy się Drugie najsłynniejsze dzieło Briullowej - "Amazonka", imponujące ogromnymi rozmiarami, sięgającymi 291,5 × 206 cm. Ten obraz jest umieszczony nieco osobno, co pozwala widzom zarówno rozpocząć, jak i zakończyć zapoznanie się z wystawą na nim.

Znajdziesz tu wiele fascynujących Informacje o projektowaniu znajdziesz na naszym kanale Telegram. Dołącz do nas!

Czytaj także:

• Bajkowe sny mnie prześladowały: niedokończone arcydzieło Wiktora Wasniecowa.
• Dzieło Wasilija Pukiriewa „Nierówne małżeństwo” to artystyczne przedstawienie palącego problemu społecznego. Obraz ten porusza ważne kwestie nierówności klasowych i relacji międzyludzkich, kwestionując tradycyjne normy i wartości tamtych czasów. Koncentruje się na kontraście między różnymi warstwami społecznymi, co wyraźnie pokazuje, jak stereotypy społeczne i status majątkowy mogą wpływać na osobiste losy ludzi. Pukiriew mistrzowsko przekazuje emocje i doświadczenia swoich bohaterów, zachęcając widza do refleksji nad moralnością i sprawiedliwością w społeczeństwie.
• Wasilij Wierieszczagin: Droga do artystycznej wielkości

  Wasilij Wierieszczagin jest wybitną postacią w świecie malarstwa, którego kariera i twórczość odcisnęły znaczący ślad na historii sztuki. Jego droga do uznania i sukcesu nie była łatwa, ale to właśnie pokonywanie trudności uczyniło jego sztukę tak wyjątkową i niezapomnianą.

  Od najmłodszych lat Vereshchagin wykazywał zainteresowanie sztuką, co skłoniło go do podjęcia studiów w akademiach artystycznych. Dążył nie tylko do opanowania techniki, ale także do zrozumienia głębokich znaczeń, jakie można przekazać poprzez malarstwo. Zainspirowany wydarzeniami wojskowymi i codziennym życiem żołnierzy, artysta tworzy dzieła odzwierciedlające brutalną rzeczywistość wojny, ukazując nie tylko jej heroizm, ale i tragedię.

  Jego prace, pełne emocjonalnej siły i realizmu, przyciągały uwagę widzów i krytyków. Vereshchagin nie bał się podejmować złożonych tematów, co z kolei przyczyniło się do jego uznania w społeczeństwie. Każde płótno stawało się nie tylko obrazem, ale całościową wypowiedzią, zdolną do wywołania głębokiej refleksji.

  Z biegiem czasu jego styl ewoluował, ale pragnienie przekazywania prawdy o świecie poprzez sztukę pozostało niezmienne. Wierieszczagin stał się nie tylko mistrzem, ale i symbolem artystycznej odwagi, który nie unikał trudnych pytań i szukał na nie odpowiedzi w swoich dziełach. Tym samym zasłużenie wszedł do panteonu wielkich artystów, pozostawiając po sobie dziedzictwo, które wciąż inspiruje pokolenia.

• Historia jednego obrazu: „Poranek w sosnowym lesie”

  „Poranek w sosnowym lesie” to słynne płótno namalowane przez artystę Arkadija Riłowa na początku XX wieku. Obraz przedstawia malowniczy leśny krajobraz, przepełniony porannym światłem i świeżością natury. Centrum kompozycji stanowią sosny majestatycznie wznoszące się nad ziemią, delikatnie rozświetlające światło swoimi koronami.

  Artysta mistrzowsko oddał atmosferę cichego poranka, kiedy przyroda budzi się do życia, a promienie słońca delikatnie oświetlają ziemię. Detale są szczególnie wyraziste: każda gałąź i szyszka jodły, za którymi widoczna jest gra światła i cienia.

  Temat obrazu, przedstawiający niedźwiedzie eksplorujące las, jest nie mniej intrygujący. Ssaki te wydają się spokojne, podkreślając harmonię między dziką przyrodą a jej mieszkańcami. Riłow starał się oddać nie tylko piękno natury, ale także jej kruchość, budując w ten sposób głęboką więź między widzem a przedstawionym światem.

  Dzieło stało się symbolem rosyjskiej sztuki pejzażowej i nadal zachwyca widzów swoją ekspresją i żywiołowością. Przypomina nam o znaczeniu ochrony przyrody i wartości każdej chwili spędzonej na łonie natury.

• Sztuka renowacji: osiem najgłośniejszych skandali.